Gender in Aktion: Interdisziplinäre Perspektiven und technologische Interaktionen

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“Technik ist aus unserem Leben nicht mehr wegzudenken. Sie durchdringt heute alle Lebensbereiche. Sie tritt uns als intelligente Akteurin zunehmend ebenbürtig gegenüber, denkt mit, unterstützt, bevormundet oder entmündigt. Dabei fließen in Gestaltungsentscheidungen immer auch – bewusst oder unbewusst – geschlechtliche Vorstellungen über die Nutzer_innen und Nutzungskontexte ein: In Gestaltungs-, Nutzungs- und Aneignungsprozessen entscheidet sich im und am Artefakt, was wir sind und wie wir handeln – als vergeschlechtlichte Subjekte und Objekte.
Die Konferenz „Gender in Aktion: Digitale Perspektiven von Gender & Design“ will diese bisher immer noch „peripheren Randbezirke“ des digitalen Designs ins Zentrum der Diskussion rücken. Technologie als männliche Kultur, Erfahrungen von im(materieller) Körperlichkeit, Gender-Positionierung sind Fragen, die in vier intensiven Workshops mit unterschiedlicher thematischer Fokussierung adressiert werden sollen.

Gender und Interaction Design Research

Interaction Design ist ein sehr gutes Beispiel für „moving in-between“-Aktivitäten:  Die Beweglichkeit zwischen Designforschung, Designpraxis und Gender ergibt Trajektorien, deren Laufbahnen nicht in eine Richtung zeigen, sondern hin- und her-oszillieren. Mit der rasanten Ausweitung von Technologien auf alle Lebensbereiche gewinnt die Diskussion um die Einbeziehung von Gender-Perspektiven an zunehmender Relevanz: Der Fokus liegt nicht mehr nur auf den Analysen der  unterschiedlichen geschlechterspezifischen Verständnisse und Umgangsweisen von digitaler Interaktion; genauso wichtig ist ein Verständnis dieses Bereichs hinsichtlich Gender-Identitäten: Für wen und in welcher Form werden Technologien gestaltet, die als gender-sensibel zu bewerten sind.
Moderation: Jennifer Schubert, Designforscherin, Doktorandin am Design Research Lab, UdK, Berlin & Dr. Arne Berger, Designer und Designforscher, Leiter Forschungsprojekt „miteinander“, TU Chemnitz.

User Experience als Gender Experience

Hierbei geht es nicht allein um die unmittelbare UX / HCI, sondern auch um die genaue Erfahrung, wie Menschen (und damit unterschiedliche Genders) im Alltag physikalische und immaterielle Artefakte gebrauchen und benutzen.
Moderation: Claudia Herling, Designerin, Mitinhaberin Designbüro „digitale frische“, Köln, Lehrbeauftragte FH Aachen & Kevin Lefeuvre, Produktdesigner, wissenschaftlicher Mitarbeiter im Forschungsprojekt „miteinander“, TU Chemnitz.

Demographischer Wandel unter Gender-Perspektiven

Gegenläufiger könnte die demografische Entwicklung in unterschiedlichen Regionen der Welt nicht sein: Während Afrika weiterhin der Kontinent mit dem größten Bevölkerungswachstum ist, verlangsamt sich das Wachstum in den sogenannten (post)industriellen Ländern geradezu dramatisch.
Fakt: Frauen werden a. im Durchschnitt älter und sind b. aktiver und interessierter als Männer. So macht es Sinn, Frauen in Co-Creation und partizipative Prozesse/Projekte intensiver mit einzubeziehen, mit ihnen gemeinsam lebenswerte Aktionen und ggf. auch finanzielle Potenziale zu erschließen. Bezüglich interaktiver Technologien werden hier Überlegungen zum Tragen kommen, die der Erleichterung des Alltags dienen, aber auch die kontinuierliche Partizipation an kulturellen und anderen „outdoor“-Aktivitäten bis ins hohe Alter ermöglichen.
Moderation: Dr. Sandra Buchmüller, Designforscherin und ­Designerin, Köln 
& N.N.

Demokatisierung von Technologien – Demokratisierung von Gender

Vernetzte Technologien und Daten sind für immer mehr Menschen zugänglich, etwa durch Open Source, Rapid Prototyping, DIY-Techniken.
Dies wirft die Frage auf, inwieweit die zunehmend vernetzte Welt gesellschaftliche Ordnungen auch hinsichtlich vergeschlechtlichter Macht und Ohnmacht reproduziert oder verändert.
Moderation: Michelle Christensen, Soziologin und Designforscherin, Florian Conradi, Designer und Designforscher, beide Design Research Lab, UdK Berlin & Dr. Albrecht Kurze, Informatiker, stellvertretender Leiter des Projekts ­„miteinander“.”

Die Konferenz des international Gender Design Networks / iGDN in Kooperation mit dem Forschungsprojekt “miteinander” findet am 30.11. und 1.12.2016 an der TU Chemnitz statt. Den Abendvortrag hält Prof. Dr. Shaowen Bardzell (Human-Computer Interaction Design, Indiana University Bloomington, USA).

via iGDN

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Ene Mene Muh und welche Stadt willst Du? (Contribution to the Berlin state election 2016)

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“The debates and struggles in Berlin for civic involvement in urban development arise from an increasingly urgent desire for genuine participation. Ene Mene Muh und welche Stadt willst Du? poses questions regarding the theory and practice of participation and paths to social change in representative democracy.

Using Sherry Arnstein’s “Ladder of Citizen Participation” (1969) as a starting point, interviews were conducted with members of the initiatives Stadt von Unten, 100% Tempelhofer Feld and Kotti & Co. The ensuing conceptual fields of “empowerment”, “eye level”, “control of politics (by the general population)” and “self-administration” house a subjective arrangement of historical and contemporary photographs, videos and publications in the exhibition space.

This spatial diagram accompanied by documentary films is grasped as a discussion offer and reference system for the project’s event programme comprising radio readings, lectures and talks on the topics of urban commons, public property, housing policies, community organizing and direct democracy.

Beiträge zum Berliner Wahlherbst 2016
Contributions to the Berlin state election 2016
Spatial diagram, Films, Events, Publications

10 September – 3 October 2016 with contributions by:
Sandra Bartoli, Niels Boeing, Daniela Brahm, Ascan Breuer, Irene Bude & Olaf Sobczak & Steffen Jörg, Frauke Burgdorff, Robert Burghardt, Paola Castillo & Tiziana Panizza, Gerd Danigel, Tashy Endres, Valeria Fahrenkrog, Joerg Franzbecker, Erik Göngrich, Ulrike Hamann, Anna Heilgemeir, Mathias Heyden, Renate Hildebrandt, HK Bast & Leut’Werk, Andrej Holm, Claudia Hummel, Sandy Kaltenborn, Jan Kuhnert, Heimo Lattner, Judith Laub, Johannes Ludwig, Annette Maechtel, Robert Maruschke, Kerstin Meyer, Susanna Raab, Elske Rosenfeld, Andreas Rumpfhuber, Ines Schaber, Enrico Schönberg, Boris Sieverts, Stavros Stavrides, Rouzbeh Taheri, Fabian Thiel, Florian Wüst u. a.

Ene Mene Muh und welche Stadt willst Du? is a project of the initiators of the Berlin Journals—On the History and Present State of the City. The ongoing series of small publications combines artistic, essayistic and activist practices. The journals address the social, cultural and economic changes in Berlin and other cities, and intervene in the urban political debates by historical reflection as well as by information on current affairs. After the exhibition, new issues of the Berlin Journals will be co-produced with the publishing house of the nGbK.

Friday, 9 September 2016, 19h
Opening

Saturday, 10 September 2016, 18h (de)
Von Wegen. Überlegungen zur freien Stadt der Zukunft
Lecture and talk with Niels Boeing (Hamburg)
Moderated by Mathias Heyden

Wednesday, 14 September 2016, 19h (de)
IBID – Szenische Lesungen aus politischen Dokumenten
Zwei Welten? TUNIX, Mescalero und die Folgen, 1978
Edited by Heimo Lattner & Annette Maechtel
Live broadcast on reboot kotti.fm 99.1

Friday, 16 September 2016, 19h (de)
Wünsche an die Demokratie: Basis- und direktdemokratische Ansätze vom Verfassungsentwurf des Runden Tisches der DDR zur Gesamtberliner Verfassung
Open talk with Bernd Gehrke (Berlin), Jürgen Tallig (Berlin) u.a.
Moderated by Kerstin Meyer & Elske Rosenfeld

Saturday, 17 September 2016, 18h (en)
Common Space: The City as Commons (In Common)
Lecture and talk with Stavros Stavrides (Athen)
Moderated by Ulrike Hamann & Mathias Heyden

Based on his book Common Space: The City as Commons (Zed Books, London 2016) published as part of the series In Common, we talk with Stavros Stavrides (architect, activist, author and professor at the National Technical University of Athens) about his understanding of threshold and border spaces as spatial commons and their potential for urban-communal action to reclaim public space. His global engagement with social housing construction and informal settlements additionally prompts us to grasp Berlin’s housing stock as spatial commons. His work on commons and communing refers to multifaceted processes, in which spaces, usage subjects (residents) and usage rules (institutions) have the same qualitative features. Space is therefore not only a product based on sharing, co-operation and solidarity, but also the means with which egalitarian social relations are established, formed and shaped – living environments ruled by everyone and accessible for all.

Sunday, 18 September 2016, from 17h
Election gala at Südblock
Südblock, Admiralstraße 1–2, 10999 Berlin

Wednesday, 21 September 2016, 19h (de)
IBID – Szenische Lesungen aus politischen Dokumenten
Forum Stadtpolitik: Wohnungsnot–Instandbesetzung?, Institut für Stadt- und Regionalplanung der TU Berlin, 12. Februar 1981
Edited by Florian Wüst
Live broadcast on reboot kotti.fm 99.1

Thursday, 22 September 2016, 19h (de)
Mitmachstadt trifft Kalkberg
Performative lecture by Claudia Hummel (Berlin) & Boris Sieverts (Köln)
Moderated by Erik Göngrich

Saturday, 24 September 2016, 18h (de)
Der Boden gehört uns allen! Öffentliche Liegenschaften und sozial gerechte Bodennutzung
Lecture and talk with Frauke Burgdorff (Bonn/Krefeld), Enrico Schönberg (Berlin), Fabian Thiel (Frankfurt am Main)
Moderated by Daniela Brahm & Mathias Heyden

Wednesday, 28 September 2016, 19h (de)
IBID – Szenische Lesungen aus politischen Dokumenten
Die Mauerpark-Affäre: Protokoll der 70. Plenarsitzung des Abgeordnetenhauses von Berlin, 17. Wahlperiode, 8. Oktober 2015
Edited by Heimo Lattner & Judith Laub
Live broadcast on reboot kotti.fm 99.1

Friday, 30 September 2016, 19h (de)
Community Organizing. Zwischen Revolution und Herrschaftssicherung
Lecture and talk with Robert Maruschke (Berlin)
Moderated by Tashy Endres & Mathias Heyden

Monday, 3 October 2016, 16–20h (de)
Wohnen als Gemeingut: selbstverwaltet und kommunal! Von der Parzelle über das Quartier in die Stadtregion?
Lecture and talk with Anna Heilgemeir (Berlin), Andrej Holm (Berlin), Jan Kuhnert (Hannover), Johannes Ludwig (Hamburg), Susanna Raab (Berlin), Andreas Rumpfhuber (Wien), Rouzbeh Taheri (Berlin)
Moderated by Ulrike Hamann & Mathias Heyden

nGbK Project group: Joerg Franzbecker, Erik Göngrich, Heimo Lattner, Katja Reichard, Ines Schaber, Florian Wüst. With the collaboration of Valeria Fahrenkrog. Curator of lectures and talks: Mathias Heyden

via ngbk

 

 

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Das Echo der Utopien – Tanz und Politik

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Kunst ist immer politisch! Nur der Tanz nicht? Zu Unrecht steht der Tanz in dem Ruf, eine unpolitische Kunst zu sein, der reinen Form, oft sogar dem puren Vergnügen verpflichtet, ohne politischen Inhalt, ohne politische Aussagekraft. Mit der Ausstellung “Das Echo der Utopien” geht das Tanzmuseum des Deutschen Tanzarchivs Köln den mannigfaltigen Spuren, Spielarten und Verbindungen von Tanz und Politik in Geschichte und Gegenwart nach.

Und ja: Tanz ist politisch. Allein mit seiner Körperlichkeit und seiner Ausdruckskraft ist er in der Lage, gesellschaftlich-moralische Ordnungen zu bestätigen oder sie nachhaltig infrage zu stellen. Allzu oft waren und sind es Verbote, die dem Einhalt gebieten können. Folgerichtig begegnen sich in der Ausstellung des Deutschen Tanzarchivs Köln u. a. Tanzverbote durch kirchliche und weltliche Obrigkeiten aus dem 16. sowie dem 21. Jahrhundert.

Auch kann Tanz Ausdruck politischen Engagements sein. Die Ausstellung veranschaulicht dies beispielsweise anhand filmischer Aufzeichnungen aktueller Formen öffentlicher Performances und Happenings aber auch anhand von Dokumenten über den Widerstand von Tanzkünstlern zur Zeit des Nationalsozialismus.

En passant stellt “Das Echo der Utopien” dem Betrachter dabei auch die Frage nach den Chancen und den Orten von künstlerischen, sozialen und politischen Utopien in unserer Zeit.

Die Ausstellung wurde verlängert und läuft noch bis zum 29.1.2017.
Täglich (außer Mittwochs) von 14–19 Uhr im Deutschen Tanzarchiv Köln / SK Stiftung Kultur. Im Mediapark 7, 50670 Köln.

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Design and Organisation 2.0: From „Design for Life“ to „Design Your Life“

Looking at society as the embodiment of a living environment, which is constituted of social, cultural, mental and material components, raises the question about how this is (or should be) actually organised.

In the summer semester 2015, a new issue of the “Design & Organisation” lectures started at GUC Berlin Campus. During the whole semester, a group of 23 (Graphic-, Product- and Media-) design students has been exploring the links, tasks, parallels and potentials between design and organisation(s). The course was complemented by a series of lectures that dealt with the organisational dimensions of design.

The exploration started with a historical introduction into System Design, discussing insights from the HfG Ulm, exemplifying the ‘Frankfurt Kitchen’ as an approach for a taylorist assembly line in home environments, or investigating the works of Hans Roericht in terms of a “Design as Organisation of Food Services” (Marion Godau).

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[Marion Godau]

For sure, designers can also benefit from non-structure or even chaos. Yet, thin is the line between open and closed structures within the design process. This challenge was contrasted in the following sessions with Juli Gudehus (“The better the rules, the more fun are the games!”), Uwe Kuckertz (“The Architecture Perspective”) or Anja Rosendahl (“The Brand Perspective”).

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[Juli Gudehus]

Together with Christoph Fleckenstein (iondesign), the students moreover explored how “shaping needs” can include both addressing needs and creating them. Including an intense discussion on the sustainable dimensions of design, e.g. in terms of local production, or creating and sustaining regional jobs.

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[Christoph Fleckenstein]

In regard to conceive design as an epistemic, analytical tool, e.g. for understanding place or life, the topic area was then broadened towards considerations about “Urban Organisms” (Ares Kalandides) as well as “human and cybernetic Organisms” (Stefan Greiner). The former showed how our understanding of a city actually changes the planning of a city, which does both have a strong link to design. Referring back to Norbert Wiener, the latter explicated the closed loop between technical and human systems: Both work as regulatory systems, which are based on feedback loops. From a cyborg point-of-view, this helps a lot to understand the human relation to tools: Being used to use and learn tools and techniques, we can somehow externalize what used to be limited to our brain or body beforehand.

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[Stefan Greiner]

This understanding again opens up the field to “hack” these tools and techniques. Hacking is nothing more or less than modifying an original meaning and transforming it into something completely new or different. Thus the cyborg perspective entails, that this does not only mean to experiment with technology but also with our bodies (e.g. in terms of broadening our senses).

Undoubtedly this raises some fundamental, ethical questions. Not only in terms of how we can create a more open access to technology in future, and create processes in which everybody can participate. But also in terms of how we define the boarders of “human” and “technology”!

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[Ares Kalandides]

The multiperspective input of this course, was taken as a basis for design-argumentative short texts, in which the students would approach general or specific perspectives on the “Design & Organisation” complex. Diverse points of view were possible and being discussed differently: How can design (help to) inform an organisation. How can it trigger the processes with or within an organisation? What role can design play in institutional organisation(s)? What about organisations that deal with design topics? This led to a broad spectrum of diverse derivations, suggestions, opinions and proposals that aim at designing organisation(s) and organising design.

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[Design and Organisation 2.0 | Tom Bieling, Ares Kalandides (Guest) and Group]

Twenty-three short essays were compiled in a booklet. Fortunately the narrative styles are as broad as the topics being discussed: From rather subjective or anecdotic stories to abstracted or generalizing papers, the authors have been dealing with the links or parallels between design and organisation; all considering limits as well as chances and potentials for design in terms of organisation, and vice versa. Often revealing a critical and reflected thinking about design. And occasionally – maybe unconsciously – opening the field of discussion towards an almost heideggerian understanding about the “presence-at-hand” versus the “readiness-to-hand”, or even the “being-in-the-world” in general.

Tom Bieling | Berlin, Mai 2016

 

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[Poster | Programme: Click to enlarge!]

 

 

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Design and Time

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There has been sustained research and debate across a number of disciplines recently about different global perspectives on time, the rhythms of work and time and the increasing speed of life and communication between different communities. In what ways can the discipline of design history respond to these challenges? How can the past inform the present and the future in terms of design? How has time been designed?

The Design and Time Conference at the School of Art & Design, Middlesex University, London takes the theme of the temporal turn and addresses theses issues. Keynote speakers include Elizabeth Guffey (State University, New York), Jeremy Till (University of the Arts, London) and Leslie Atzmon (Eastern Michigan University).

The conference will take place from 8th – 10th September 2016

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Living Objects

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Und noch eine Ausstellung im Designtransfer Berlin:

[German:]
Mit den Ergebnissen des UdK Workshops von Gosia Lehmann und Valerian Blos wird in spekulativen Szenarien und durch die Gestaltung von weiterführenden Anwendungen für synthetisch erschaffene Organismen eine kritische Debatte angeregt: Wo liegt die Grenze zwischen toter und lebender Materie im Kontext von industrieller Produktion und Alltag? Wie nehmen Bio-Engineering und synthetische Biologie Einfluss auf unsere Ethik, Moral oder Verhalten?

[English:]
Results from the workshop by Gosia Lehmann and Valerian Blos initiating a critical debate through speculative scenarios and the design of further applications for synthetically created organisms: Where lies the border between dead and living matter in the context of industrial production and everyday life?

Ausstellung: 22. Juli– 24. Juli, 10:00–18:00
Einsteinufer 43, 10587 Berlin-Charlottenburg

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HACKING UTOPIA – Designkonzepte für soziale Transformation

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Im Rahmen des Forschungsprojektes #OpenCare zeigt der Designtransfer Berlin Arbeiten interdisziplinärer Teams aus den UdK Studiengängen Produktdesign und Gesellschafts- und Wirtschaftskommunikation: Neue Strategien und Lösungen für die Zukunftsfähigkeit unseres Sozial- und Gesundheitssytems in unserer demographisch sich wandelnden Gesellschaft. Das experimentelle Projektformat definiert Probleme dieses komplexen Kontextes, die kollaborative und partizipative Designstrategien erfordern und für die neue Prozesse, Methoden und Rollen im Design entwickelt werden müssen.

Ausstellungseröffnung: Mittwoch 20. Juli, 19:00
Ausstellung: 21. Juli– 24. Juli, 10:00–18:00

Einsteinufer 43, 10587 Berlin-Charlottenburg

 

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Wessen Wissen?

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Das Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste” der UdK Berlin lädt zur Jahrestagung über die Wissenspolitiken der Künste und deren Erkenntnisansprüche. Dem diesjährigen Motto ‘Wessen Wissen?’ sind dabei folgende Leitfragen vorangestellt:

“Welche Positionen beanspruchen die Künste im umkämpften Machtfeld des Wissens? Wie greifen sie in die Aufteilungen des Epistemischen ein? Lässt sich ein Wissen der Künste als situiertes Wissen begreifen, insofern es anfechtbare, partikulare und parteiliche Perspektiven einnimmt? Welche Akteur_innen und Institutionen haben einen privilegierten Zugriff auf Wissen in der Kunst? Welche Positionen im Feld der Kunst neigen dazu, ihre Situiertheit zu leugnen?

Dies wirft freilich auch die Frage nach den “Akteur/innen, den Körpern, Materialien und Technologien auf, die in künstlerischen Produktions- und Wissensprozessen miteinander interagieren. Diese lassen sich als Übersetzungen und Transformationen beschreiben, in denen Künstler/innen längst nicht mehr die einzigen Subjekte des Wissens sind. Denn in den künstlerischen Praktiken des Entwerfens, Skizzierens, Improvisierens, Modellierens, Probens und Experimentierens entfalten Medien und Materialien ihre je eigene agentielle Kraft. Und doch hat die Wissens- und Wissenschaftsgeschichte in ihren Herausarbeitungen der Situiertheit und Historizität der Wissenschaften die Künste bislang wenig berücksichtigt. Was also können diese epistemologischen Überlegungen für die Künste bedeuten, oder weiter gefragt:

Wie lässt sich über Kunst nachdenken, wenn ihre Produktion als epistemische Praxis aufgefasst wird? Wie greifen künstlerische Subjektivität, spezifische Materialien, Technik und Settings bei künstlerischen Produktionsprozessen ineinander? Haben die Künste aufgrund ihrer Aufmerksamkeit für visuelle, auditive und materiale Prozesse das Vermögen, die impliziten medialen Bedingungen von Wissensgenerierungen zu explizieren? Auf welche Weise bauen Künste neue Wissensordnungen auf, die z.B. als Gegenarchive andere Formen des Zugangs und der Teilhabe ermöglichen, mithin andere Wissensbestände erzeugen?”

Die Tagung finde vom 21. bis 23. Juli in der Alten TU-Mensa, Hardenbergstraße 34–35, 10623 Berlin statt. Die Veranstaltung ist öffentlich und kostenfrei. Voranmeldungen sind nicht notwendig.

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Komplettes Programm (PDF) downloaden!

Programm

Donnerstag, 21. Juli 2016

14:00 Empfang

14:30–15:00
Begrüßung durch die Vize-Präsidentin der UdK Prof. Dr. Ulrike Hentschel und die Sprecherin des Graduiertenkollegs Prof. Dr. Barbara Gronau

Einführung

15:00–16:00
Astrid Deuber-Mankowsky
Zwischen Apokalypse und Sympoiesis. Neue Materialismen und Situiertes Wissen
Respondenz: Constance Krüger

16:00–17:00
Helmut Draxler
Das Wissen der Spaltung
Respondenz: Susanne Hauser

17:00–17:30
Pause

17:30–19:00
Arbeitsgespräch mit Merle Kröger und Philip Scheffner über filmische und erzählerische Räume
Migration und die Frage der Perspektive
Moderation: Kathrin Peters

ab 19:00
UdK-Rundgang und Gartenfest
UdK-Hauptgebäude, Hardenbergstraße 33, 10623 Berlin

Freitag, 22. Juli 2016

10:30–11:30

Sabine Ammon
Denken mit B6 (und Skizzenpapier). Reflexionsmilieus und zeichnerisches Schlussfolgern in Architektur und Produktentwicklung
Respondenz: Ralf Liptau, Robert Patz

11:30–12:30
Knut Ebeling
Das überwucherte Monument. Zu David Claerbouts Olympia-Projekt
Respondenz: Dennis Pohl

12:30–14:00
Mittagspause

14:00–15:00
Arbeitsgespräch mit Sebastian Döring und Jan-Peter E. R. Sonntag
Hardware-Anatomien an der Schnittstelle von Wissen(schaft), Medienkunst und Bastelei
Moderation: Christina Dörfling

15:00–16:00
Ute Holl
Hybride Körper: das Tonstudio als Laboratorium
Respondenz: Felix Laubscher

16:00–16:30
Pause

16:30–17:30
Katja Eydel
Engagement für Darstellungen oder das Wie des Sehens
Moderation: Renate Wöhrer

17:30–18:30
Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Notes on Epistemic Disobedience
Moderation: Barbara Gronau

ab 21:00
An evening with the Society for Nontrivial Pursuits Live Image, Moving Sound
Audiovisuelles Konzert der Klassen GenComp von Alberto de Campo und Bewegtbild von Anna Anders
Medienhaus, Grunewaldstraße 2–5, 10823 Berlin

Samstag, 23. Juli 2016

10:30–12:30
Simone Dede Ayivi
Performing Black – Strategien der (Selbst-)Dekolonisierung im Theater
Moderation: Lisa Großmann

Podiumsgespräch mit Simone Dede Ayivi, Therese Kaufmann und Azadeh Sharifi
Situiertes Wissen in der Kulturproduktion
Moderation: Ildikó Szántó, Ina Driemel

12:30–13:30
Mittagspause

13:30–14:30
Stephan Trinkaus
“Into the Chthulucene” – Fiktion, Wissen, Materialität
Respondenz: Georg Dickmann

14:30–15:30
Michaela Melián
Electric Ladyland
Moderation: Kathrin Busch

15:30–15:45
Pause

15:45–16:45
Simon Sheikh
Situating Curatorial Knowledge and Power
Respondenz: Judith Siegmund

16:45–17:00
Schlusskommentar

via Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste”

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CAMÉRA(AUTO)CONTRÔLE

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Here we are in the era of “happy-selfexploitation” observed by philosopher Byung- Chul Han, who suggests that cognitive capitalism has brought about a paradigm shift. He replaces Michel Foucault’s bio-politics with the concept of psycho-politics, in which we, the “users”, participate with our own consent, not to say enthusiasm, in our own exploitation, by giving our images and other personal informations willingly to the giants of the Internet. Our information is what forms their capital.

The exhibition Caméra(Auto)Contrôle at the Centre de la Photographie de Genève is the core of the 50JPG—50 Days for Photography in Geneva 2016. It takes us right into the burning issue of drones and all other monitoring systems that use photo and video cameras. We can indeed “celebrate” a quarter of century of the monitoring of public space by automated cameras worldwide. These cameras quite often bear a sticker with a smiley asking those being recorded, whether in a car park, at a supermarket check-out, or on public transport, to smile.

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[La reconnaissance faciale de Sebastien Laseigneur’s Iphone s’active sur une photo de Hiromi Tsuchida, Fukui/Japon, 1939, WHEN WE SHARE MORE THAN EVER]

A number of artists, hackers and political activists have refused to smile, instead appropriating these surveillance devices momentarily. Their actions have remained isolated, because never before has a grassroot movement fought against the increasingly invasive presence of depersonalised cameras in public spaces. It has also been a quarter of a century in which street photographers, both amateur and professional, have met with hostility, or even aggression from citizens, the same citizens who submissively accept being recorded 24 hours a day, wherever they may be.

This schizophrenic attitude might be interpreted as an internalisation of the passive acceptance of one’s image being monitored by unknown agents. The master stroke of this internalisation might well be the Selfie, where the citizen willingly smiles in front of his smartphone and shares this image of himself on social networks, and, in doing so, subjects himself to the most obvious social monitoring.

The exhibition is still running untill 31.7.2016

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Die Welt als Modell | Andres Janser und Tom Bieling über Modelle als epistemische Praxis.

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Modelle können vieles (sein): Sie fungieren als Referenzobjekt für Bestehendes oder noch nicht Existentes, sie dienen der Veranschaulichung, sind haptisch oder visuell, detailgenau oder abstrakt. Wir sprechen von Modellen im Zusammenhang mit theoretischen Konzepten und wir kennen praktische Modelle in Form von Architekturmodellen. Schaltpläne, Diagramme, Skizzen, Versuchsaufbauten, aber auch die Eisenbahn im Spielzimmer und das Mannequin für die neue Modekollektion: Sämtlich Modelle in diesem Sinne.

Anlässlich der morgen eröffnenden Ausstellung Welten Bauen — Modelle zum Entwerfen, Sammeln, Nachdenken am Zürcher Museum für Gestaltung*, sprach Tom Bieling mit Andres Janser, Kurator der Ausstellung, über das Wissen im Entwurf und über die reflexive Praxis des Modellhaften.

[Tom Bieling:] Das „Modell“ ist seit jeher, nicht nur für Gestalter, ein nutzbringendes Hilfs- und Planungsmittel, um mögliche Zukünfte in die Gegenwart zu befördern und dort (be-)greifbar zu machen. In gestaltungsrelevanten Disziplinen dient das Modell beispielsweise als Speichermedium oder als Instrument zur Formfindung und Konzeptentwicklung. Es kann dabei Erkenntniswerkzeug sein, und birgt zugleich didaktisches und kommunikatives Potenzial, kann also der Distribution von Wissen dienen. Was wäre die Welt ohne die Möglichkeit des Modellierens?

[Andres Janser:] Das Modell ist ein unerlässliches Arbeitsinstrument beim Entwerfen in sämtlichen Massstabsbereichen und gestalterischen Disziplinen. Der Weg zur definitiven Form und Konstruktion kann ja sehr gewunden verlaufen. Beim leichtgewichtigen Sperrholz-Stuhl „Houdini“ von Stefan Diez etwa, oder bei der Isolierkanne „Thermos“ von Jörg Boner war es wesentlich, den Entwurf nach der Konzeptphase, in der auch die gewählte entwerferische Problemstellung hinterfragt wurde, die heraus gearbeiteten Lösungsansätze sowohl in Originalgrösse als auch im Originalmaterial zu prüfen und zu konkretisieren. In der Regel folgt auf das Modell der Prototyp und letztlich das Serienprodukt.

Stuhl Houdini_Entwurfsarbeit im Atelier_Stefan DiezStuhl «Houdini» für e15: Entwurfsarbeit im
Atelier, 2009, Stefan Diez, München, Foto: anonym

Modelle werden aber auch gerne als Medien eingesetzt, um die Ankündigung von etwas Kommendem zu unterstützen: In der Tradition von Stifterfiguren stellen sich Politiker und andere Initianten auch heute noch neben Modelle von grossen Vorhaben, um in entsprechenden Foto- und Videoaufnahmen festgehalten und veröffentlicht zu werden. Das Modell behauptet dann Zukunft: es steht sowohl für die Konkretheit und Ernsthaftigkeit des Vorhabens als auch für seine Überblickbarkeit und damit Machbarkeit. Gerade angesichts der bildhaften Entschlossenheit sind bisweilen Zweifel angebracht — etwa in den Aufnahmen von Abdel Fattah al-Sisis kürzlicher Ankündigung einer neuen Hauptstadt für Ägypten.

dsgnblts_egypt_tunePräsident Abdel Fattah al-Sisi kündigt
eine neue Hauptstadt für Ägypten an, 2015,
Foto: Mohamed Samaaha, © AFP Photo / Egyptian Presidency

In bemerkenswerten Ausnahmefällen wird die Ästhetik des Arbeitsmodells zum zentralen Thema des Entwurfs wie bei Thomas Dreissigackers Bühnenbild zu „Die Physiker“ am Deutschen Schauspielhaus Hamburg. Die Beschäftigung mit den Eigenheiten des abstrakten Modells — als Arbeitsmodell weist es keine Details auf und verweist weder auf ein bestimmtes Baumaterial noch auf eine bestimmte Epoche, zudem hat Dreissigacker den typischenn dicken weissen Karton nur mit Stecknadeln zusammengehalten — führte zur Entscheidung, es telquel hochzuskalieren zu einem ebenso abstrakten Bühnenbild, bei dem die räumliche Beziehung der Etagen und Zimmer zueinander im Vordergrund steht.

Führt man diesen Gedanken weiter, so kommt man zu jenen zahlreichen Modellen, die eine ausgewählte, interessensgeleitete Essenz der Wirklichkeit verkörpern, gerade weil sie sie in einem reduzierten Detaillierungsgrad darstellen. Solche Komplexitätsreduktion ist zweifelsohne eine wesentliche Kulturtechnik.

Thomas DreissigackersThomas Dreissigacker (Leiter Bachelor Szenografie, ZHdK),
Bühnenbild zu «Die Physiker» für das Deutsche Schauspielhaus Hamburg,
Beginn des Stücks 2015, Video-Dauer: 0′ 59“

Wenn man „Modell“ sagt, denkt man häufig an Gegenstände und Konzepte der Architektur, des Designs oder des Kunsthandwerks. Auch in der Wissenschafts- und Alltagsterminologie findet ein reger Umgang mit Modellen statt. Es liegt auf der Hand, dass es dabei auch zu begrifflichen Ungenauigkeiten kommt. Als kleinster gemeinsamer Nenner könnte gelten, dass ein Modell eigentlich nur in Beziehung zu einem bereits vorhandenen oder angedachten Referenzobjekt – dem „Original“ – existiert. Welche Rolle spielt in dieser Konstellation der Mensch, der ja sowohl als Modellentwickler als auch als Rezipient das Modell überhaupt erst in Relation zum Original setzen muss? 

Modelle beziehen sich immer auf eine physische oder ideelle Wirklichkeit. Das Modell ist nie die «eigentliche» Wirklichkeit. Es beeinflusst aber unser Verständnis dieser Wirklichkeit. Und hat dabei seine eigene Wirklichkeit. Dieser paradoxe, mediale Charakter des Modells macht es zu einer konzeptionellen und gestalterischen Herausforderung. Jedes Modell ist ja selber das Resultat eines Entwurfs. Bei einer Modellbahn-Lokomotive oder einem Spielzeugtier steht die Frage im Vordergrund, wie die stark verkleinerte Replik mit ihren reduzierten Details das Vorbild möglichst gut wiedergeben kann. Wenn dabei grobkörnige Modul-Bausteine wie Lego verwendet werden, ist umso mehr Einfallsreichtum gefragt — nicht nur vom Erbauer, sondern auch vom Betrachter.

Planspiele am physischen Modell gelten als längst nicht überholt. Denn Lernen hat viel mit Erlebnis und Involviertsein zu tun. Dass vergleichbar gute Computersimulationen teuer sind, tut sein Übriges. Ein alltägliches Beispiel für Probehandeln sind Zahnbürsten, die als hoch skaliertes Demonstrationsmodell in doppelter Grösse existieren. Zusammen mit einem entsprechenden Demonstrationsgebiss kann das Zähneputzen durch spielerische Veranschaulichung vermittelt werden.

In den Naturwissenschaften geht es bisweilen darum, eine Idee von etwas zu visualisieren, das so klein ist, dass es mit blossem Auge nicht erfasst werden kann. Modelle dienen dann ebenfalls der Skalierung nach oben, wobei oft nur Spezialisten gedanklich in der Lage sind, die (Grössen-)Relation zum Original herzustellen. Kurt Wüthrich erforscht an der ETH Zürich die molekularen Strukturen von Proteinen und deren Rolle bei der Entstehung von Krankheiten. Weil Proteine aus hunderten, ineinander verschachtelten Atomen bestehen, war ihre Strukturbestimmung lange schwierig. In den 1970er-Jahren waren es abstrakte Drahtmodelle, mit denen Wüthrich seine Erkenntnisse visualisierte (2002 erhielt er dafür den Chemie-Nobelpreis). Mittlerweile werden Proteinstrukturen virtuell mit dem Computer generiert. Indes nutzt man in der Lehre weiterhin auch die Anschaulichkeit haptisch erfahrbarer Modelle, die heute oftmals aus dem 3D-Drucker stammen.

12_Welten_bauenKurt Wüthrich (Nobelpreis für Chemie 2002),
Drahtmodell eines Pferde-Cytochrom C, 1973-78 (o.) und
Schematische Darstellung eines Maus-Prions, 1996 (u.),
© ZHdK (o.) / Kurt Wüthrich (u.) 

Das menschliche Gehirn vollständig zu verstehen und nachzubauen, ist eines der unerreichten Ziele der Wissenschaft. Forscher um Henry Markram von der Eidgenössischen Technischen Hochschule in Lausanne versuchen seit einigen Jahren, mit Supercomputern und mathematischen Algorithmen ein Gehirn-Modell zu bauen, und erhalten dafür im Rahmen des «Human Brain Project» seit 2013 Fördermittel der EU. Die Frage der Modellierbarkeit des Gehirns hat zu einem Methodenstreit unter Forschenden geführt, der Grundsatzfragen wissenschaftlicher Erkenntnis aufgreift. Kann man ein mechanisches Funktionsmodell von etwas bauen, von dem man erst einen Bruchteil verstanden hat? Modelle beruhen oftmals auf Mutmassungen und liefern dennoch Erkenntnis. Angesichts der Komplexität des Gehirns muss sich noch zeigen, ob und wann man den Erfolg dieses Modell-Vorhabens beurteilen kann.

Die Fähigkeit, Modelle zu entwickeln, aber auch die Fähigkeit Modelle zu lesen, zu dechiffrieren und anzuwenden, ist eine Kulturtechnik, die sich immer auch im Beziehungsgeflecht aus sozio-materiellen und sozio-kulturellen Verknüpfungen entwickelt. Das technische Können spielt dabei eine ebenso wichtige Rolle, wie der technische Gegenstand selbst. Im Grunde haben wir es dabei mit einem zweigleisigen Gestaltungs- und Entstehungsprozess zu tun, der immer auch kontextgebunden ist: Die Intention des Modellentwicklers muss dabei nicht zwangsläufig mit der Interpretation des Betrachters übereinstimmen. Handelt es sich bei der Anwendung und der Nutzung eines Modells, etwa durch Betrachter und Adressaten, möglicherweise um eine abermals eigenständige Art der Modellgestaltung?

Die Aneignung durch die Betrachter ist ein zentraler Moment. Dabei spielt auch eine Rolle, ob das Modell als solches erkennbar ist. Diese Transparenz der eigenen Modellhaftigkeit ist bisweilen nur in geringem Umfang gegeben — ein Aspekt, der in der Ausstellung anhand von Werken der Fotokünstler Aydın Büyüktaş, Philipp Sidler und Clement Valla zur Diskussion gestellt wird.

04_Welten_bauenClement Valla, Postcard from Google Earth
(46°42’3.50″N, 120°26’28.59″W), 2010, © beim Künstler

In „Postcards from Google Earth“ beschäftigt sich Valla mit den virtuellen Reliefkarten, für die bei Google Satellitenfotografien der Erdoberfläche auf ein topografisches Landschaftsmodell „gespannt“ werden. Die Räumlichkeit der Fotografien führt bei der Verrechnung mit den Modell-Daten in seltenen Fällen zu Verzerrungen: wir sehen bizarr verformte Landschaften und Strassenzüge. Valla sucht den Google-Globus nach solchen Anomalien sucht ab, nicht weil es Fehler wären, sondern weil sie die Funktionsweise des zugrunde liegenden Systems offenlegen. Und er archiviert die poetisch anmutenden Landschaftsverzerrungen, denn der Hersteller entwickelt das Programm stetig weiter, weshalb sie vom Verschwinden bedroht sind.

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Philipp Sidler, Untertorbrücke Bern, 2012,
© beim Fotografen

Beim Betrachten der Fotografien von Philipp Sidler hingegen stellt man sich unwillkürlich die Frage, von welchem meisterhaften Modellbauer diese Miniatur-Landschaften wohl gebaut worden sind. Tatsächlich handelt es sich um Aufnahmen realer Orte und Sehenswürdigkeiten in der Schweiz. Sidler nutzt den Effekt des «Tilt-Shift»-Verfahrens, das einen für Nahaufnahmen typischen Schärfenverlauf erzeugt. Die für Modelllandschaften charakteristische Farbigkeit wird durch Erhöhung der Farbsättigung und des Bildkontrasts erreicht. Aber es ist besonders die geringe Tiefenschärfe, die wir unbewusst mit geringer Grösse assoziieren.

Büyüktaş wiederum erschafft vertraute und doch irritierende Bildwelten, in denen die physikalischen Gesetze scheinbar ausser Kraft gesetzt sind. Als Ausgangsmaterial für die Serie „Flatland“ realisiert er Drohnen-gestützte Fotos von Bauwerken in seiner Heimatstadt Istanbul. Mit einem 3D-Bildbearbeitungsprogramm baut Büyüktaş daraus in aufwendiger Detailarbeit eine „unmögliche“ Modellwelt, bei der die Frontalansicht nahtlos in die Vogelperspektive übergeht. Diese Bildmanipulation wird offen zelebriert und bricht mit unseren Sehgewohnheiten. Die spektakulären Stadtansichten regen zum Nachdenken über die eigene Erwartungshaltung an ein fotorealistisches Bild an.

02_Welten_bauenAydın Büyüktaş, Yeni Cami (Neue Moschee),
Istanbul, 2015, aus der Serie „Flatland“, © beim Künstler

In Anbetracht des mitunter überinflationär verwendeten Begriffs des „Design“ wurde mit Hilfe des deutschsprachigen Begriffs „Entwurf“ ja immer wieder auch der Versuch unternommen, eine bestimmte Art der gestaltungs-originären Denk- und Handlungsweise zu beschreiben, die den Natur- und Geisteswissenschaften gleichermaßen abgrenzend aber auch integrativ gegenübersteht. Otl Aicher spricht von der Welt als Entwurf, Sie rücken das „Welten Bauen“ ins Zentrum des Interesses. Wo liegen die größten Herausforderungen beim Umgang mit Modellen, die ja letztlich immer auch eine Abstraktion bedeuten?

Ich ziehe den deutschen Begriff „Gestaltung“ vor, der auch den Namen unseres Museums prägt. Er enthält das Konstruktiv-Aufbauende der Gestalt-Gebung, welches wiederum im aktuellen Ausstellungstitel aufscheint, ebenso wie die fassbare, durch Entwurfsprozesse definierte Gestalt.

Eine aktuelle Herausforderung liegt in jenen digitalen Simulationen, die mittlerweile eine sehr hohe visuelle Realitätsnähe erreicht haben. So sind in der Werbung CGI-Darstellungen etwa von Autos, die in gegebene Szenerien montiert werden, mittlerweile die Regel. Noch vor wenigen Jahren waren für solche wirklichkeitsgetreue Bilder aufwendige und entsprechend teure Foto-Aufnahmen mit stundenlangen Strassensperrungen notwendig. Die Motivation dabei ist also eine primär ökonomische, das Verfahren bietet aber auch die Möglichkeit von Manipulationen: Bisweilen wird ein Produkt optisch so aufgebessert, dass es mit der physischen Realität nur noch wenig gemeinsam hat.

Umgekehrt lässt sich fragen, ob die Darstellungsqualität heutiger Architektur-Renderings nicht dazu verleiten kann, Bauprojekte so zu realisieren, dass sie der Ästhetik des Renderings möglichst gut entsprechen. Was zu irritierenden Verwischungen im Verhältnis von (Vor)Bild und Wirklichkeit führen kann. In ihrem Essay „Hey, ich steh im Rendering!“ (Wespennest, Nr. 169) hat Andrea Roedig dazu kürzlich anregende Gedanken formuliert.

Eine Herausforderung ganz anderer Art stellt schließlich die Archivierung von digitalen Modellen dar. Schon heute sind manche Werke, die ja einen wichtigen Fundus sowohl für die Kulturgeschichte als auch für die Arbeit in den einzelnen Ateliers darstellen, nicht mehr konsultierbar, weil die notwendige Computerumgebung schlicht nicht mehr existiert und auch nicht mehr simuliert werden kann.

Unzählige Formen der Sammel-Leidenschaft zeugen davon, dass von Modellen bisweilen eine größere Faszination auszugehen scheint als von der Wirklichkeit auf die sie sich beziehen. Warum ist das so?

Wir unterscheiden zwischen zwei Arten des Sammelns. Manche sorgfältig realisierte und entsprechend kostspielige Replik entsteht einzig, um von Sammlern erworben werden zu können. Die Eisenbahnmodelle aus dem Nachlass von Claude Nobs, dem Gründer des Montreux Jazz Festivals, stehen für die oft lebenslange Leidenschaft des Sammelns durch Ankaufen, mit dem man sich Ausschnitte der Welt nach Hause holt. Nobs verstand sie als halböffentliche Objekte, die zum Ambiente seines Chalets gehören, in dem die Gäste des Festivals auch heute noch empfangen werden. Andere hochkarätige Modell-Sammlungen sind rein privater Natur, bei denen der Besitz und damit die persönliche Verfügbarkeit im Vordergrund steht. In beiden Fällen ist die Miniaturisierung wesentlich, also jene Form von Skalierung, die schon durch ihre Machbarkeit einen Ausdruck von Verfügung über das Original darstellt. Oft handelt es sich um mehr oder minder ausgeprägt historische Objekte, also um vergangene Welten — da mag auch Nostalgie mitspielen.

Themenparks hingegen setzen auf die menschliche Faszination für Simulationen und Kopien ebenso wie für Abenteuer auf Verlangen: Sehenswürdigkeiten sind dort in Gehdistanz versammelt, als meist verkleinerte und damit gut überblickbare Touristenattraktionen. Genügen dafür bei Swissminiatur im schweizerischen Dorf Melide 14’000 m2, belegen die immer zahlreicheren Parks der rasant gewachsenen chinesischen Grossstädte gerne gegen 500’000 m2. Solches Sammeln durch Nachbauen kann weite Reisen ersetzen. Fotos und Videos wie die in der Ausstellung gezeigten ersparen wiederum das Reisen zu diesen nachgebauten Welten.

Die Ausstellung Welten Bauen — Modelle zum Entwerfen, Sammeln, Nachdenken ist vom 15.07.2016 bis zum 08.01.2017 im Museum für Gestaltung – Schaudepot* zu sehen. (Vernissage: Donnerstag, 14. Juli, 19 Uhr).

__maquette KopieAusstellungsplakat, Gestaltung: Ralph Schraivogel

* MUSEUM FÜR GESTALTUNG – SCHAUDEPOT
Toni-Areal, Pfingstweidstrasse 96, CH-8005 Zürich

Symposium und weitere Informationen:
Zur Bedeutung, Funktion und Ästhetik von Zeichnung, wissenschaftlicher Illustration und Visualisierung als Instrumente in Design- und Forschungsprozessen. Organisation: Fachrichtung Knowledge Visualization, ZHdK, in Zusammenarbeit mit dem Museum für Gestaltung:

http://www.museum-gestaltung.ch/de/ausstellungen/jahresprogramm-2016/welten-bauen/symposium/


Andres Janser
, Kunsthistoriker und Filmwissenschaftler. Kurator der Ausstellung. Seit 2003 Ausstellungs-Kurator am Museum für Gestaltung Zürich. Seit 2008 Dozent an der ZHdK. Ausstellungen und Publikationen zu Kunst, Film, Architektur und visueller Kommunikation. Foto: © ZHdK

Tom Bieling, Designforscher und Autor, forscht, lehrt und promoviert am Design Research Lab der Berliner Universität der Künste über die soziale und politische Dimension von Gestaltung. Seit 2011 Gastprofessor an der German University in Cairo (GUC). Aktives Gründungsmitglied des Design Research Networks, internationale Ausstellungen und Lehrtätigkeit.  Foto: © Matthias Steffen


>>> Hier:
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Surveillance, Perception and Deception.

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[Rafael Lozano-Hemmer, “Pulse Index”, 2010. Photo: Kate Russel]

Cameras, tracking systems and biometric techniques have now transformed the public space into a metered matrix where every activity can be registered, stored and analyzed. The mexican-canadian artist Rafael Lozano-Hemmer makes use of this technology, but instead of tracking for pre-emptive control he uses it for connecting disparate planes of experience. By creating platforms for participation and self-representation he offers critical, playful and poetic installations that seek complicity and that by definition are out of control, ambiguous and indeterminate.

With “Preabsence”, the HeK (Haus der elektronischen Künste, Basel) presents the latest projects of  Lozano-Hemmer. The show focuses on works dealing with the complex interrelationship between presence and absence, motifs usually understood as mutually exclusive or opposites, but here presented as echoes of each other within the tangible traces that data, memory and visitor interaction leave behind.

The show includes poignant political works such as “Level of Confidence” (2015) a face-recognition camera that constantly searches for the missing 43 students kidnapped by the Mexican government in Ayotzinapa, Guerrero. In the piece, military and police identification algorithms compare the image of the public with those of the students, finding which student’s facial features look most like the participant’s and giving a “level of confidence” on how accurate the match is, in percent. The project aims to make visible the tragic disappearance of the students, creating empathic links and, crucially, to generate income for the affected community, as Lozano-Hemmer directs all proceeds of the project to them.

Also on display will be “Pulse Room” (2006), an installation where hundreds of incandescent light bulbs blink to the heart rate of participants who hold a pulse sensor. In “Pulse Room” the visitors leave their digital traces behind in the installation and their presence lingers even when they are already absent. The technology makes them accomplices in a game comprising recording and playback, presence and absence.

Likewise, the sound piece “Microphone” (2008) consists of a vintage microphone that has been modified so that inside its head is a tiny loudspeaker and a circuit board connected to a hidden control computer. When a public member speaks into the microphone, it records his or her voice and immediately plays back the voice of a previous participant, as an echo from the past.

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[Rafael Lozano-Hemmer, 1984×1984, 2015, screenshot]

The piece “1984×1984” was conceived as an homage to George Orwell’s dystopian novel, 30 years after his predicted date for the collapse of privacy, the work shows a grid of hundreds of thousands of random numbers extracted from addresses photographed by Google Street View. As the viewer walks in front of that immense variety of images, his or her silhouette is prepresented within the display and all the numbers inside it count down to the number 1984.

The show features eleven pieces in a variety of media, from sound-sculptures to data-driven displays. Many of the pieces depend on participation to exist and their content is entirely “crowdsourced”. “PREABSENCE” includes the World premiere of “Redundant Assembly” a reactive display which creates a composite portrait of up to nine public members, and also the European premiere of three other works. Lozano-Hemmer perverts the intended application of technologies and with them transforms the supposedly neutral exhibition space into a place of social interaction.

The exhibition is still running until 28.08.2016. 

via HeK

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Between digital commons, urban struggles and local self-organization

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[German below!]

 

MAZI* – Open night with discussions, presentations, food and DIY networks:

Social and political processes are becoming increasingly digitized and restructured by and through digital aspects. Beyond the various narratives about the “hybrid” or “smart” city, between dystopian visions and cyberromantic ideals we are looking at the certainty of a rising significance of technological mediation and transformation of our urban realities.

Terms such as DIY networking, Offline Networing or Community Wireless Networking refer to possible alternatives to popular narratives about our urban-technological futures, about the tales told predominantly by a handful of multinational tech companies. These alternative systems unfold their agency outside the commercial internet paradigm and are owned by their potential users. They can be set up in a DIY manner and are often constrained in their reach to a local space,connecting only those in physical proximity, thus unfolding novel possibilities to think and to perform hybrid public spaces.

On July 15th, Neighborhood Academy,  the Design Research Lab and the MAZI project invite the public to get to know their first prototype of a possible DIY network. With invited speakers from Switzerland, Greece, England, Scottland and Berlin, they will talk about the relationships between network technologies, civic action and digital commons.

Can we own and manage our data ourselves? Can neighborhoods entertain their own networks to support local needs and ideas? Can local DIY networks lead to new, local economies? Can we conceptualize an everyday live without Google and Facebook? Can I take part without having to be an expert?

Participating organisations/individuals:
Activists of Stadt von Unten (inquired), Mietshäusersyndikat, Kotti&Co, University of Thessaly, Neighborhood Academy, Design Research Lab/Universität der Künste Berlin, INURA Institute, Angelica Levi (Artist), Michelle Teran (Artist), Veronica Steininger (Artist/L.A.Müller), Wachter & Jud, Napier University Edinburgh, UnMonastery, Tactical Tech, Open University, Slacktivist/SPC, Nethood

*Mazi means “together” in Greek

WHEN: July 15th, 5-8pm (afterwards open end with food and drinks)
WHERE: Neighborhood Academy in Prinzessinnengarten, Moritzplatz, Berlin – Kreuzberg
Mazi-Logo

 

[German]

 

MAZI* – Zwischen digitalen Gemeingütern, städtischem Kampf und lokaler Selbstverwaltung 

Ein offener Abend mit Diskussion, Präsentation, Essen und Kennenlernen von DIY-Netzwerken

Soziale und politische Prozesse werden zunehmend digitalisiert und von technologischen Aspekten durchzogen. Zwischen den verschiedenen Narrativen zur hybriden oder „smart city“, zwischen dystopischen Visionen und cyber-romantischen Heilsversprechen offenbart sich die Gewissheit der rasant steigenden Bedeutung der technologischen Vermittlung und Transformation unserer urbanen Wirklichkeiten.

Begriffe wie DIY Networking, Offline Networks oder Community Wireless Networks verweisen auf mögliche Alternativen zu den populären Erzählformen über die Stadt der Zukunft, welche maßgeblich von einigen wenigen, globalen Technologieunternehmen geprägt werden. Diese Systeme agieren außerhalb des Internets und sind im Besitz und in der Kontrolle ihrer jeweiligen Nutzerinnen; sie sind einfach zu errichten und eignen sich aufgrund ihrer lokalen Begrenzung zur virtuellen Verbindung von Individuen und Gruppen, die sich in physischer Nähe zueinander befinden.

Am 15. Juli laden die Nachbarschaftsakademie, das Design Research Lab und das MAZI Projekt ein, ihren ersten Prototypen von einem DIY-Netzwerk kennenzulernen. Mit Gästen und Partnern aus der Schweiz, Griechenland, England, Schottland und Berlin, will man über die Zusammenhänge von Netzwerktechnologien, zivilgesellschaftlichem Handeln und digitalen Gemeingütern diskutieren.

Können wir unsere Daten selbst besitzen und verwalten? Können Nachbarschaften eigene Netzwerke betreiben, um lokale Bedürfnisse besser miteinander abzustimmen, können diese Netzwerke zu neuen nachbarschaftlichen Ökonomien führen? Ist ein Alltag ohne Google möglich? Kann ich daran teilhaben, ohne Spezialwissen haben zu müssen?

*Mazi bedeutet „zusammen“ auf Griechisch

WANN:  15. Juli von 17:00-20:00 Uhr (abklingen mit Speis und Trank)
WO:  Die Laube im Prinzessinnengarten, Moritzplatz, Berlin Kreuzberg

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Reflecting Research (DGTF Tagung 2016)

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Die diesjährige DGTF-Tagung findet am 18. und 19.11. an der Hochschule Anhalt, Fachbereich Design in Dessau statt. Aktuelle Ansätze und Praktiken der Designforschung wollen dort anhand konkreter Beispiele aus der Forschungslandschaft diskutiert werden.

Zum einen soll es dabei um inhaltliche Problemlagen und Fragestellungen gehen: Welche Themen haben aktuell Konjunktur und warum? Welche spannenden und visionären Forschungsprojekte gibt es aus Sicht der Theorie, der Praxis und der Lehre?

Zum geht es um die Reflektion von Methoden und Herangehensweisen: Welche neuen Zugänge und Entwicklungen sind erkennbar? Wie forschen wir in der Zukunft? Und welchen Herausforderungen müssen wir uns stellen?

Im Anschluss an die Tagung, am 20. November, findet zudem wieder das Kolloquium Design Promoviert statt.

 

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Dementia Lab – The Role of Design

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Call for Participation (Essen, Germany – 14 and 15 September, 2016):

Design educators of all disciplines, design researchers and designers are
invited to attend this two-day event on designing together with people with
dementia. Design in all of its forms, from graphic and product design to
industrial design and interactions, is putting more focus on becoming
socially meaningful. One way that design is responding to this is by
working with the growing need of the elderly population and specifically
those with dementia.

Central to this is the question on how to include the person with dementia
their family and (in)formal caregivers in the design process.

In this two day event design educators, designers and
researchers are invited to come and be inspired about how to work with people with
dementia in their own practice. Next to that, those are invited who have
experience in setting up design courses or research projects on designing
for and together with persons with dementia to bring to the table their own
failed and successful approaches.

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The two-day event will focus on three central issues:

(1) how to facilitate design education focusing on (participatory)
designing for persons with dementia,

(2) the challenge for design students, practitioners and researchers to
involve persons with dementia in the design process.

(3) reflections on the ways in which working with individuals with
dementia impacts a designer’s current and future way of working.

There will be speakers, presentations and workshops.
Full schedule and speaker list can be found on http://www.dementialab.com

 

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Ausgezeichnete Mit-Mach-Stadt

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»Das Sächsische Staatsministerium des Innern hat mit der Innovationskommune Brandis und dem kommunalen Innovationsnetzwerk den 1. Platz des internationalen eGovernment-Wettbewerbes in der Kategorie „Bestes Kooperationsprojekt“ gewonnen.

Die Schwerpunkte des Projekts „Innovationskommune“ liegen im Bereich des Prozessmanagements zur Verbesserung von Verwaltungsabläufen und bei der „Mit-Mach-Stadt“. Hier probt Brandis neue digitale Verfahren für Bürgerinformation.«

www.stadt-brandis.de
www.mit-mach-stadt.de

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Internationalising Design History: Facing the World Differently.

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In 1946 the exhibition, Britain Can Make It, was held at London’s Victoria & Albert Museum. The exhibition reflected a desire to reaffirm Britain’s global position in design and manufacturing after World War Two.

The symposium “Internationalising Design History: Facing the World Differently. Seventy years on from the Britain Can Make It Exhibition” on Friday 7 October 2016 examines this desire in the context of colonial legacies and the parallel ambitions of its former allies and enemies to capitalise on the potential of design to make a difference.

How could Britain make it as the world realigned and reconfigured politically, economically and culturally? What were the implications of its imperial models of design practice, education, exhibition and professional organisation? And what of now and the future: can Britain still make a distinctive and ethical contribution? These are some of the questions that will be discussed.

Programme

09.50 Introduction: Professor Cheryl Buckley
10.00 Keynote: ‘Britain Couldn’t Make It – From Empire To Island, The Collapse Of British Industry’, Professor Jonathan Woodham and Dr Paddy Maguire,
(Chaired by Professor Catherine Moriarty)

Beyond Britain Can Make It:  Adaptation and Interpretation 
(Chaired by Dr Harriet Atkinson)

11.30 Dr Eleanor Herring, ‘BCMI and Government-Sponsored Design Today’?
11.55 Mary Ann Bolger, ‘Ireland Can Make It?’
12.20 Dr Paddy O’Shea, ‘Business by Air: The BOAC’
12.55 Discussion

Design and Anxiety? New Readings of Britain Can Make It 
(Chaired by Elli Michaela Young)

13.50 Liz Tregenza, ‘Clean, Uncluttered and in Good Taste?’
14.15 Kevin Guyan, ‘Locating Masculinities at Britain Can Make It, Seventy Years On’
14.40 Dr Christine Atha, ‘Class Anxieties at the Britain Can Make It Exhibition: The Uses of (Design) Literacy* (*with apologies to Richard Hoggart)
15.15 Discussion

Re-claiming, Re-imagining and Re-presenting: International Scopes and National Preoccupations in Design 
(Chaired by Zeina Maasri)

15.45 Professor Lou Taylor, ‘Paris v London: Summer 1944 – Summer 1947: the Struggle for Domination of Couture, Fashion Textiles and Ready to Wear in the Aftermath of World War 2’
16.10 Dr Rikke Jacobsen, ‘Britain Can Make It and the Danish Design and Cabinetmakers’ exhibitions’
16.35 Dr Yasuko Suga, ‘Adopting the Language of Britain Can Make It: Industrial Display at Kobe Fair, 1950’
17.00 Discussion
17.10 Final remarks: CB, HA, ZM, EMY

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Hackerethik – Zwischen schwarz und weiß.

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Podiumsdiskussion in Kooperation mit der Friedrich-Naumann-Stiftung

Früher dachte man, dass Hacker in dunklen Kellern sitzen, die Hoodies tief ins Gesicht gezogen, und von dort versuchen, sich in fremde Unternehmen einzuhacken oder gar die (digitale) Weltmacht an sich zu reißen. Heute ist klar, dass viele Hacker ihre Fähigkeiten nicht für die dunkle Seite nutzen, sondern Unternehmen sogar helfen, Sicherheitslücken ausfindig zu machen. Etablierte Vereinigungen – wie der Chaos Computer Club – berufen sich auf eine Hackerethik. Schutz der Privatsphäre, Offenheit und Hackingskills sollen demnach keine Gegensätze darstellen, sondern zum Nutzen aller eingesetzt werden können. In diesem Spannungsfeld laden die Friedrich Naumann Stiftung und das Berliner Museum für Kommunikation zu einer Podiumsdiskussion: Hackerethik zwischen schwarz und weiß.

Am 5. Juli 2016, von 18.30 bis 21 Uhr im Museum für Kommunikation (Aktionsraum)
Leipziger Straße 16, 10117 Berlin, Teilnahme kostenfrei, Anmeldung erforderlich (hier).

 

Programm

Kay Heinz Ehrhardt, Foren- und Seminarleiter der Friedrich-Naumann-Stiftung für die Freiheit

Impuls: Keep Calm and Hack On – Warum Hacken nicht gleich Straftat bedeutet
Leonie Maria Tanczer, Expertin für Internet Governance Strategien

Life-Hack
Juliane Hüttl, Netzpolitikerin und Beisitzerin im FDP-Landesvorstand Berlin

19:15 Uhr

Buzz-Session – die Richtung der Diskussion bestimmen Sie!

19:45 Uhr

Podiumsdiskussion
Juliane Hüttl, Netzpolitikerin und Beisitzerin im FDP-Landesvorstand Berlin
Leonie Maria Tanczer, Expertin für Internet Governance Strategien
Jan-Tilo Kirchhoff, Country Manager, Compass Security Deutschland GmbH
Prof. Dr. Wolfgang Coy, emeritierter Professor f. Informatik in Bildung & Gesellschaft, Humboldt-Universität Berlin

Moderation: Julia Hesse

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Präsentische Demokratie

 

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Wenn repräsentative oder direkte Demokratien an ihre Grenzen stoßen, was dann? Die Jour Fixe Initiative Berlin lädt am Sonntag den 3. Juli 2016 (18 Uhr) zu einem Vortrag der Politologin Isabell Loray (eipcp/European Institute for Progressive Cultural Policies) ein.

Loray widmet sich dem Thema “Präsentische Demokratie” als möglichem Alternativmodell im Angesicht der aktuellen Krisen: “Zur Zeit werden erneut „Werte“ der Demokratie gegen ihre Feinde verteidigt und Kriege zur Konsolidierung von Staatlichkeit geführt. Die entleerte liberale Demokratie versucht sich zu relegitimieren. Doch diese vermeintlich alternativlose Form von Demokratie zeigt im normalisierten Ausnahmezustand lediglich ihr autoritäres Regieren durch soziale Unsicherheit. Gegen diese Rückkehr zu Angst- und Sicherungsdiskursen wollen jedoch immer mehr Menschen am alten Namen der Demokratie festhalten und sie ihrer Geschichte entreißen, sie einer anderen Bewegung der Wiederkehr anvertrauen; einer ausgedehnten Gegenwart, in der Praxen präsentischer Demokratie aktualisiert werden: ohne homogenisierte Berechenbarkeit, in radikaler Inklusion der unberechenbaren und heterogenen Vielen – eine zunehmend entgrenzte Demokratie. Aber ist sie im Kommen, wie Jacques Derrida vorgeschlagen hat? Oder müssen wir uns auch von einer solchen Zukünftigkeit verabschieden, um das Präsentische der Demokratie zu denken?” (Loray)

Der Vortrag ist Teil der unregelmäßig fortlaufenden Reihe “Revolutionierung der Demokratie”. Ein Auszug aus der Ankündigung: “Nach dem Frühling kam der Herbst. Unter der Restauration autoritärer Herrschaft, Bürgerkriegen, Grenzenkrise und Islamismus scheinen die Hoffnungen der Arabischen Revolten verschüttet. Ebenso prallte die globale Occupy-Bewegung am harten Gehäuse der Herrschaft ab. Doch gegen das Narrativ des Scheiterns müssen die gemeinsamen Erfahrungen dieser Rebellionen in die Gegenwart gerettet werden. „Ihr repräsentiert uns nicht! Dies ist keine Demokratie!“ scholl es nicht nur über die Plätze Madrids. Demokratie wurde wiederbelebt als Anspruch, dass eine Bevölkerung  gemeinsam und direkt die Gestaltung des gesellschaftlichen Zusammenlebens übernimmt. In den Laboratorien direkter, präsentischer oder liquider Demokratie wurde Repräsentation in Frage gestellt, unmittelbare Demokratie erprobt und das Feld des Politischen über das Staatliche hinaus ausgedehnt.”*

Diese und andere Erfahrungen soll die Vortragsreihe der jour fixe initiative berlin reflektieren.

So auch am Sonntag, 3. Juli 2016, 18 Uhr mit Isabell Loray Präsentische Demokratie – Warum diese andere Demokratie nicht im Kommen ist und auch die Zukunft nicht begehrt.

 

* via neue gesellschaft für bildende kunst (ngbk) und jourfixe

 

 


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Zum Wandel der Kommunikation im Zeitalter der Digitalisierung

Am Donnerstag (23. Juni 2016) startet eine zweitägige, interdisziplinäre Konferenz über die fortlaufenden Transformationsprozesse von Sprache, Literatur, Medien, Kunst und Alltagskultur am Beispiel der kleinen, heimlichen Globalisierungsgewinner digitaler Kommunikation: den Emoji und Emoticons. Tom Bieling sprach mit Elena Giannoulis (FU Berlin), der Organisatorin der Veranstaltung.

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[Bild Quelle: Tweaking4All.com]

[Tom Bieling] Emoji und Emoticons scheinen (nicht nur) in der digitalen Kommunikationskultur allgegenwärtig. Sie sind somit längst fester Bestandteil unserer Alltagskultur. Die Formen und Funktionen dieser Piktogramme und Ideogramme sind dabei mindestens ebenso vielfältig wie ihre sprachlichen und kulturellen Funktionen. Wie kam’s?

[Elena Giannoulis] Der Terminus „Emoticon“ setzt sich aus „Emotion“ und „Icon“ zusammen und kann als ein – oft aus mehreren Zeichen bestehendes – „Zeichen“ verstanden werden, das in Instant Messaging, Social Networking Services (Facebook, Twitter), E-Mails oder Blogs verwendet wird. Vorläufer der Emoticons, so genannte „Strichmännchengesichter“, die aus Satzzeichen und Buchstaben zusammengesetzt wurden, existieren bereits seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Zwar waren Emoticons im analogen Zeitalter eine Randerscheinung, jedoch wurden sie bereits damals verwendet, um verbale Kommunikation humorvoll und erklärend zu ergänzen. Das am häufigsten eingesetzte Emoticon ist ein Smiley. Werden Smileys aus mehreren Zeichen zusammengesetzt, sind sie meist um neunzig Grad gedrehte, also liegende, Strichbilder von Gesichtern.

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[Smiley Emoticon]

Emoji („Bildschriftzeichen“) gelten als eine Weiterentwicklung von Emoticons und wurden Ende der 1990er Jahre von dem Japaner Shigetaka Kurita erfunden, der für den Mobilfunkanbieter NTT DoCoMo an dem „i-mode Project“ gearbeitet hatte. Mit Beginn der digitalen Kommunikation durch SMS und E-Mail ab etwa der zweiten Hälfte der neunziger Jahre fanden Emoticons auch in die Kommunikation breiter Bevölkerungsschichten Einzug. Ihren weltweiten Siegeszug verdanken Emoji dem Unicode-Konsortium, dem zahlreiche Softwarefirmen wie Apple, Microsoft und Google angehören, denn dieses verwaltet Emoji und den zu den Emoji gehörenden Computercode, damit diese auf den Endgeräten überall auf der Welt gleich aussehen. Laut der Webseite „emojitracker.com“ sind weltweit seit Sommer 2013 mehr als acht Milliarden Emoji allein auf Twitter verschickt worden.

Eine kreative japanische Sonderform der Emoticons heißt Kaomoji (Gesichter aus Schrift- und Satzzeichen, die Emotionen ausdrücken). Während bei „konventionellen“ westlichen Emoticons das Bild um neunzig Grad gedreht ist, ist dies bei Kaomoji meist nicht der Fall. Da sie nicht nur aus Zeichen des American Standard Code for Information Interchange bestehen, sondern auch aus der zweiten japanischen Silbenschrift „Katakana“, erweitern sie die Ausdrucksformen des westlichen Zeichensystems. Diese japanischen Versionen von Emoticons sind aufgrund ihrer Darstellungsweise für westliche Betrachter, die nicht mit deren Gebrauch vertraut sind, teilweise kaum zu verstehen. Es scheint also universal verständliche und kulturell kodierte Emoticons zu geben.

Inzwischen findet das ja nicht mehr ausschließlich nur im Kontext der digitalen Kommunikation statt, sondern auch in anderen Bereichen.

Seit Mitte der 2000er Jahre sind Emoji, Emoticons und Kaomoji nicht mehr nur Bestandteil digitaler Kommunikation, sondern auch zunehmend in den Medien Literatur oder Kunst von Bedeutung. Vor allem Emoji und Kaomoji werden immer öfter Bestandteil von digitaler Literatur, Handyromanen aber auch konventionell publizierten Texten. Der Bestsellerroman Densha Otoko (2004) (Englisch: Train Man, 2006) von Nakano Hitori, der ursprünglich auf dem berühmten Internetforum „Nichanneru“ (Kanal 2) veröffentlicht wurde, enthält auf fast jeder Seite Kaomoji und ASCII-Art. 2014 veröffentlichte der chinesische Künstler Xu Bing das erste belletristische Werk nur aus Emoji. Book from the Ground schildert einen Tag im Leben eines typischen städtischen Angestellten. Ferner werden auf dem Blog „Narratives in Emoji“ Klassiker wie Herman Melvilles Moby Dick oder die Geschichte um den Untergang der Titanic in Emoji nacherzählt. In die Kunst haben Emoji im Rahmen so genannter ASCII-Art Einzug gefunden, die wiederum ASCII Comics entstehen ließ. In New York City fand 2013 die „Emoji Art and Design Show“ statt, worüber das Wall Street Journal berichtete.

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[Emoji: Heul-vor-Glück-Smiley]

Ein Teil des „Erfolgsgeheimnisses“ der Emoji, scheint darin zu bestehen, dass sie auf sehr plakative, kaum missverständliche und somit universal handhabbare Weise zu leisten im Stande sind, was Sprache allein nicht immer vermag: z.B. die direkte Übermittlung von Emotion oder Ironie. Eine Bereicherung der schriftsprachlichen Ebene? Oder deren Verkümmerung?

Das Heul-vor-Glück-Smiley ist laut Oxford Dictionaries das Wort des Jahres 2015. Begründet wurde dies mit der Tatsache, dass Emoji sprachliche Grenzen überwinden und eine universale Sprache seien. Für die einen war das ein Grund zur Freude und für die anderen – ihreszeichens  Kulturpessimisten – ein Zerfall oder Bedeutungsverlusts von Sprache. Ich denke nicht, dass Emoji und Emoticons Sprache verstümmeln, sondern diese von Fall zu Fall sinnvoll ergänzen können. Im Zusammenspiel mit Textnachrichten verstärken, neutralisieren oder schwächen Emoticons das Geschriebene ab oder interpretieren den Text im Hinblick auf Ironie und geben ihm so eine bestimmte Melodie. Sie sind eine Hilfe für den Leser, den Text im Hinblick darauf zu interpretieren, was der Linguist John Haiman als „un-plain speaking“ bezeichnet hat, zum Beispiel Sarkasmus, Höflichkeit, Codes, Euphemismen oder Pathos.

Wobei dies ja auch immer kontextgebunden ist. Ironie, Humor, Höflichkeit oder Kränkung wird ja nicht immer überall gleich verstanden.

Richtig, das heißt nämlich nicht gleich, dass etwa durch Emoji ergänzte Kommunikation in jedem Falle der Überbrückung kultureller Missverständnisse dienlich wäre, denn Emoji werden in verschiedenen Kulturen mit unterschiedlichen Konnotationen aufgeladen.

Der direkte Einfluss auf Sprache und Literatur, sowie der unmittelbare Bezug zu Kultur liegen auf der Hand. Erfüllen Emoji und Co darüberhinaus noch weitere gesellschaftliche Funktionen?

Das Thema „Emoji“ wird zunehmend in soziokulturellen und politischen Debatten relevant. Man denke etwa an die Diskussion um mögliche Diskriminierung, die zur Einführung unterschiedlicher Hautfarben von einzelnen Emoji geführt hat.

Oder nehmen wir das Beispiel der App „Abused Emojis“, die es Kindern ermöglichen soll, leichter auf häusliche Gewalt aufmerksam zu machen, wenn sie nicht in der Lage sind, die Ereignisse zu verbalisieren. Weitere solcher Beispiele würden für einen gesellschaftlichen Nutzen von Emoji sprechen.

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[Abused Emojis]

Die comicartige, verspielte Anmutung von Emoji mag bisweilen darüber hinweg täuschen, dass oft knallharte Marktmechanismen mit ihnen in Verbindung stehen.

Sicherlich sollte man Emoji z.B. stärker auf ihr Potential im Rahmen von affective labor untersuchen und ihren Marktwert erforschen. Hersteller von Chat-Programmen wie Line in Japan oder Kakao Talk in Korea verdienen Millionen mit dem Entwerfen eigener „Emoji“ oder Sticker. Viele dieser Ideogramme und Piktogramme werden dann zu Merchandising-Artikeln.

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Die Konferenz Emoticons, Emoji und Kaomoji findet statt am Donnerstag, 23. Juni und Freitag 24. Juni 2016 im Henry-Ford-Bau der Freien Universität Berlin, Garystraße 35, Raum B und D, 14195 Berlin.

Beginn jeweils um 10.00 Uhr. Programm unter: www.geschkult.fu-berlin.de/e/oas/japanologie/files/ProgrammAnkuendigungEmoji.pdf

Die Veranstaltung ist öffentlich, der Eintritt frei. Die Konferenzsprache ist Englisch.

 

 

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Angewandte Moderne.

 

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Mit der Ausstellung Große Pläne! Moderne Typen, Fantasten und Erfinder. Die Angewandte Moderne in Sachsen-Anhalt 1919–1933 widmet sich die Stiftung Bauhaus Dessau im Verbund mit zahlreichen Orten in Dessau, Magdeburg, Halle, Leuna, Merseburg, Quedlinburg und Elbingerode der Zeit der Aufbruchsstimmung nach dem ersten Weltkrieg in Sachsen-Anhalt.

Jene Jahre von 1919 bis 1933 waren trotz politischer Unruhe und ökonomischer Instabilität von Experimentierfreude und Tatendrang geprägt. Eine Zeit der “modernen Typen: Künstler und Architekten, Techniker, Unternehmer und Politiker entwarfen als Fantasten und Erfinder neue Welten, die mehr verhießen als nur die bestmögliche großindustrielle Verwirtschaftlichung des Landes”.*

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[Die sogenannte Reklameburg, provisorische Messehalle auf dem Leipziger Markt zur Herbstmesse, 1921, © Stadtgeschichtliches Museum Leipzig, Foto: Eduard Krömer]

Neunzig Jahre nach der Eröffnung des Dessauer Bauhauses zeigt dieses Projekt, dass das Bauhaus als Forum internationaler Avantgarden kein Solitär war, sondern Teil einer großen Utopie zur Moderne, die mit Orten, Institutionen und Menschen verbunden war. Als aufstrebende Industrieregion erwuchs im Mitteldeutschland der 1920er und frühen 1930er Jahre eine Industrieregion, die eng verunden war mit jenen visionären und ideellen Plänen zu einem Menschenbild, wie sie im Bauhaus thematisiert, und schließlich in realen Konzepten der Architektur, der Pädagogik, dem Städtebau bis hin zur visuellen Kommunikation, der Werbung und der Raumfahrt umgesetzt wurden.

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[Der Transport des „Tschudi“ von der Halle zum Aufstiegsplatz, 1909, Leibniz-Institut für Länderkunde, Archiv für Geographie, Foto: Ernst Wandersle]

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein gleichnamiger Band (Herausgeber Claudia Perren, Torsten Blume und Alexia Pooth), der neben knappen Portraits einiger damaliger Protagonisten (Walter Gropius, Bruno Taut, Gertrud Arndt…), erhellende Beiträge u.a. von Beat Wyss (“Kunst an die Macht”), Christiane Keim (“Systematisch siedeln”) und Patrick Rössler (“Universal Kommunikation”) beinhaltet.

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Die Ausstellung ist noch bis zum 6. Januar 2017 zu sehen. Der Begleitband erscheint im Kerber-Verlag (ISBN 978-3-7356-0184-1) und kostet 39,95 EUR.

[Trailer zur Ausstellung]

* via Große Pläne

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Weltdesign – Als Konstruktion und Destruktion. Über das Politische im Design

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Ja, Design changiert irgendwo zwischen Weltverbesserung und Weltverschlechterung. Und ja, dies ist sehr häufig auch eine Frage der Deutungs- und Betrachtungsweise. Über die politische Wirkung von Design lässt sich daher immer noch trefflich streiten. Und richtig langweilig wird es dabei nie.

Bereits im 19. Jahrhundert und 20. Jahrhundert gingen Vorstellungen von ästhetischer Erziehung mit gesellschaftlichen Reformansprüchen einher: Arts and Crafts etwa wollte – in seiner Losgelöstheit von industriellen Prozessen – den Menschen zu sich selbst führen. Es war dies eine Kritik am Materialismus, der Industrialisierung und auch an Urbanisierung, wie sie auch bei der parallel aufkeimenden Lebensreformbewegung zu finden war.

Das Bauhaus akzeptierte dann – nach einer durchaus esoterisch angehauchten Findungsphase – ein neues Verhältnis von Industrie und Kunst, Technik und Gesellschaft. Der Nachkriegsfunktionalismus strebte nach Sinnhaftigkeit durch den Fokus auf den reinen Gebrauch der Dinge. Und im Übergang von Moderne zu Postmoderne entwickelten sich unterschiedliche Formen aufklärerischer Gestaltungsuniversalität, bei der es nicht selten auch um eine “Weltgesellschaft” als Zielgruppe ging.

“Spätestens im 21. Jahrhundert ist man kritischer geworden, was eine solche Konstruktion von Gesellschaft durch globales Design betrifft. Schon längst zeigte sich dessen Kehrseite. Nicht nur ästhetisch, angefangen bei einer reinen Funktionsarchitektur, die zu weltweit immer gleichen, seelenlosen und sozial […] problematischen Plattenbausiedlungen führte, sondern auch in einem weiteren kulturellen Horizont.

Es scheint, als wäre das heraufziehende Weltdesign in die Rolle eines Hegemons gerückt, der von Verhaltensweisen im Alltag bis hin zu Fragen des Sozialprestiges Vorgaben macht, die man in der Praxis nicht wirklich wollen kann. […] Je länger die Debatte währt, umso deutlicher wird es, dass Design als die besondere Form der Dinge längst zum Politikum geworden ist und zwar im weitest denkbaren Sinne. Es geht darum, wie wir grundsätzlich zusammenleben wollen und wie Design dazu beiträgt, unsere Lebensformen mitzubestimmen”.*

Am 17. Juni 2016 findet im Museum Angewandte Kunst in Frankfurt das Symposium »Weltdesign. Als Konstruktion und Destruktion. Über das Politische im Design« des Fachbereichs Design der Hochschule für Gestaltung Offenbach statt.

Drei aufeinanderfolgende Panels widmen sich dabei dem “Weltdesign” als “philosophische” (Panel 1: Prof. Dr. Martin Gessmann, Dr. Florian Arnold, Prof. Dr. Marc Rölli, Dr. Julia Meer, Prof. Dr. Melanie Kurz), als “praktische” (Panel 2: Prof. Dr. Klaus Klemp, Prof. Johannes Bergerhausen, Boris Kochan, Pia Scharf, Janina Anjouli Schmidt) und als “konzeptuelle Konstruktion und Dekonstruktion” (Panel 3: Dr. Florian Arnold, Prof. Dr. Cees de Bont, Dr. Yu Feng Li, Dr. Rael Futerman, Prof. Dr. Kai-Uwe Hellmann).

Der Eintritt ist frei, die Plätze sind limitiert.

Am 17. Juni 2016 von 9–17:30 Uhr im
Museum Angewandte Kunst, Schaumainkai 17, D-60594 Frankfurt am Main

* Via Weltdesign

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GOOD SPACE – politische, ästhetische und urbane Räume

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Noch bis zum 21. August ist in der Villa Merkel der Stadt Esslingen die Ausstellung GOOD SPACE zu sehen, in der verschiedene Aspekte des öffentlichen Raumes beleuchtet werden.

Zukunftsgestaltung unter der Prämisse eines gelingenden gesellschaftlichen Lebens: Das beinhaltet heute nicht nur die Auseinandersetzung mit (städte-)baulichen, sondern auch mit informationsstrukturellen Architekturen.

Wobei Konfliktpotenzial – etwa in Bezug auf Sicherheit und Überwachung, Sichtbarkeit und Anonymität, Teilhabe und Ausgrenzung – sowohl im analogen, als auch im virtuellen Raum, und schließlich in den dazwischen befindlichen Hybridräumen besteht.

Mit Arbeiten von Wachter & Jud, Martin Creed, Jasper Niens oder dem raumlaborberlin umfasst die Ausstellung gleichermaßen Perspektiven aus Gegenwartskunst, Architektur und Wissenschaft, die sich mit Fragen des Real-räumlichen ebenso wie mit Herausforderungen des Digitalen beschäftigen.

Die Ausstellung wird flankiert von einem umfangreichen Begleitprogramm aus Vorträgen, Workshops, Konzerten und so genannten “Forschungsspaziergängen”.

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Methodologien künstlerischen Handelns

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Anlässlich der Buchveröffentlichung “Kunst und Handlung. Ästhetische und handlungstheoretische Perspektiven” (Hrsg. von Daniel Martin Feige und Judith Siegmund) findet am 31. Mai eine öffentliche Podiumsdiskussion am Institut für Geschichte und Theorie der Gestaltung (UdK) statt. Es diskutieren Niklas Hebing (“Zur Selbsterkenntnis geschichtlichen Handelns durch künstlerische Praxis”), Eva Schürmann (“Sagen, Zeigen, Handeln”), Anke Haarmann (“Praxisästhetik”) und die Mitherausgeberin Judith Siegmund. Moderation: Michael Lüthy. Begrüßung durch den Dekan Prof. Dr. Thomas Düllo.

Am Dienstag, dem 31. Mai um 19 Uhr in der Universität der Künste Berlin, Hardenbergstraße 33, Raum 102.

 

 

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DEMO:POLIS – Das Recht auf Öffentlichen Raum

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Am Sonntag, den 29.5.2016 endet die Ausstellung DEMO:POLIS – Das Recht auf öffentlichen Raum an der Akademie der Künste, Berlin. Mit Plänen und Modellen, Entwürfen und Konzepten, Fotografien und Filmen, veranschaulicht die Ausstellung, wie Architekten, Stadtplaner, Künstler, Studierende und Bürger den Öffentlichen Raum gestalten und nutzen (können). Denn längst ist der öffentliche Raum zum politischen Spannungsfeld geworden, seine Nutzung und Gestaltung zur Verhandlungssache der Zukunft. Die Öffentlichkeit stellt neue Ansprüche an die Grundprinzipien der Demokratie und an die Gestaltung des Öffentlichen Raums. Die Ausstellung veranschaulicht dies, und stellt dabei die Vielschichtigkeit der heutigen Bedeutung von Öffentlichem Raum, und dessen Potenziale für die Zivilgesellschaft vor. Kuratiert wurde die Ausstellung von Wilfried Wang (Akademie der Künste) und O’Neil Ford (University of Texas at Austin).

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Textile Studien: Über die Formen, Metaphern, Theorien und Geschichte der Kleidung

 

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Die Bedeutung des textilen Mediums als Technik, Material und Metapher hat seit den 1990er Jahren an Präsenz gewonnen. Sei es in den Diskursen der zeitgenössischen Kunst, der Architektur und ihrer Kritik, sei es in kulturgeschichtlichen oder bildwissenschaftlichen Auseinandersetzungen, oder auch in Teilbereichen der Designforschung.

Theoretische und historische Reflektionen bezüglich des Textils als Medium innerhalb und außerhalb der Kunst existieren gleichwohl in überschaubarem Maße. Umso erfreulicher, dass die Reihe Textile Studies im nunmehr achten Band dazu beiträgt, diese Lücken zu schließen.

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Den aktuellen Band (8) Clothing the Sacred: Medieval Textiles as Fabric, Form, and Metaphor von Mateusz Kapustka und Warren T. Woodfin (Hg.) haben wir uns noch nicht genauer angesehen. Bereits im vergangenen Jahr kompilierte Kapustka (Hg.) jedoch mit Band 7 Bild-Riss: Textile Öffnungen im ästhetischen Diskurs eine aufregende Bandbreite an kulturtheoretischen, kunst- und bildwissenschaftlichen Beiträgen über textile Repräsentationen und Metaphern.

 

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Zuvor hatten Anna-Brigitte Schlittler und Katharina Tietze (Hg.) einen bemerkenswerten 5. Band über die Komplexitäten der textilen Materie, sowie über deren symbolische Funktionen und sinnliche Wirkung abgeliefert. Wobei es neben mode- und kunstgeschichtlichen, ästhetischen und philosophischen, insbesondere auch auch um medientheoretische und  (geschlechter-) politische Dimensionen ging.

 

Die Textile Studies Reihe ist erschienen im Reimer Verlag (Edition Imorde).

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Changing Worlds – Ideologies, Utopias and Ambitions in Science and Technology

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The latest issue of the Graduate Journal of Social Sciences (GJSS) has a strong focus on Science and Technology Studies (STS) topics. Its title “Changing Worlds” alludes to multiple meanings as not only are we changing the world – or worlds –, but they are simultaneously changing us, and are never stagnant in the first place. This issue (Volume 12, Issue 2 – April 2016) has been edited by a promising group of international STS scholars: Marlene Altenhofer (Institute for Advanced Studies, Austria), Leo Matteo Bachinger (Rensselaer Polytechnic Institute, US), Mercedes Pöll (University of Leeds, UK) and Boka En, Jasmin Engelhart, Victoria Neumann, Nikolaus Pöchhacker and Angela Prendl (all from University of Vienna), who managed to assemble an exciting and interdisciplinary range of papers.

To examine the interconnectedness of this field – particularly in its relations to science and technology, Altenhofer et al. claim, that “Science – as well as knowledges more generally – and technology have enormous impacts on the ways our societies are structured and function on an everyday level. […] this impact is both shaped by and, in turn, shapes the ideological foundations of these societies. Finally, it seems equally fair to say that the outcomes of particular technoscientific practices are not predetermined: knowledges and artefacts alike can both oppress and liberate.” (Altenhofer et al. 2016, 10)

The articles include views on “The Valuable Citizens of Smart Cities” (Olesya Benedikt), “Risks, norms and optimisation in self-quantifying practices (Boka En and Mercedes Pöll), or on “Digital ways of knowing and epistemic walks with methods-as-prototypes (Chiara Carrozza and Andrea Gaspar”. Asking for whom the world should be actually changed, Andrea Ida Malkah Klaura discusses some “Thoughts about trans*disciplinarity,
feminist epistemologies and Participatory Design.

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In their article “Internet of Everyone – Tools for Empowerment” (pg 96–108) Tom Bieling, Tiago Martins and Gesche Joost approach participatory work from the angle of attempting to work towards greater inclusivity. “They argue that the concept and demands of diversity offer both challenges and opportunities particularly for designers, paying close attention to how different perspectives can be reflected in artefacts and design practices. Describing their experiments with designing for empowered interaction (including the participation of deaf-blind people in the design process), Bieling, Martins, and Joost argue that design should emphasise diversity and its strengths. Their Lorm Hand is a case in point for how attentive design of assistive technologies for deaf-blind individuals can emphasise talents and strengths rather than correcting ‘disabled’ or ‘handicapped’ bodies. Instead of taking for granted standardised, able-bodied users, the authors bring bodies with their different abilities into the focus of design. Equally an assistive device and outreach instrument for deaf-blind activists, the Lorm Hand becomes an interesting experiment for how design in society can become generative for societal change – particularly in regards to what can be accomplished through invitation and encouragement instead of adjustment and top-down intervention.” (Altenhofer et al. 2016, 12)

The whole Journal issue can be downloaded here.
The article mentioned above, can be downloaded here. 

 

Graduate Journal of Social Science April 2016, Vol. 12, Issue 2, pp. 96–107 is licensed under the Creative Commons Attribution-NoDerivs 3.0 Unported License. ISSN: 1572–3763

CCommons

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Die Zeitlichkeit des Entwerfens

Hörsaal 207 – Dorotheenstraße
Dorotheenstr. 26 – Berlin
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The Knowledge of the Future – From Oracle to Prognostics

 

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[English:]

When Future no longer indicates the final judgement of the world, or the lapse of time until its arrival, then our vision of the time to come has changed profoundly. Future then, as Reinhard Koselleck has pointed out, can only be projected as an “empty space of time”, and that means that a great number of institutions and practices make their appearance, promising to make safe with their scientific models the journey into the unknown, possible shifts and formations: demographic development, climate change, energy supply, technological and geopolitical impact assessments, prospects for the  stock market.

Prognostics if not prophecies of the Future are the result of the changing world of today, often experienced as insecure and menacing. We have to realize, that the Futureswe have are nothing but social constructions, a texture of the presence. Even in antiquity the divinatory knowledge of the oracle was not meant to “really see” the future reality. Nonetheless mights and morals and their perspectives could well be named and judged from the currently visible, from recognition and plausibility. Future knowledge is orientation knowledge, relevant in any policy advising.

In this program of the Mosse-Lectures the scientific and imaginary knowledge of the Future in different disciplines, in the arts and religions will be negotiated, also the unknowing we have to admit. From the art of fortune telling in the Ancient Orient up to the present time of Big Data’s future viability the genesis and legitimacy of prognostics will be discussed. What does the reference of the future tell about the self conception of society? What are the rhetorical, technical und media means and tools to shape and perform the knowledge of the future?  Beyond the classical apocalypse, how can collective desires and anxieties coin our notion of an ultimate future?

Programm: 

28.4. 2016
Stefan Maul (Heidelberg)
»Wahrsagekunst im Alten Orient«
Einführung und Moderation: Ethel Matala de Mazza (HU Berlin)

12.5.2016
Bruno Latour (Paris)
»On a possible difference between Earth and the Globe.«
Kommentar und Gespräch: Wolfgang Schäffner (HU Berlin)

19.5.2016
Viktor Mayer-Schönberger (Oxford)
»Big Data. The Future of How We Live«
Einführung und Moderation: Hendrik Blumentrath

16.6.2016
Kathrin Röggla (Berlin)
»Zukunft als literarische Ressource«
Einführung: Ulrike Vedder (HU Berlin)

7.7. 2016
Joseph Vogl (Princeton / HU Berlin)
»Das seltsame Überleben der Theodizee in der Ökonomie«
Kommentar und Gespräch: Sahra Wagenknecht

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[Click to enlarge!]

[Deutsch:]

Wenn Zukunft nicht mehr gleichbedeutend ist mit dem Weltgericht oder der Zeitspanne bis zu seinem Eintreffen, so ändert sich der Blick auf Kommendes entscheidend. Zukunft kann nur mehr als „leerer zeitlicher Raum“ (Koselleck) entworfen werden, was eine große Zahl von Institutionen und Praktiken auf den Plan ruft, die mit ihren wissenschaftlichen Modellen in Aussicht stellen, das Ungewisse möglicher Ereignisse und Entwicklungen in Planbarkeiten zu überführen: die demographische Entwicklung, den Klimawandel, die Energieversorgung, die Abschätzung von technischen und geopolitischen Folgeerscheinungen, nicht zuletzt die Ökonomie an der Börse.

Die Vorhersage möglicher Zukünfte entsteht aus einer sich ständig verändernden und oft als bedrohlich empfundenen Gegenwart. Zukunft haben wir nur in ihren sozialen und gesellschaftlichen Konstrukten. Schon das divinatorische Wissen der Alten Welt mit seinen Orakelsprüchen hat niemals behauptet, eine zukünftige Wirklichkeit „wirklich zu sehen“, wohl aber das Sichtbare, Erkennbare und Plausible zur Perspektivierung von Macht und Moral benannt und beurteilt. Zukunftswissen ist Orientierungswissen. Das gilt bis heute für jederlei ‚Politikberatung‘.

In den Mosse-Lectures soll das in verschiedenen wissenschaftlichen Disziplinen, in den Künsten und Religionen erforschte und imaginierte Zukunftswissen, auch das einzugestehende Nicht-Wissen, verhandelt werden: seine Herkunft, Geltung, Legitimierung und sein Einfluss: von der Wahrsagekunst im Alten Orient bis zu Big Data. Welches Selbstverständnis einer Gesellschaft zeigt sich in ihren Bezugnahmen auf die Zukunft? Welche rhetorischen, technischen und medialen Mittel zur Modellierung und Inszenierung von Zukunftswissen sind zu beobachten und zu analysieren? Welche kollektiven Wünsche und Ängste prägen seit der klassischen Apokalypse die Vorstellungen des ultimativ Zukünftigen?

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Grow | Degrow. Design zwischen Exzess und Kalkül (KISD Conference)

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Am 20. Mai 2016 lädt die KISD zum interdisziplinären Symposium „Grow | Degrow. Design zwischen Exzess und Kalkül“ ein. Aus verschiedenen Perspektiven tauschen sich Wissenschaftler/innen und Gestalter/innen an diesem Tag über die Bedeutung von Nachhaltigkeit und Postwachstumsökonomie aus und diskutieren gestalterische Positionen und spekulative Projekte zum Umgang mit endlichen Ressourcen.

Im Kern soll es darum gehen: Die Wirtschaft lebt strukturell von Maßlosigkeit, die sich in der hochspekulativen Finanzwirtschaft, der Notwendigkeit eines stetigen Wachstums, der Forderung nach steigenden Gewinnen und dem immensen Konsum zeigt. Längst nicht mehr nur die westlichen Gesellschaften werden durch ihren hohen Verbrauch von Gütern und Ressourcen mit einer enormen Umweltbelastung konfrontiert, die weitgehend ohne Kontrolle oder Steuerung ihres Ausmaßes und ihrer Folgen voranschreitet. Die Hoffnung, dass wirtschaftliches Wachstum durch technischen Fortschritt nachhaltig oder klimafreundlich gestaltet werden kann, schwindet.

Zugleich kündigen sich gewaltige systemische Veränderungen an, die mit dem Ende der historisch einmaligen Wachstumsepoche verbunden sind, welche vor 200 Jahren als Folge der Industrialisierung begann. Vor allem Klimawandel, Verknappung fossiler Energien, demografische Alterung und Rationalisierungen im Dienstleistungssektor gelten als Ursachen für aktuelle und zukünftige Schrumpfungsprozesse, die unmittelbar Einfluss auf Politik, Wirtschaft und Gesellschaft nehmen.

Dennoch wird scheinbar ungebrochen an der für alternativlos gehaltenen Wachstumslogik festgehalten. Wachstum scheint ein Dogma und Versprechen zu sein, das mit dem Primat der Leistung einhergeht und Erfolg an der Fähigkeit bemisst, sich immer wieder selbst zu übertreffen. In diesem Sinne werden alle Akteure der Gesellschaft fortlaufend zu neuen Höchstleistungen und steigender Rentabilität angehalten.

Proteste gegen die permanente Forderung nach Wachstum werden lauter und richten sich gegen das Prinzip der anhaltenden Wertsteigerung, gegen die Auswüchse des Massenkonsums, gegen Materialverschwendung, gegen Umweltverschmutzung. Seit den Auseinandersetzungen der Umweltbewegungen in den 1970er und 80er Jahren ist nicht mehr in solcher Intensität über den richtigen Umgang mit vorhandenen Ressourcen debattiert worden wie in den vergangenen Jahren. Ansätze und Konzepte für alternative Formen des Wirtschaftens und Nutzens werden wieder verstärkt nachgefragt und entwickelt.

Die Frage nach Lösungsmöglichkeiten richtet sich dabei längst nicht mehr nur an Natur- und Technikwissenschaften, sondern vermehrt auch an die Gestaltungsdisziplinen. Welche Rolle kann Design in diesem strukturellen ökonomischen Wandel spielen? Wie lässt sich Design im „Zeitalter des Menschen“ – des „Anthropozän“ – verstehen, das als eigene von der Industriegesellschaft geprägte geologische Schicht verstanden wird?

Versuche, der Forderung nach ökonomischen Wachstum und technologischer Innovation zu entkommen, sind spätestens seit der Veröffentlichung des kritischen Berichts Limits of Growth des Club of Rome (1972) und der ersten Ölkrise (1973) auch ein Thema der Gestaltung. Im Zuge von Globalisierung und Digitalisierung hat die Idee der Wachstumsrücknahme aber deutlich an Schärfe gewonnen. Dies nährt nicht zuletzt die Frage, wie Gestaltung zu neuen Entwürfen von Gesellschaft und Stadt beitragen kann, die nicht auf zunehmende Produktion und steigenden Konsum ausgerichtet sind. Wie lassen sich Prozesse, Situationen und Systeme denken, die neue Handlungs- und Gestaltungsspielräume jenseits des Wachstumsparadigmas eröffnen? Wie sieht ein „Re-Design“ des Verhältnisses von Rohstoff und Erzeugnis aus? Kann Gestaltung eine Mäßigung, wenn nicht gar eine Umkehr von Wachstumsprozessen erreichen? Welche neuen Paradigmen im Design sind dafür notwendig?

Eine mögliche Antwort hierauf gibt der britische Anthropologe Timothy Ingold. Er fordert einen Perspektivenwechsel – weg von Objekten und Produkten als feste und endgültige Entitäten, und hin zu einer modellierten Umwelt als Kräftefeld und Kreislauf von Ressourcen, Energien und Stoffen. Wie würde ein solches Verständnis die Entwurfspraxis verändern? Wäre die Modellierung systematischer Ressourcenzusammenhänge und ihrer Dynamiken ein neues Arbeits- und Forschungsgebiet? Und gebieten diese Konzepte und Entwicklungen den angeprangerten Exzessen tatsächlich Einhalt oder übersetzen sie diese nicht vielmehr in andere, ebenfalls exzessiv betriebene Formen von Verzicht und Kontrolle?

Fachübergreifend diskutieren am 20. Mai 2016 Forscher/innen aus Design, Kunst und Architektur sowie Kultur- und Sozialwissenschaften, wie Gestaltung zu einem Reflexionsmedium und Experimentierfeld für die Entwicklung einer entwachsendenGesellschaft werden kann.

Mit dabei: Gerhard M. Buurman (Departement Design, Zurich University of the Arts), Dirk Hohnsträter (Institute for Media, Theatre and Popular Culture, University of Hildesheim), Stephanie Haury and Stephan Willinger (Federal Institute for Research on Building, Urban Affairs and Spatial Development, Bonn), Harald Gründl (EOOS Design and IDRV – Institute of Design Research Vienna), Judith Dörrenbächer (Sciences of Art and Design, Niederrhein University of Applied Sciences), Gionata Gatto (Studio Gionata Gatto, Rotterdam), Johannes Lang (History and Theory of Art, Bauhaus-Universität Weimar, Freie Universität Berlin), Valentin Thurn (Thurnfilm, Cologne), Sylvia Heuchemer (Vice President, TH Köln), Philipp Heidkamp and Carolin Höfler (KISD).
Am 20. Mai 2015 von 09.15 bis 17.30 Uhr

Köln International School of Design,
Ubierring 40, 50678 Köln

https://spaces.kisd.de/kisdconferences/en/programm/

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Beauty and the Norm: Debating Standarization in bodily Appearance

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Beauty and the Norm: Debating Standarization in bodily Appearance

The past decades have seen a global boom in the body aesthetics services with profound effects on people’s bodies worldwide. The global beauty and fashion industries disseminate mass-mediated images of men and women, whose bodies bear startling similarities in spite of their differences in shade and attire. At the same time, an emerging anthropological literature has analysed beautification and aesthetic body modification as tools for social positioning and climbing, with standards for bodily appearance continually on the rise. Against this background, scholars have warned against an increasing regularization of the human body, indeed a ‘pervasive smoothing out of human complexity and variation’ (Garland-Thomson 2009).

As powerful ideological tools, the standards of normalcy and universality that were set in the nineteenth century, such as the body mass index or “average man” (Quetelet 1842), continue to not only describe, but also prescribe human bodies today. With their help, generations of women, people of colour, the handicapped and the poor have been viewed, measured and evaluated and they were almost always ‘found wanting’ (Garland-Thomson 2009). On the background of the popularization and normalization of medical techniques for aesthetic body modification the pressure to ‘correct’ aspects of the body that defy the norm – deformations, in the language of medical experts – is ever increasing. Indeed, the basic motivation for aesthetic surgery has been described as the desire to “pass” (Gilman 1999).

On the other hand, social anthropologists have documented that in their quest for beauty, modernity or progress, bodies are embedded in collective fantasies that are neither exclusively local nor global, but may be both. Techniques for lightening or tanning the skin, depilation, straightening hair, reducing or augmenting breasts or the size of the nose may travel, but in order to understand their relation to ideologies of race, class and gender as well as global trends, it is crucial to analyse the multiple meanings of their appropriation in specific locales (Craig 2002, 2006). Not least, physical beauty carries in it a form of power, a promise of social mobility that, if made accessible for everyone ready to subject themselves to the demands of the market, may be seen as challenging established power hierarchies (Edmonds 2007). By the help of aesthetic techniques and on a subjective level, aesthetic surgery aficionados, trans-people or beauty queens may strive to become not ordinary, but outstanding, even spectacular (Ochoa 2014).

This workshop aims at bringing together ethnographic and conceptual approaches to the study of beauty and the norm from social anthropology, queer studies, gender studies and disability studies in order to debate standardization in bodily appearance. The organizers invite contributions that engage with ethnographic methods in their research in a variety of geographical locations, addressing one or more of the following questions:

  • What is the relation between beauty practices and the norm?

  •  Are there ethnographic indications for rising standards of bodily appearance and in what ways are these related to ideologies of race, class, age and gender?

  • What happens with people whose bodies defy or are found lacking – in reference to what is considered an ordinary appearance?

  • What does the increasing consumption of aesthetic body modifications mean for the particularities of our bodies, our everyday lives as well as for the ways we determine what is good, beautiful, healthy and “normal”?

The conference will be addressed by Prof. Ann M. Fox (Davidson College) and by Prof. Maxine Leeds Craig (University of California, Davis).

The confernece will take place at Iwalewahaus, Bayreuth University, Bayreuth, on the 6th – 8th of April 2016

Registration fees: €25.00 (€15.00 for PhD and graduate students)

The conference is organized by Sarah Böllinger (PhD candidate and junior fellow of the Bayreuth International Graduate School of African Studies, BIGSAS) Claudia Liebelt (Assistant Professor at the Chair for Social Anthropology, Bayreuth University) Ulf Vierke (Director Iwalewahaus, Africa Centre at Bayreuth University) 

Conference Programme:
http://www.beautyandthenorm.uni-bayreuth.de/de/Programm/index.html

 

 

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No Body – Some Body – Any Body: Gestaltete Gender-Identitäten (Konferenz)

NoBody-SomeBody-AnyBody
Auf der Konferenz vom 22. – 23. Oktober, die in Kooperation zwischen dem international Gender Design Network / iGDN und der Fakultät Medien, Information und Design der Hochschule Hannover veranstaltet wird, diskutieren Designpraktizierende und Designforschende über Gender und Design im Kontext Körper und Objekt mit Bezug zu der jeweiligen Geschlechtlichkeit und Vergeschlechtlichung. In Impulsvorträgen und Workshops sowie Interviews mit Akteurinnen aus der Praxis werden unterschiedliche Perspektiven aus verschiedenen Designkontexten vorgestellt und diskutiert.

Zu Gast sind:
Ph.D Lena T H Berglin (Vague Research Studios, Göteborg)
Prof. em. Dr. Uta Brandes (iGDN)
Dr. Sandra Buchmüller (Universität Bremen)
Marijke Doemges M.A. (Köln)
Prof. Dipl.-Des. Volker Feyerabend (Hochschule Hannover)
Prof. Dr. Karen Fromm (Hochschule Hannover)
Prof. Hans-Jörg Kapp (Hochschule Hannover)
Dipl.-Des. Katharina Krämer (Hochschule Hannover)
Prof. Dr. Fred Meier-Menzel (BTK, Campus Iserlohn)
Britta Pukall (Inhaberin und Verwaltungsratspräsidentin 
milani design & consulting, Zürich) 
Julia Schümann B.A. (Köln)
Nexster Entrepreneurship-Center Hochschule Hannover
Katja Trinkwalder (Köln)
Prof. Dorothee Weinlich (Hochschule Hannover)

Blue+Pink Rethink! Klischees und Perspektiven von Gender im Design
Ausstellung des international Gender Design Network / iGDN
22. Oktober bis 05. November 2015

Im Rahmen der Konferenz eröffnet die Ausstellung „Blue+Pink: Rethink“ des international Gender Design Network / iGDN, die bereits an der Hong Kong Polytechnic University, bei designxport in Hamburg sowie designtransfer an der UdK Berlin zu sehen war. Beteiligt haben sich u.a. Alessandro Mendini (Mailand), Matali Crasset (Paris), Joséphine Choquet (London), Anthony Dunne (London), Douglas Young – G.O.D. (Hong Kong), Mateo Kries – Vitra Design Museum (Weil am Rhein), Doreen Toutikian (Beirut), Alexa Lixfeld (Hamburg) u.v.m.

Weitere Informationen sowie Anmeldung zur Konferenz unter

 

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Richard Sennett on “Democratic Technology”

In order to understand and to deal with contemporary societies, different concepts are possible or necessary. Some of the essential elements in Richard Sennett’s work to do so, are related to the notion of Work, Capitalism, City and also to Ritual and Religion as fundamental structures (of Society).

When Mr. Sennett* and Tom Bieling recently met for a coffee and a fascinating conversation on material culture, democracy and according “power relations”, also the role of technology was discussed. The central question: What kind of technology do we need? Sennett put it in a nutshell…


* Richard Sennett ist he Centennial Professor of Sociology at the London School of Economics and University Professor oft he Humanities at New York University. Sennett has studied social ties in cities, and the effects of urban living on invividuals in the modern world.

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Partizipative und inklusive Mensch-Technik-Interaktion

Bereits am 21. April 2015 fand in der Berliner Villa Donnersmarck das “Friedrichshainer Kolloquium des Instituts Mensch, Ethik und Wissenschaft (IMEW) unter dem Titel „Technikgestaltung – die Perspektive Behinderung im Kontext der Innovations- und Technikentwicklung“ statt. In ihrem gemeinsamen Vortrag und der anschließenden Podiumsdiskussion mit dem weiteren Referenten Benjamin Freese (PIKSL) durchforsteten Dr. Birgit Behrisch und Tom Bieling Fragestellungen rund um das Thema “Technik im Kontext Sozialer Bewegungen”. Dr. Karl Bald von der Fürst Donnersmarck-Stiftung zu Berlin hat den Tag protokollarisch begleitet und uns seine Eindrücke in einer gekürzten Fassung als Gastbeitrag zur Verfügung gestellt:

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Das diesjährige „Friedrichshainer Kolloquium“ des Instituts Mensch, Ethik und Wissenschaft“ (IMEW) steht unter dem Thema „Technikgestaltung – die Perspektive Behinderung im Kontext der Innovations- und Technikentwicklung“, im Unterschied zu den bisher behandelten sozialwissenschaftlich-soziologischen Themen des Kolloquiums eine scheinbar ingenieur- und technikorientierte Fragestellung.

Doch weit gefehlt, durch den Vortrag von Dr. Birgit Behrisch (IMEW) und Tom Bieling (UdK / Design Research Lab Berlin) zum Thema „Partizipative und inklusive Mensch-Technik-Interaktion“ fand eine spannende Eröffnung des Themas statt. Zwei Vortragende aus entfernten Feldern, Philosophie und Design, kamen hier mit Synergieeffekt zusammen. Gewöhnlich haben diese Bereiche wenig miteinander zu tun. Beide Vortragende formulierten dagegen einen engen Zusammenhang zwischen Technik und Behinderung, so z.B. in der ersten These, dass Technik die Grenzbereiche zwischen Behinderung und Normalität markiere und Technik ebenfalls in den Herstellungsprozess und der Deutung von Behinderung involviert sei. Neutralität und Sachlichkeit von Technik ist demnach Fiktion, da Technologieentwicklung als zielorientierter Prozess definiert wurde. Welche impliziten Rollen- und Wertebilder in der scheinbar sachlich-neutralen Technik transportiert werden können, arbeitete Dr. Behrisch anhand verschiedener Behinderungsmodelle heraus. Für Bieling und Behrisch sind Partizipation und Inklusion wichtige Prinzipien, die bei Technikgestaltung als ethische Norm eine grundlegende Rolle spielen sollten.

Als konkretes Beispiel, wie eng Gestaltungsprozess und Behinderung verwoben sein können, präsentierte Tom Bieling den „Lorm-Handschuh“ (Lorm Glove): ein Projekt an der UdK (Design Research Lab), in dem die Kommunikation von taubblinden Menschen, nämlich das „Buchstabenschreiben“ in die Hand des Gegenübers durch Tastbewegungen, in einen sensorausgestatteten und vibrationsfähigen Handschuh digitalisiert wird und dadurch erstmalig unabhängig vom physisch anwesenden Gegenüber interaktiven Medien wie Email, SMS etc. genutzt können.

Genauso interessant war das Projekt „Lorm Hand“, eine künstliche Sensorhand, auf der Lorm-„Könner“ bei öffentlichen Veranstaltungen direkt auf einem Bildschirm und damit auch auf Onlineforen wie Twitter oder Facebook Nachrichten hinterlassen können. Eine geniale Erfindung, die die Kommunikation und Autonomie von taubblinden Menschen beeindruckend verbessern kann.

Die Beispiele „Lorm Glove“ und „Lorm Hand“ verweisen auf die enge Kopplung von Behinderung und Technik. Für Tom Bieling muss Designforschung an sozialer Relevanz interessiert sein. Er plädierte dafür, eingefahrene defizitäre Verständnisbilder von Behinderung infrage zu stellen. Die unkritische Ausrichtung von Gestaltung an Mehrheitsprinzipien schüfen für Menschen mit Behinderung neue Hürden.

Podiumsdiskussion

Innerhalb des Forschungsprojektes wurde eine Lorm Hand mit Bildschirm benutzt, um mit taubblinden Menschen zu kommunizieren. Der Lorm Glove ist bisher ausschließlich Forschungsprojekt und noch kein „markttaugliches Produkt“. Doch zeigt das Projekt, dass es möglich ist, getippte Lorm-Nachrichten von der Hand auf das Handy bringen. Ein großer Schritt zu mehr Autonomie, z.B. wenn man als taubblinder Jugendlicher ungestört von elterlicher Anwesenheit mit Freunden twittern will.

Man kann mit dem „Glove“(und seiner Peripherie) eigenständig Dateien lesen und produzieren und gewinnt damit autonomen Zugang zu Wissen. Wann, mit wem und wie kommuniziert wird, kann der taubblinde Nutzer so selbst entscheiden. Das gehe über individuelle Selbstbestimmung hinaus, da mithilfe des Handschuhs auch soziale Netzwerke im Sinne von Empowerment geknüpft werden können.

Die Teilhabe der Nutzer am Forschungsprozess selbst – also im Gestaltungs – Entwicklungs- und Evaluationsprozess – stehe für den partizipativen Teil des Projektes. Dennoch gebe es keine 100% Teilhabe im Forschungsprozess, so Tom Bieling, man habe aber regelmäßig an zentralen Knotenpunkten mit den Nutzern zusammen gearbeitet. Das inklusive Moment liege in der Nutzung des Produktes: Gestaltung neuer gesellschaftlicher Kommunikationsformen baue Barrieren ab.

Anschließend wurde außerdem die Ambivalenz von Hilfsmitteln diskutiert: einerseits kompensieren sie Beeinträchtigungen, andererseits: diskriminieren und stigmatisieren sie durch ihren Einsatz (klobige „Talker“ oder auffällige Notfallbuttons). Viele Betroffene wollen nicht, dass ihr Leiden für alle Menschen sichtbar gemacht wird. Ein Ausweg wäre, das Hilfsmittel im Sinne des „Designs for all“ herzustellen. Doch leider findet sich auch ein gegenteilige Trend: z.B. beim Talker wird ein Ipad auf die Talkfunktion herunterprogrammiert und in ein „Schutzhüllenpanzer“ gesteckt, damit es in den Hilfsmittelkatalog aufgenommen wird. Ein Hilfsmittel, das für andere Zwecke eingesetzt werden kann, wird nicht finanziert.

Hier ist nicht die Technik der Ansprechpartner, sondern das Sozialrecht: es müssen rechtliche Grundlage dafür geschaffen werden, was eine Teilhabeleistung definiert, so Dr. Birgit Behrisch. Eine Zuhörerin fand das Prinzip der Vereinfachungskompetenz spannend. Das könne allen helfen, z.B. könnten solche entwickelten Buttons die Softwarenutzung auch für Personen erleichtern, die kein Deutsch sprechen können.

Wird in der Technik mittlerweile mehr Wert auf Zugänglichkeit und Barrierefreiheit gelegt? Tom Bieling beantwortete diese Frage mit einem vorsichtigen Ja, er sieht einen Trend der verbesserten Nutzerorientierung.

Welche Chancen bieten sich durch digitale Medien, einen besseren Zugang zur realen sozialen Welt zu schaffen? Wie ist die Gefahr einer Flucht ins Virtuelle einzuschätzen? Spannende Fragen, die in diesem Rahmen nicht weiter vertieft werden konnte. Ein Zuhörer verwies ferner auf die Chancen der digitalen Teilhabe, da in diesem Austausch Behinderung erstmal nicht zu erkennen wäre, so würden die Erschwernisse von Menschen mit spastischen Beeinträchtigungen durch zeitversetzte Kommunikation weniger ins Gewicht fallen.

Weniger bremsendes Theoretisieren (Nachhaltigkeit, Gefahren…), sondern mutiges Ausprobieren von neuer Praxis einerseits, so lauteten die Abschlussworte. Andererseits nicht auf die Analyse verzichten, wie gesellschaftliche Entwicklung die Sicht auf Behinderung verändert. Technikgestalter haben Verantwortung, leider werde sie zu wenig genutzt, schloss Dr. Katrin Grüber (IMEW) die Diskussionsrunde.

Karl Bald
(Fürst Donnersmarck-Stiftung zu Berlin), Mai 2015

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Design Research Lab sucht studentische/n Mitarbeiter/in

Das Design Research Lab sucht zum 1.10.2015 ein/e studentische/r Mitarbeiter/in aus dem Bereich Produkt-, Interface- oder Textildesign für das Projekt DAAN. Weitere Infos finden sich in der Stellenausschreibung:

Stellenausschreibung_DRLab_150716_gr

 

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RETHINK! Gender, Design and Media

Gender Banner

Tomorrow (Friday, April 24) designtransfer presents the exhibition BLUE + PINK >>> RETHINK! of the international Gender Design Network (iGDN), as well as projects from the seminar “Gender Troublers” by students of the Berlin University of the Arts:

Friday, 24 April 2015 – RETHINK! Gender, Design & Media

The event starts at 5.30pm with a Gender-Design-Talk with: Michelle Christensen, Fred Meier-Menzel and Dr. Barbara Sandow, moderated by Prof. Dr. Uta Brandes. 

The vernissage starts at 7 pm with an introduction to the topic “Gender und Design” by Prof. Dr. Uta Brandes. 

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WER RETTET WEN? (Doku)

“Seit fünf Jahren werden Banken und Länder gerettet. Politiker schaffen immer neue Rettungsfonds, während mitten in Europa Menschen wieder für Hungerlöhne arbeiten. Es wird gerettet, nur keine Rettung ist in Sicht.

Für große Banken ist die Finanzkrise vor allem ein Geschäftsmodell. Und die ständig „verstimmten“ und „enttäuschten“ Finanzmärkte scheinen ein besonderes Wesen zu sein, das bei Laune gehalten werden muss.

Wer rettet also wen? Die Reichen die Armen? Die Politiker die Banken? Die Rettungsschirme Europa? Oder die Steuerzahler einige wenige Individuen?”*

Nach WATER MAKES MONEY und BAHN UNTER DEM HAMMER wirft auch der neue Film von Leslie Franke und Herdolor Lorenz einen Blick von unten auf die gesellschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit.

WER RETTET WEN?
Kinostart: 
12. Februar 2015.

* via Wer-rettet-Wen

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Design and Organization

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In order to design, Designers need tools, such as pencils, dremels, notebooks, software or brainstorm-sessions. In order to mediate between the ‘uncertain’ and the ‘real’, Designers also design tools, such as guiding systems, urban structures, services or interfaces.

The greek word for ‘tool’ – organon – is also the origin for the word ‘Organization’, which might be best described as a process including different forms of planning, preparing, structuring, evaluating and executing. Including different acts of analysis, projection and synthesis. Including an orientation and adjustment towards certain visions or goals.

When talking about the complexity of Design in terms of organizational tasks, patterns and potential, a broad range of perspectives can be taken into account. What are the links, the parallels and where are the limits between organizing and designing? How can design (help) inform or trigger an Organisation, or the Processes within an Organisation? What role can design play in institutional Organisations. What about Organizations that deal with design topics (such as Design Councils, Design Centres or Design Societies)?  

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[Egyptian Design Students visiting the “Werkbund Archiv / Museum der Dinge”, Berlin]

In the summer semester 2014, a group of 27 graphic-, media- and product-design students at GUC Berlin Campus participated in the theory course “Design & Organization”, in which this broad range of approaches and perspectives was being explored.

The course was complemented by a series of lectures on organizational patterns, design management and professional practice, which were taken as a basis for a design-argumentative perspective in the students’ work. It also triggered the students’ textual approximation towards their own work through a multiperspective critical thinking about Design.  

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[Raban Ruddigkeit]

Sessions included the “Architectural Perspective” (Uwe Kuckertz / Staubach&Kuckertz), the “Brand Perspective” (Anja Rosendahl), expertise from product design and a “Holistic View” (Christoph Fleckenstein / Iondesign), a typo/graphic perspective on the challenges of “Organization vs. Creation” (Raban Ruddigkeit), or Katrin Hinz’ (HTW) thoughts on “Universal Design Thinking”.

Challenges for “Organizing the Past” were being explored with Christian Mayrock (Werkbundarchiv/Museum der Dinge) from a curational and design-museologist perspective. Together with Lola Güldenberg (L Design), the group discovered aspects of “Organizing the Future”, from a trendscouting point-of-view.

In a “Design Portfolio” Session with Ulrike Meyer (Connecting Talents), the group investigated on their individual designerly strengths as well as possibilities to show and present them. The importance of promoting design (e.g. against industry or politics) as well as different forms of networking finally lead to discuss notions of “Connecting Business, Society and Culture” with Cornelia Horsch (IDZ).

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[Cornelia Horsch / Internationales Design Zentrum]

By developing organizational questions as design questions, the findings of this course helped the students to clarify both their design analytical and design rhetorical arguments. No doubt, there are surely various non- or semi-organized impulses, design can profit from. Such as open structures, intuition, inspiration, experiment or even failure. But what also became clear in this course was that organization is a strong core element of design. And vice versa: there is great potential for designers to design organizational processes.

… and for both they use and design specific tools.

Tom Bieling | Berlin, March 2015  

 

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Wem gehört die Stadt – Bürger in Bewegung (Doku)

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Wem gehört die Stadt: Den Beamten, die sie verwalten? Den Bauherren, die sie kaufen? Oder den Menschen, die sie bewohnen? In ihrem Dokumentarfilm “Wem gehört die Stadt – Bürger in Bewegung” beobachtet die Kölner Filmemacherin Anna Ditges, was passiert, wenn Anwohner, Investoren, Politiker und Stadtplaner ihre ganz unterschiedlichen Vorstellungen von der Zukunft ihres Viertels unter einen Hut bringen müssen.

Der Film berichtet dabei von existenziellen Auseinandersetzungen zwischen Menschen mit unterschiedlichen, oft unvereinbaren Lebenswelten und Wertevorstellungen. Im Spannungsfeld von Engagement, Eigennutz und Sinnstiftung geht er der Frage nach, wie Demokratie im Alltag funktionieren kann und wie viel politische Verantwortung die eigene Heimat für jeden Einzelnen bedeutet.

Die Story wird vom Verleih folgendermaßen zusammengefasst:

Das Helios-Areal gilt als Herzstück des Kölner Stadtteils Ehrenfeld: Mit seinem weithin sichtbaren Leuchtturm aus dem 19. Jahrhundert, mit den alten Werkhallen, in denen sich Clubs und Konzerträume, Werkstätten und Kreativbüros eingerichtet haben, und mit den vielen Brachflächen dazwischen verkörpert das idyllisch-heruntergekommene Gelände das besondere „Potenzial“ eines früheren Arbeiterviertels, das gerade zum In-Viertel wird.

Doch wo die Ehrenfelder einen ihrer letzten alternativen Lebensräume am Rande einer dicht bebauten Innenstadt bewahren möchten, sehen Investoren und Stadtplaner vor allem ein riesiges ungenutztes Grundstück in Bestlage, das immer weiter zu verfallen droht. Hier könnte so vieles entstehen, so viel gebaut und so viel Geld verdient werden. Großinvestor und Bauunternehmer Bauwens-Adenauer entscheidet sich für ein Einkaufszentrum.

Der Protest lässt nicht lange auf sich warten. Gastronomen und Handwerker, deren Existenz durch den geplanten Abriss auf dem Spiel steht, aber auch Anrainer und Nachbarn sehen die Shopping Mall als Bedrohung für die gewachsene Infrastruktur und für den Einzelhandel des Viertels. Unterschriften werden gesammelt und eine Bürgerinitiative gegründet, deren Arbeitsgruppen nachhaltige und bürgernahe Konzepte zur Nutzung des Geländes erarbeiten wollen. Mit Unterstützung von Bezirksbürgermeister Wirges, dem die Menschen in „seinem Veedel“ am Herzen liegen, kommt es zu einem Bürgerbeteiligungsverfahren, in dem Vertreter der Stadt zwischen den Interessen von Wirtschaft, Politik und Bürgerschaft vermitteln und abwägen sollen. Bald stehen erste Modelle im Raum. Kulturstätten, bezahlbarer Wohnraum, ein Park wäre schön, oder doch lieber ein Parkhaus? Visionäre und Pragmatiker, Radikale und Resignierte streiten über Machbarkeit und Kompromisse. Doch am Ende des konfliktreichen Prozesses steht eine Lösung, die so niemand erwartet hätte…

via WemGehörtDieStadt – DerFilm

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In loving memories: Heiner Jacob

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Today, two years ago, Prof. Heiner Jacob passed away. He still keeps on inspiring a whole generation of KISD Alumni, Design Scholars and Designers across the globe. Thanks Heiner!

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Community Now? The Politics of Participatory Design

DesignResearchLab_CommunityNow_Symposium

The Design Research Lab and the DGTF (German Society for Design Theory and Research) are currently preparing an international symposium which  focusses on current social developments and participatory community projects in Germany and Israel. Participatns from all over will present and discuss their projects and explore how to promote processes of active participation and support a sustainable development of communities, their impact on policy making and on everyday life. The symposium is the closure of the two years research project “Community Now?” between Germany and Israel.

When: February 19th – 21st, 2015
Where: Jewish Museum Berlin, Lindenstraße 9-14, 10969 Berlin

PROGRAM
The program includes an opening evening with panel discussions and keynotes, followed by two days of keynote talks, presentations and workshops – accompanied by an exhibition around the Neighborhood Lab and a series of thematic walks.

Thursday, 02/19/2015
10:00-17:00 Preliminary workshop at the Neighborhood Lab, Mehringplatz 9
19:00 – Opening Ceremony | Inaugural speeches & short panel discussion with:
Daniela Schadt (Board member of the German-Israeli Future Forum DIZF and Germany’s First Lady); onfilly Kugelmann (Program Director of the Jewish Museum Berlin); Thomas Krüger (President of the German Federal Agency for Civic Education bpb); Michal Eitan (Dean at the Bezalel Academy for Arts and Design Jerusalem); Ezri Tarazi(Curator and Professor at the Bezalel Academy Jerusalem); Andreas Eberhardt (Director of the German-Israeli Future Forum DIZF);Gesche Joost (Head of the Design Research Lab, Berlin University of the Arts)

Night-Talk with
Hanno Rauterberg, Author and Journalist (ZEIT) and
Jesko Fezer (DGTF borad member, Professor at HfBK Hamburg)

Concert with Tal Balshai and Band

Friday, 02/20/2015 & Saturday, 02/21/2015
Keynotes:
Avi Sabag (Musrara School & Musrara Mix Festival), Barbara Meyer (Director Schlesiche 27 Berlin), Daniela Schadt (Board of the German-Israeli Future Forum DIZF), Doug Schuler (Evergreen State College, Washington)

Talks and workshops:
Efrat Meyer (Yad Be Yad), Valentina Nisi & Mara Dionisio (Madeira Institute of Technology), Iva Cukic & Marko Aksentijevic (Miniytry of Space Beograd), Panayotis Antoniadis & Ileana Apostol (ETH Zürich), Leah Abir (Haifa Museum of Art), Karin Lücker (MadaMe Berlin), Michael Smith (Urban IxD Edinburgh); Myriel Milisevich, Henrik Lebuhn & Mira Thomsen (Neighborhood Satelites), Michelle Christensen & Florian Conradi (DGTF), Gilly Karjevsky (Glocal Neighborhoods)

Please register here: http://www.dgtf.de/conftool/; Free admission.
Registration closes February 8th!

Programm details coming soon.

 

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Schöpfer der zweiten Natur – Der Mensch im Anthropozän (Book Review, german)

SchoepferDerZweitenNatur

Ob Tsunamis, Erdbeben oder Dürreperioden. Ob Meteoriteneinschläge oder Vulkanausbrüche. In der geologischen Arena spürbarer Brachial-Ereignisse und langfristig evidenter Veränderungsprozesse haben die herkömmlichen „Naturgewalten“ längst einen Konkurrenten bekommen: den Menschen.

Mit den von ihm produzierten, transportierten, konsumierten, verarbeiteten und entsorgten Eingriffen in Böden, Gewässern, Atmosphären und Panoramen ist der Mensch zum geologischen Faktor, wenn nich gar zu einem der geologischen Hauptakteure avanciert, dessen Spuren auch noch in Jahrmillionen erkennbar sein werden. Ähnlich erkennbar wie besagte und so genannte Naturerereignisse.

Paul Crutzen, Nobelpreisträger für Chemie, hat dafür den Begriff des Anthropozäns geprägt, der ein neues Erdzeitalter – das Menschenzeitalter – beschreibt. Dass es sich beim Anthropozän nicht vornehmlich um ein geochronologisches, sondern ein kulturelles und somit sozialhistorisches Phänomen handelt, bei dem der Technik und Technikentwicklung eine Schlüsselrolle zukommt, verdeutlicht sich anhand der Hybridisierung bislang annähernd trennscharfer Komponenten.

Indem der Mensch mit den von ihm entwickelten Technologien nicht nur Natur, sondern auch sich selbst, und mit ihm die Gesellschaft verändert, potenziert sich zugleich das Einflussgebiet seiner Gestaltungskraft. Dies geht auch einher mit weltbildlichen Konstruktionsverschiebungen fernab althergebrachter, in der griechischen Philosophie wurzelnder, abendländischer Dualismen: Natur versus Kultur; Objektwelt versus Zeichenwelt; biologisch Lebendiges versus technisch Geschaffenes; Gewordenes versus Gedachtes; Subjekt versus Objekt.

Wie stark das Anthropozän den Blick auf Natur, Kultur und Technik verändert, ist Gegenstand des von Arno Bammé herausgegebenen Sammelbandes „Schöpfer der zweiten Natur“. Mit dabei sind unter anderem Christan Schwägerl („Die menschgemachte Erde“), Wilhelm Berger („Technik, Politik und das Theater der Apokalypse“) und Bazon Brock („Prometheische Scham“).

Letzterer stellt die pathetische Rede vom Anthropozän als pseudo- bis wissenschaftliche „Gerüchteverbreitung im öffentlichen Diskurs“ kritisch in Frage. Lege sie doch nahe, den Menschen als Beherrscher der Natur zu proklamieren. Dies sei eine groteske Verkennung der Tatsache, dass „wir mit keiner menschlichen Wirkmacht die Naturgesetze aufheben können“.

Allein die Behauptung, rund vier Milliarden Jahre erdgeschichtliche Evolution können überboten werden von zweitausend Jahren geistesgeschichtlicher Prägekraft, stellt Brock als absurd und als Verkennung des folgenden Sachverhalts dar: „Wie immer wir auf die Natur einwirken, das Resultat wird keineswegs von den Menschen erzielt, sondern von der Geltung der Naturgesetze, die gerade nicht menschlicher Willkür unterliegen“.

Die Annahme, es käme für die Zukunft der Erde im wesentlichen auf die Menschen und deren Einwirkung auf die Natur an, sei demnach ein Trugschluss und laufe Gefahr zu einem fatalen Triumphalismus anthropozentrischen Denkens zu verkommen.

Was sich in Brocks Artikel wie eine Abstrafung der, überwiegend auf der anthropozentrischen These fußenden, vorherigen zehn Gastbeiträge liest, knüpft dabei auch an Bammés Aufzählung von „Fünf Gründe(n), warum die Menschheit den Herausforderungen des 21. Jahrhunderts nicht gewachsen ist“ an.

Die Bandbreite der in diesem Band versammelten Beiträge liefert schließlich ein paar grundlegende Bausteine zu einer Ausformung eines postakademischen Wissenschaftsansatzes, indem disziplinäre Grenzen konstruktiv durchdrungen werden. Das Anthropozän dient Bammé et al. dabei als Anlass, tradierte, mitunter angestaubte Ansätze und Prinzipien der Soziologie herauszufordern, weshalb das Buch bisweilen auch als wissenschaftsdidaktische Streitschrift angelegt ist. Kern der Kritik: Nach wie vor sei die Soziologie durch einen Mangel an wissenschaftlichem Wissen gekennzeichnet, das auch gesellschaftlich relevant ist. Zudem mangele es ihr allzu häufig an kognitiven Vermittlungsinstanzen.

Es besteht somit die Herausforderung darin, im Dickicht aus Mensch, Natur und Technik, neuartige oder mögliche Hybride und Amalgame zu identifizieren und zu erforschen. Auch, um sie schließlich in gesellschaftliche Entscheidungsprozesse einbeziehen zu können.

Tom Bieling, Januar 2015

 

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Bammé, Arno (Hg.): Schöpfer der zweiten Natur – Der Mensch im Anthropozän; Metropolis; 230 Seiten, ISBN: 978-3-7316-1094-6; EUR 24,80

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Zwischen System und Chaos im MAKK

Das Museum für Angewandte Kunst Köln startet mit der Ausstellung “SYSTEM DESIGN – Über 100 Jahre Chaos im Alltag” ins neue Jahr.

Vom metrischen System zum Lego-Baustein, über die DIN-Norm für Papierformate, U-Bahn-Plänen und Regalen bis zu Smartphone Konfigurationen und Computer-Betriebssystemen, Espresso-Kapseln, Carsharing bis zur Systemgastronomie – Systeme bestimmen unseren Alltag. Meist bemerken wir sie gar nicht. Die Welt ist voller Systeme, die miteinander konkurrieren.

Unsere Position im Kosmos verorten wir innerhalb eines Sonnensystem – aber wenn wir in den nächtlichen Sternenhimmel blicken, sehen wir nur ein Chaos aus unendlich vielen, leuchtenden Punkten. Ob wir unsere Umgebung als Chaos oder als System wahrnehmen, ist eine Frage unserer Perspektive und unseres Standpunkts.

Der Systemgedanke ist seit mehr als hundert Jahren prägend für das Design – seit mehr als hundert Jahren pendelt das Design zwischen System und Chaos. Der Systemgedanke beruht dabei auf dem Wunsch, das Chaos dadurch zu bewältigen, dass wir eine überschaubare Anzahl von einzelnen Elementen verbinden und dadurch einen Zusammenhang herstellen.

Jedes System ist ein erneuter Versuch, einen abschließenden Zusammenhang zu erzeugen, der alle zugehörigen Elemente vereint. Jedes System hat aber auch Brüche, und gleichzeitig konkurriert es mit bestehenden Systemen. Deshalb ist jedes neue System zugleich auch ein Beitrag zur Vermehrung des bestehenden Chaos.

Die Ausstellung SYSTEM DESIGN versammelt mehr als 100 Exponate von internationalen Gestaltern wie Otl Aicher, Peter Behrens, Ronan und Erwan Bouroullec, Marcel Breuer, Konstantin Grcic, Charles und Ray Eames, Egon Eiermann, Richard Buckminster Fuller, Ferdinand Kramer, Jonathan Ive, Le Corbusier, George Nelson, Verner Panton, Dieter Rams, Oswalt Matthias Ungers, Massimo Vignelli und Wilhelm Wagenfeld.

Die Ausstellung läuft vom 20.01. bis zum 07.06.2015 im

MAKK | Museum für Angewandte Kunst Köln
An der Rechtschule
50667 Köln

via makk

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Design der Zukunft (Book Review, german)

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Welche Rolle spielt Design in einer sich wandelnden Gesellschaft? Eine nicht erst seit Victor Papanek häufig gestellte, wenn auch dadurch nicht weniger berechtigte Frage. Ebenso kontinuierlich wie die ökologischen, ökonomischen, technologischen und sozialen Transformationsprozesse, die immer auch stark in die Gesellschaften hineinwirken, verschieben und erweitern sich auch die Erscheinungsformen, Aufgabenbereiche und Handlungsoptionen von Design. Diese „Ausweitung der Designzone“ unterstreicht gleichermaßen die Relevanz von Design, wie auch die Verantwortung seiner Akteure. Das gilt insbesondere im Anthropozän, dem Erdzeitalter des Menschen, in dem der Mensch die Natur und das Leben selbst mit- und durchgestaltet.

Gleichwohl birgt eine Ausweitung der Designzone auch argumentative Fallstricke, da sie sich – konsequent zu Ende gedacht – letztlich auch im Alles-und-nichts zersetzen kann. Ein Dilemma, welches dieses Buch zwar nicht lösen wird, ihm jedoch mit einem Dutzend variantenreicher Beiträge kleine Diskursimpulse mit auf den Weg gibt. Deren Zusammenstellung mag vielleicht nicht immer plausibel erscheinen – kurzweilig bleiben sie dennoch. Und helfen somit, das Titelthema auch in seiner Doppeldeutigkeit zu ergründen: Anhand der Frage wie zukünftiges Design konzipiert sein kann (oder soll), ebenso wie der Frage nach der tatsächlichen Gestaltbarkeit von Zukunft an sich.

Tom Bieling, Dezember 2014

 

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Lund, Cornelia / Lund, Holger (Hg.): Design der Zukunft; AVedition; 176 Seiten, ISBN: 978-3-89986-194-5; EUR 24,90

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Hacking (Book Review, german)

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Seit mit Beginn der 1980er Jahre der Typus des Hackers durch Film- und Literatur im popkulturell unterfütterten Mainstream auf der breiten Bildfläche erschien, bewegt sich sein begriffliches Wechselverhältnis zwischen Kriminalisierung und Heroisierung. Mit der Debatte um Sicherheit, Überwachung, Zensur und techno-sozialen Restriktionen von staatlicher oder kommerzieller Hand gewinnt der Hacking-Diskurs seit einiger Zeit erneut an Aktualität.

Doch auch jenseits von Anwenderprogrammen und Computersystemen erfährt Hacking eine gegenständliche und begriffliche Konjunktur. In den MashUp-, Remix- und Sampling-getriebenen Kulturtechniken und -praktiken der Postmoderne, durchläuft der Hacking-Ansatz inzwischen vielschichtige Grenzgebiete. Etwa anhand von Schnittstellen-definitionen und -überbrückungen entlang von Natur und Technik („Biohacking“) oder in Form von dinghaften, ebenso einfach vollzogenen und leicht imitierbaren Lösungen für Alltagsprobleme („Lifehacking“).

Als zugleich Antriebskraft und Gegenstand der Untersuchung, fungiert Hacking als methodisches und experimentelles Werkzeug systemischer Exploration und beschränkt sich nicht nur auf die Erkundung gewisser Spielregeln, sondern intendiert auch deren Veränderung und Neuformulierung. Der Hack lässt sich folglich nicht (nur) auf listig-raffinierte Lösungen für Computerprobleme reduzieren, sondern versinnbildlicht generell ein kreatives Aufbrechen von Technologie, Dingen, Zusammenhängen und Begebenheiten, sowie eben: den damit verbundenen Systemen.

Dass die Strategie des Hackings seit der Popularisierung von Computer- und Netzthemen eine besondere Faszination auch auf die Kunst (speziell: Medienkunst) ausübt und warum das so ist, ergründet Dominik Landwehr anhand von sieben kurzen Beiträgen (Texte von Claus Pias, Raffael Dörig, Felix Stalder, Verena Kuni, Hannes Gassert; sowie Interviews mit Ubermorgen und der !Mediengruppe Bitnik) im zweiten Band* der Reihe ‹Edition Digital Culture›.

Die Vieldeutigkeit des Hacking-Begriff, angefangen von der Durchdringung von (Betriebs-)Systemen bis hin zur Handlungs- und Informationsbefreiung, spiegelt sich dabei auch in den Deutungsweisen und Beschreibungsformen der jeweiligen Beiträge wieder: So umreißt Raffael Dörig („Hacking Everyday Life“) das Thema am Beispiel von „geknackter Alltagselektronik“. Verena Kuni veranschaulicht hingegen den „handfesten“ Aspekt des Eindringens in bestehende Systeme am Beispiel der Überwindung Jack Torrances einer Badezimmertür mit Hilfe der Axt im Kubrick-Klassiker ‹The Shining›. Dabei wird auch deutlich: Das Brachiale eines Hacks scheint weniger im Werkzeug selbst, als im Modus Operandi und der damit verbundenen Handlungsintention zu liegen. Im positiven wie im negativen Sinne.

Tom Bieling, Dezember 2014


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* Dominik Landwehr (Hg.): Hacking; Edition Digital Culture 2; Migros-Kulturprozent, Christoph Merian Verlag; Oktober 2014, 260 Seiten, Deutsch/Englisch, ISBN 978-3-85616-642-7;
EUR 15,00

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Protest, Widerstand und Arbeitskämpfe von 1848 bis 1990

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Seit Beginn der Industrialisierung prägen Kämpfe um Produktion, Reproduktion und Teilhabe den Alltag von Arbeiterinnen und Arbeitern. Von den Protesten gegen Hunger der 1910er Jahre, über das Engagement für bezahlbaren Wohnraum Anfang der 1930er Jahre, bis hin zu den Streiks deutscher und migrantischer Arbeiterinnen und Arbeiter ab den 1970er Jahren ergibt sich ein breites Spektrum an Aktionsformen, sowie ohnehin eine große Bandbreite an politischen Motivationen, Forderungen, Handlungen und Utopien.

Das Erbe dieser Kämpfe wurde heute (am 6.12.14) im Rahmen einer Tagung im Berliner August-Bebel-Institut reflektiert, zu der Historiker/innen, Forschende und  Politiker/innen ebenso wie Aktivist/innen und Interessierte zusammenkamen.

Unterteilt in drei Themenblöcke (“Protest im Untergrund und öffentlichen Raum”, “Arbeitskämpfe und der Betrieb als Ort des Protest”, “Kämpfe um Reproduktion und Frieden”) ergab sich über den Tag verteilt ein historischer Umriss protestbezogener Zeit- und Raumachsen im deutschsprachigen Raum, speziell: Berlin und Brandenburg.

So sprach der Historiker Ottokar Luban über die Antikriegsagitation der Spartakusgruppe (1916–1918). Bernd Gehrke (ehem. Vertreter der Vereinigten Linken am Zentralen Runden Tisch 1989/90) durchleuchtete die Demokratische Revolution und den betrieblichen Aufbruch in der DDR. Über wohnraumbezogene Formen von Protest und Selbsthilfe in Berliner Arbeitervierteln während der Großen Depression 1931–1933 (»Erst das Essen, dann die Miete!«) berichtete Simon Lengemann. Erweitert wurde das Themenspektrum mit Beiträgen über die »Moabiter Unruhen« von 1910 (Holger Czitrich-Stahl), Begebenheiten an der Heimatfront (Henning Holsten) bis hin zu den Kämpfen koreanischer Krankenschwestern um Arbeit und Aufenthalt in den 1970er Jahren (Sina Schindler).

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“Vorwärts und nicht vergessen…”

Abgerundet wurde der Tag mit der Finissage zur Ausstellung »Vom K.G.B. zum V.B.K. – eine Spurensuche in Lichtenberg und Wedding«, in der es um Konsumgenossenschaften, ihre wirtschaftliche Macht, sowie letztlich deren politische Zerschlagung ging.

In großformatigen Fotografien der Künstlerin Julia Lazarus wurden Spuren des vergangenen genossenschaftlichen Lebens und Konsumierens in den Bezirken Wedding und Lichtenberg gezeigt, die von der Gegenwart überlagert werden.

Im wahrsten Wortsinn zum Ausklang brachte den Abend eine gemeinsame Sing-Runde der Teilnehmenden mit Liedern aus der Arbeiterbewegung. Begleitet an der Gitarre von Stadtrat Michael Karnetzki.

Tom Bieling, Dezember 2014

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Der Runde Tisch – Gespräch mit ProtagonistInnen

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Am 7. Dezember 2014, dem 25. Jahrestag des ersten Treffens des Zentralen Runden Tischs* der DDR lädt die Galerie im Turm um 19 Uhr zum Gespräch in das Setting der Ausstellung “A Vocabulary of Revolutionary Gestures” am Frankfurter Tor.

Gemeinsam mit den ehemaligen TeilnehmerInnen des Zentralen Runden Tischs der DDR, Sebastian Pflugbeil (Neues Forum) und Judith Braband (Unabhängiger Frauenverband, Vereinigte Linke) wird über die Praxis und die Ziele der Runden Tische, ihre Rolle bei der basisdemokratischen Umgestaltung der im Umbruch befindlichen DDR, ihre Beziehung zu alten und neuen politischen Mächten, ihre Marginalisierung im Zuge des politischen Richtungswechsels auf die Wiedervereinigung hin, ihre Abwesenheit in vielen Formen des Erinnerns an 1989 – und schließlich die Frage gesprochen werden, was dennoch von ihnen bleibt.

*Bild: Der Raum des 1. Treffens des Zentralen Runden Tischs im Bonhoeffer-Haus, 2013

 

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Gutes Design – Martin Kelm und die Designförderung in der DDR

Nicht erst seit unserem Besuch der Rudolf Horn Ausstellung im Leipziger Grassi Museum (August 2014) berichtet DESIGNABILITES in unreglmäßigen Abständen über Design und Designer in der DDR. Mit “Gutes Design” haben nun Christian und Sylvia Wölfel gemeinsam mit Jens Krzy­win­ski ein Buch über die institutionelle Designförderung in der DDR veröffentlicht. Und beleuchten darin speziell die Rolle und das Wirken Martin Kelms, dem langjährigen Leiter des Amtes für industrielle Formgestaltung (AiF), der einstmaligen staatlichen Behörde für Planung, Leitung und Überwachung der industriellen Formgestaltung in der DDR.

Klappentext:
In den ver­gan­ge­nen Jah­ren hat sich das Inter­esse an ost­deut­schem Design und ost­deut­schen Desi­gnern spür­bar erhöht. Doch die Geschichte der zen­tra­len Desi­gnför­der­in­sti­tu­tion in der DDR, des Amtes für indus­tri­elle Form­ge­stal­tung (AIF) und sei­nes lang­jäh­ri­gen Lei­ters Mar­tin Kelm blieb trotz aller Forschungs-, Publi­ka­ti­ons– und Aus­stel­lungs­vor­ha­ben merk­wür­dig unter­be­lich­tet. Die­ser Band möchte daher mit Mar­tin Kelm einen Prot­ago­nis­ten des ost­deut­schen Indus­trie­de­signs zum Spre­chen brin­gen, des­sen Bio­gra­fie als Indus­trie­de­si­gner, SED-Mitglied und Staats­se­kre­tär untrenn­bar mit der Ent­wick­lung der ost­deut­schen Desi­gn­land­schaft ver­wo­ben war. In einem auto­bio­gra­fi­schen Text zeich­net er wesent­li­che Sta­tio­nen sei­nes per­sön­li­chen und pro­fes­sio­nel­len Wer­de­gangs nach und gibt damit einen Ein­blick in die For­mie­rung sei­nes Desi­gn­ver­ständ­nis­ses, das auf­grund der zen­tra­len Posi­tion Kelms für das ost­deut­sche Design als prä­gend zu bezeich­nen ist: Gestal­tung in und für die Indus­trie. Wei­tere Bei­träge von Indus­trie­de­si­gnern aus der DDR und der Bun­des­re­pu­blik, von His­to­ri­kern und Desi­gnwis­sen­schaft­lern zum Ver­hält­nis von frei­schaf­fen­den und ange­stell­ten Desi­gnern, zum Ein­fluss des AIF in Indus­trie­be­trie­ben und im Hoch­schul­be­reich, zum west-östlichen Aus­tausch oder zur sowje­ti­schen Per­spek­tive auf das AIF ergän­zen und ord­nen seine per­sön­li­chen Erin­ne­run­gen ein. Dabei zeigt sich eine breite Viel­falt von sub­jek­ti­ven Erfah­run­gen und Hand­lungs­fel­dern im ost­deut­schen Indus­trie­de­sign, die neben uner­träg­li­chen Repres­sio­nen auch uner­war­tete Frei­heits­grade und Raum für eigen­sin­ni­ges Han­deln bereithielten.

Neben einem auto­bio­gra­fi­schen Text von Mar­tin Kelm ent­hält der Band Bei­träge von Peter Alt­mann, Peter Frank, Ulrich Kern, Win­fried Klemmt, Jens Krzy­win­ski, Rolf Roeder, Anne Sudrow, Mar­ga­reta Till­berg, Swen Stein­berg, Syl­via Wöl­fel, Chris­tian Wöl­fel und der Stif­tung Haus der Geschichte der Bun­des­re­pu­blik Deutsch­land sowie Gesprä­che mit Karl-Heinz Schaar­schmidt, Bern­hard Sorg und Johan­nes Uhl­mann. Die Arti­kel und Inter­views wer­den ergänzt durch Kurz­bei­träge von Alex­an­der Hal­lasch, Ernst Jörg Krutt­schnitt, Christa Petroff-Bohne und Karl-Heinz Schaarschmidt.

»GUTES DESIGN — Martin Kelm und die Designförderung in der DDR«, her­aus­ge­ge­ben von Chris­tian Wöl­fel, Syl­via Wöl­fel und Jens Krzy­win­ski, 27 × 21 cm, 248 Sei­ten mit 209 Abbil­dun­gen. Erscheint bei The­lem Dres­den (ISBN 978–3-945363–11-9); 36,80 Euro.

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Elske Rosenfeld – A Vocabulary of Revolutionary Gestures

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Elske Rosenfelds Ausstellungsprojekt “A Vocabulary of Revolutionary Gestures”  bearbeitet filmisch und performativ Sequenzen historischer Ereignisse – 1989, 1968 und 2011/12. Ausgehend von ihrem eigenen Erleben der Ereignisse von 1989 in der DDR untersucht sie in ihren Video- und Performancearbeiten den Körper als Austragungsort und Archiv historischer Erfahrungen.

Im Zentrum der in der Galerie im Turm präsentierten Installation steht das Video „Ein bisschen eine komplexe Situation/A mass is gathering outside“, eine bearbeitete Szene vom ersten Treffen des Zentralen Runden Tischs der DDR am 7.Dezember 1989.

Im Kontext des Gedenkens an 25 Jahre Friedliche Revolution erinnert die Ausstellung an die Monate des Herbstes 1989 und die Arbeit der politischen Opposition im beginnenden Prozess des Findens eigener, originärer demokratischer Praktiken und Ausdrucksformen.

Ein zweiteiliges Ausstellungsprojekt bei Scriptings (Sept. 14) und in der Galerie im Turm (Nov. 14 – Jan. 15).

Veranstaltung am 07.Dez 2014, 19h:

Am 25. Jahrestag des ersten Treffens des Zentralen Runden Tischs der DDR lädt die Galerie im Turm zum Gespräch in das Setting der Ausstellung. Gemeinsam wird an die Erfahrung der Runden Tische erinnert, deren Praktiken und Ziele aus dem kollektiven Erinnern zu fallen drohen, wenn 1989/90 ausschließlich als Mauerfall/Wiedervereinigung erinnert wird.

Aktualisierte Informationen zu Gästen und Programm auf www.galerie-im-turm.net

Eröffnung am Donnerstag, 27.November 2014, 19 Uhr

Ausstellungsdauer: 28. September 2014 – 09. Januar 2015, DI – SO 12 – 19 Uhr

Veranstaltung: Sonntag, 07.Dezember 2014, 19h
Gespräch zum ersten Runden Tisch der DDR

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Galerie im Turm | Frankfurter Tor 1 | 10243 Berlin |
Öffnungszeiten: di – so, 12.00 – 19.00 Uhr

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Materialschlacht: “Design und Krieg”

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Das Verhältnis von Design und Krieg ist unsichtbar. Beide vermeiden eine allzu offensichtliche Beziehung, nutzen jedoch gerne neue und neueste Techniken zur Gestaltung ihrer Welt. Die Aktualität der asymmetrischen Kriegsführung des 21. Jahrhunderts zeigt jedoch, dass Handy und Internet genauso dringend gebraucht werden wie klassische Schusswaffen. Vielleicht muss die gestaltete Webseite einer Terrorgruppe mit seinen Propagandavideos als eine der größten Waffen in der Gegenwart überhaupt gelten. Diesem Themenkomplex widmet sich heute und morgen in Hanover das Symposium Design und Krieg.

Der 100. Jahrestag des Beginns des Ersten Weltkriegs fällt 2014 mit dem 75. Jahrestag des Beginns des Zweiten Weltkriegs zusammen. Das ist Grund genug, sich im Rahmen der Designforschung und ihrer wissenschaftlich benachbarten Disziplinen Fragen nach den Zusammenhängen zwischen Krieg und Gestaltung zu stellen.

Dieser Zusammenhang ist seit grauer Vorzeit unbestritten und vielfältig. Heraklits Fragment, der Krieg sei als Vater aller Dinge anzusehen, lässt sich auch heute noch so interpretieren, dass militärische Auseinandersetzungen stets große Ressourcen in die Entwicklung neuer Materialien und innovativer Anwendungen, in ungewohnte Formgebung und risikofreudige Projekte investierten, die in Friedenszeiten wohl niemals Förderer gefunden hätten. Von der Konservendose bis zur Schuhsohle aus Gummi, von der Fernmeldetechnik bis zur Luftfahrt, vom Geländewagen bis zur Teflonpfanne hat gerade im 20. Jahrhundert der tatsächlich geführte – aber auch nur der drohende – Krieg Herausforderungen an Designer und Gestalter gestellt. Funktionalismus, Kosten- und Materialeffizienz, massenhafte Produktion und simple Handhabbarkeit waren dabei ebenso wichtige Parameter wie die Rücksicht auf nationale Kulturhorizonte und ideologische oder politische Vorgaben. Von der Uniform bis zur Inneneinrichtung der Fahrzeuge, von der Entwicklung neuartiger Kommunikationsmedien bis zur Stromlinienform, vom Propagandamaterial bis zur Dokumentation sind sämtliche Gattungen und Fächer des Design gefragt und betroffen.

Und wie in kaum einem anderen Bereich menschlicher Interaktion wird im Krieg die Kategorie des „social design“ sichtbar: Gutes Design entscheidet womöglich über Leben und Tod des Benutzers. Dabei wird auch deutlich, dass Design nicht nur Diener des Krieges ist, sondern beide auch einiges gemeinsam haben: Design und Krieg sind beide gestaltend tätig, nehmen Einfluss auf das Aussehen und die Wahrnehmung von Materialien und von Landschaften, auf Nationalidentitäten und „Leitkulturen“. Gerade vor 1914 dient das Design wie auch der Krieg als Werkzeug, um auf die Masse einwirken zu können und so den „neuen Menschen“ oder eine „völkische Einheit“ zu gestalten.

Die Organisatoren der Tagung haben 19 Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler aus Theorie und Praxis eingeladen, diesen Fragestellungen zu folgen. Konkrete Probleme der Formgebung sollen dabei ebenso diskutiert werden, wie Perspektiven auf die ethische und soziale Verantwortung des Gestalters, materialhistorische Darstellungen sind ebenso gefragt wie aktuelle Forschungen etwa zum Zusammenhang von Mediendesign und Drohneneinsatz. Die Weltkriege dienen als historischer Horizont, sollen aber nicht als bindende Vorgabe für die einzelnen Beiträge verstanden werden.

Das Ziel des Symposiums soll es sein, den Krieg als Motiv zu benutzen, um das Zusammenwirken einzelner Disziplinen der Gestaltung deutlich werden zu lassen. Die theoretische Reflektion, die historische Forschung und die gestalterische Praxis erweisen sich dann – so die Erwartung – als immer schon eng verbundene Teile eines Ganzen, das sich mit dem Begriff Design belegen lässt.

via Martin Scholz und Friedrich Welzien designundkrieg.de

 

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Jeder kann hacken!

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Schrauben lösen, Kabel neu verlegen: Messer, Gabel und Pudelmütze werden zum Input für den Computer. Wie das geht, zeigt das Design Research Lab heute während seines vierten Workshops zum kreativen Umgang mit Elektronik, im Rahmen der CodeWeek. Diesmal im Tieranatomischen Theater Berlin (Lenther Steig 1, 13629 Berlin. 14 bis 17 Uhr).

Ziel ist es, neue Benutzerschnittstellen für den Computer zu entwickeln, indem die TeilnehmerInnen einen Blick “unter die Motorhaube” einer USB-Tastatur werfen. Der Workshop, der sich speziell an Jugendliche im Alter von 13 – 17 Jahren richtet, die Erfahrungen mit Elektrotechnik und Programmierung in Processing sammeln wollen, wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Moralische Produkte – Politik und Ethik von Artefakten

Ein Call for Papers für die Jahrestagung der Gesellschaft für Technikgeschichte 2015 im Zentrum für Zeithistorische Forschung, Potsdam (08.05.2015-10.05.2015): 

Moralische Produkte – Politik und Ethik von Artefakten 

„Do artifacts have politics?“ fragte Langdon Winner in einem einflußreichen Aufsatz der 1980er Jahre. „Do artifacts have ethics?“ lässt sich diese Frage auf der Basis jüngerer Forschungsansätze in der Technikgeschichte und der Geschichte der materiellen Kultur erweitern. Wie sind Artefakte und technische Systeme in der Vergangenheit Anlass, Mittel und Austragungsort von politischen und ethischen Debatten geworden? Wie hängen diese mit ihrer spezifischen Materialität zusammen? Und wie haben historische Akteure es verstanden, durch Prozesse der „Moralisierung“ in sozialen Aushandlungsprozessen Veränderungen in der gesellschaftlichen Deutung von Artefakten und Techniken zu erreichen? Zeichnen sich gemeinsame Muster dieser „Moralisierung“ – und „Ent-Moralisierung“ – von Produkten in verschiedenen Zeiten ab?

Im Verlauf der Technisierung aller Lebensbereiche in der Moderne sind Artefakte vielfältig Gegenstand der politischen und ethischen Auseinandersetzung geworden. Unter dem Schlagwort des „ethischen Konsums“ wird gegenwärtig das Verantwortungsbewußtsein von Konsumierenden bei ihren Kaufentscheidungen diskutiert. Als „unpacking the ethical product“ beschrieb Andrew Crane die Aufgabe an die Forschung, solchen Praktiken analytisch auf die Spur zu kommen. Wie aus E. P. Thompsons Konzept der „moralischen Ökonomie“ bekannt ist, entstanden soziale Protestbewegungen bereits in der Frühen Neuzeit aus der Auseinandersetzung um lebenswichtige Konsumgüter, deren Qualität, Preis oder Rohstoffbasis die Akteure problematisierten. Fragwürdige Herstellungs- und Handelsbedingungen wurden auch für politisch bewusste Konsumierende des 20. Jahrhunderts handlungsleitend. Entsprechende sozialmoralische Überlegungen gaben den Anstoß zur Gründung von Konsumgenossenschaften bis hin zu Fair Trade-Organisationen. Produzenten reagierten auf solche Herausforderungen und schufen neue Produkte, Marken und Praktiken eines verantwortlichen Unternehmertums. Die warenästhetischen Dimensionen von Produkten nutzten frühe Designer, um in „Kitsch“-Diskursen die Notwendigkeit von Gestaltungsreformen zu propagieren und gleichzeitig die Professionalisierung ihres Berufsstands voranzutreiben.

Doch auch auf weiteren Feldern sind die Prozesse der Herstellung und des Umgangs mit Produkten an Vorstellungen und Aushandlungen der „richtigen“ – und „falschen“ – Art zu handeln geknüpft. Waffen waren eine Produktgattung, deren Verwendung zu allen Zeiten ethisch umstritten war. Immer wieder gab es religiöse Vorbehalte gegen die Nutzung bestimmter Techniken und Artefakte. In vielen Bereichen erwuchs daraus die Bereitschaft einer gesellschaftlichen Regulierung. Auch die „Entsorgung“ von Produkten und die Bewertung, wann diese als verbraucht galten, waren ein Ausdruck von sich wandelnden gesellschaftlichen Wertsetzungen. Im Bereich der industriellen Produktion waren es im 20. Jahrhundert die Stoppuhr und die NC-Maschine, die dinglich neue Zeitregime und die Standardisierung menschlicher Arbeit durchsetzen halfen und auf Widerstände stießen. Neue Kommunikationsmittel und Medien waren Steine des gesellschaftlichen Anstoßes. Die Robotik und die Computerisierung ließen die Einzigartigkeit des menschlichen Handelns und Denkens erkennbar werden. Medizintechniken ermöglichten die Prognose von Krankheiten und erzeugten durch deren potenzielle Planbarkeit neue Handlungsanforderungen. Die Gentechnik und der mechanische Ersatz von Körperteilen sind schon als „klassische“ Felder der ethischen Technikkritik zu bezeichnen.

Der Tagung wird ein weiter Technikbegriff zugrunde gelegt. Als „Produkte“ sollen auf der Tagung explizit nicht nur technische Güter und Systeme, sondern ganz allgemein Gegenstände, die die Basis der materiellen Kultur vormoderner und moderner Gesellschaften bildeten, untersucht werden: nicht nur Konsumgüter, sondern auch Werkzeuge, Produktionsmaschinen und andere Investitionsgüter, sowie Energieformen, Stoffe und Rohstoffe, Waffen und Infrastrukturen. Auch Vorschläge aus an die Technikgeschichte angrenzenden Disziplinen sind willkommen (Politik- und Konsumgeschichte, Umweltgeschichte, Designgeschichte, empirische Kulturwissenschaften, Museumspädagogik, historische Semantik, Wissenschaftsgeschichte, Technikwissenschaften, Soziologie etc.).

Gesucht werden Beiträge, die die politischen bzw. ethischen Dimensionen sowie die Prozesse und Strategien der „Moralisierung“ und „Ent-Moralisierung“ von Produkten wahlweise auf fünf Ebenen diskutieren:

1. Fallstudien zu einzelnen Produkten: Wie wurden Produkte von historischen Akteuren zum Gegenstand der sozialen Wertsetzung und zu „Medien“ gemacht, um politische und ethische Fragen zu thematisieren und soziale, technische, wirtschaftliche und ökologische Zusammenhänge in der materiellen Zirkulation (von Rohstoffen/Materialien, Artefakten und Informationen) aufzuzeigen und als politische Gestaltungsräume erkennbar zu machen? Mit welchen Argumenten wurden Produkte „moralisiert“ (z. B. demokratischer Zugang, Exklusivität, Originalität, Authentizität, Materialgerechtigkeit, Nachhaltigkeit, Solidarität etc.)?

2. Produkte selbst als moralische Aktanten:
Inwieweit sind Produkte in diesem Prozess selbst als „Aktanten“ erkennbar, die bestimmtes Handeln nahelegten, anderes ausschlossen? Inwieweit wurde eine bestimmte „Moral“ den Gegenständen eingeschrieben (im Sinne eines Skripts)? Im Interesse welcher Akteure oder sozialen Bewegungen wirkten sie? Welche Wahrnehmungen der Wirklichkeit ermöglichten bzw. verhinderten sie? Wie wandelten sich diese Prozesse der „Werteinschreibung“ im Laufe der Zeit?

3. Das Verhältnis sozialer und politischer Bewegungen zu Artefakten: Welche sozialen und politischen Bewegungen bzw. historischen Akteure bauten in der Vergangenheit Artefakte und die aktive Veränderung ihrer Bedeutung in ihre Strategien der Auseinandersetzung ein? Welche spezifische Rolle spielten dabei materielle Artefakte? (Maschinenstürmer, koloniale Befreiungs- und Bürgerrechtsbewegungen, Autarkiepolitiken, Luxusdiskussionen, Boykotte, Kommodifizierungsdebatten, Umweltökologie, Globalisierungskritik, Do-it-yourself etc.)

4. Muster und Mechanismen der „Moralisierung“ von Artefakten und technischen Systemen: Welche Legitimations- und Delegitimierungsstrategien ergriffen die historische Akteure, um bestimmte Produkte und die sozialen Prozesse entlang ihrer Produktlinie ethisch in Frage zu stellen – um Bedeutungsverschiebungen auf semantischer Ebene von Produkten zu erreichen und neue Felder der gesellschaftlichen Aushandlung zu eröffnen? (z. B. Politisierung, Emotionalisierung, Medialisierung, alternative Praktiken, neue wissenschaftliche Analysemodelle und Darstellungsformen)

5. Darstellungsweisen: Wie lässt sich die „Aura“ solcher Produkte in historischer Perspektive erforschen, museal bzw. wissenschaftlich rekonstruieren und darstellen?

Die Jahrestagung der GTG 2015 wird vom Zentrum für Zeithistorische Forschung Potsdam in Kooperation mit dem Gesprächskreis Technikgeschichte (GKTG) organisiert. Der Tagungsort wird Potsdam sein.

Angebote für Vorträge (20 Min., Abstracts von 350-400 Wörtern) sowie ein Kurzlebenslauf werden bis zum 18.1.2015 erbeten an:
Dr. Anne Sudrow (sudrow[at]zzf-pdm.de), Zentrum für Zeithistorische Forschung, Potsdam.

 

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Elektronische Sounds malen

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Mit einem weiteren Workshop beteiligte sich das Design Research Lab Berlin heute aktiv an der CodeWeek. Diesmal: in Rottweil. Zur Diskussion standen Möglichkeiten und Anwendungsgebiete des Codings im Kontext von Sound: Wie kann man mit Hardware, Code und Farbe elektronische Musik machen? Wie lassen sich eigene Controller für selbst generierte Beats gestalten?

In dem Workshop (Leitung: Alexander Müller-Rakow) wurden der Aufbau von interaktiven und sensorbasierten Systemen erklärt, sowie Zugänge zu Open Source und Gestaltungsmöglichkeiten von Soft- und Hardware vermittelt. Dies geschah anhand der praktischen Umsetzung von elektronischen Klangbildern, deren Aufbau aus einem gezeichneten Bild, einem elektronischen Berührungssensor und einer damit verbundenen (Sound-)Software bestand.

Mit einer Kombination aus einer modularen Programmieroberfläche und Elektronik-Komponenten konnten Schüler und Schülerinnen der Konrad-Witz-Schule interaktive Anwendungen mit elektronischen Klängen umsetzen. Der praktische Schwerpunkt lag dabei auf der eigenen Gestaltung und Einbindung von Sensoren zur Erfassung menschlicher Gesten, so dass Klänge durch Bewegungen gesteuert werden konnten. Dabei wurde insbesondere Open Source Hard- und Software wie z.B. Arduino oder das MakeyMakey Toolkit verwendet.

Der Workshop wurde im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Konkrete Utopien: Die analoge Revolution

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Vernetzt und “always on” zu sein gilt als das Lebensgefühl des 21. Jahrhunderts schlechthin. Angesichts eines anwachsenden “Internets der Dinge” wird sich unser Verhältnis zur permanenten Verbundenheit vermutlich in mehr als eine Richtung der Extreme intensivieren.

Im Lichte einer sich konstituierenden “Technatur” führt der Schritt über das Internet möglicherweise zurück zum realen Leben: Eine analoge Revolution! Wenn sich einerseits lebensähnliche Organismen künstlich erzeugen lassen, andererseits die Biomimikry der Technologiegestaltung die Grenzen zwischen Mensch, Tier und Maschine zunehmend verschwimmen lässt; wenn zunehmend neue, lebensähnliche Maschinen entstehen, die in ein weltumspannendes Sensorennetz eingebunden sind, so wirft dies ethische Grundsatzfragen auf. Wem dient das? Wer steuert das Netz der Netze? Oder inwiefern kann ein lebendiges, dezentrales Selbstbewusstsein von Menschheit und Natur entstehen?

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[Christian Schwägerl bei seinem Vortrag und im anschließenden Gespräch mit Michael Knoll (Foto: Tom Bieling)]

Diesen und anderen Fragen widmete sich Wissenschaftsjournalist und Biologe Christian Schwägerl beim heutigen Gespräch mit Michael Knoll, dem Leiter des Büros Berlin der Gemeinnützigen Hertie-Stiftung in einer Podiumsdiskussion in der Heinrich-Böll-Stiftung, bei der es darum ging kulturell verankerte oder utopisch projizierbare Grenzen zwischen Technik und Natur zu hinterfragen und neu zu verorten.

Als Mann der Wissenschaft von Hause aus eigentlich mehr an der Science als an der Fiction interessiert, bediente sich Schwagerl dabei der Vermittlung von Szenarien, mit deren Hilfe er anschaulich und fesselnd mitunter drastisch dystopische Pfade erschloss.

Da “Szenarios” im Unterschied zur “Prognose” allerdings zunächst einmal ja nichts anderes bedeuten, als über den Tellerrand des Faktischen hinaus zu blicken, lassen sie immer noch Raum für Hoffnung und Handlungsoptionen, insofern Szenarien eben immer auch Alternativformen beinhalten. Alternativformen, die nicht zuletzt aus  gegenwärtigen, gesellschaftlichen und politischen Umgangsformen mit der Fragestellung resultieren, wie wir mit der Tatsache umgehen wollen, dass Technik zunehmend lebendig wird und Natur mit dem digitalen und artefaktischen verschmilzt.

Schwaegerl      schwaegerl_menschenzeit      schwaegerl_kriege

 [Aktuell: Christian Schwägerl: “Die analoge Revolution – Wenn Technik lebendig wird und Natur mir dem Internet verschmiltzt” (Riemann, September 2014). Zuvor erschienen: Schwägerl Buch über das Anthropozän “Menschenzeit – Zerstören oder gestalten? Die entscheidende Epoche unseres Planeten” (Riemann) und “11 drohende Kriege – Künftige Konflikte um Technologien, Rohstoffe, Territorien und Nahrung” (C. Bertelsmann)]

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Schrottküche

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[English Version below!]

Welche Roh- und Wertstoffe befinden sich in unseren mobilen Geräten? Unter welchen Produktionsbedingungen sind diese Geräte entstanden? Wie verhält es sich um ihren Lebenszyklus und das Leben nach ihrem Gebrauch?

Im Rahmen der Code Week übt ein Team aus dem Design Research Lab der Berliner Universität der Künste mit Jugendlichen der Initiative „Schlesische 27“ den Umgang mit wertvollen Ressourcen, die im sogenannten Elektroschrott begraben liegen. In diesem Zuge werden beispielsweise aus ausrangierten und kaputten Handies kleine Roboter oder Alarmanlagen gebaut.

Ziel ist es, durch den spielerischen Umgang mit Hardware die Begeisterung für eigenständiges Programmieren und aktives Eingreifen in bekannte Strukturen zu wecken. Einen Grundkurs in Elektrotechnik und nachhaltiger Verwertung gibt´s gleich dazu.

Der zweitätige Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert. Er findet in Kooperation mit der Einrichtung „Schlesische 27“ statt – einem internationalen JugendKunst- und Kulturhaus im Berliner Bezirk Friedrichshain-Kreuzberg. Hier treffen sich Kinder und Jugendliche mit Künstlerinnen und Künstlern aus allen Sparten. Zusammen erkunden sie in kreativen Projekten die Welt und stellen das Alltägliche auf den Kopf. Der Kurs findet statt mit Teilnehmern und Teilnehmerinnen der Extra3 – Bildungs-manufaktur.

Die Ergebnisse lassen sich anschließend online auf www.schrottkueche.de begutachten.

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How do you turn discarded, old mobile phones into robots or alarm systems? The Design Research Lab of the University of Arts Berlin teaches kids in a playful manner how it is done.

The workshop is funded by the Federal Ministry of Education and Research in the context of the Science Year 2014. It will take place at the ‘Schlesische 27’ in Berlin Kreuzberg over a period of 2 days. It is designed for participants of its youth programme. The group will learn how to handle valuable ressources buried in so-called electronic scrap.

The event aims at a playful experience with hardware and programming. Kids will also learn basics about electrical engineering and sustainability.

‘Schlesische 27’ is an international YouthArt- and Culture institution where children and teenagers meet and work closely with artists from all areas of expertise.

Some impressions will be displayed here afterwards: www.schrottkueche.de


Happening at 
Schlesische Straße 27, 10997 Berlin
From Monday, October 13, 2014 at 09:00 to Tuesday, October 14, 2014 at 15:00

 

Der Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Das gute Fressen

Der Trend zu bewusster Ernährung und der bevorzugten Verwendung von regionalen, saisonalen, Bio- oder veganen Lebensmitteln hat sich längst aus den subkulturellen Nischen vergangener Jahre heraus, mitten in den Mainstream urbaner Gesellschaften hinein etabliert. Die bewusste Beschäftigung mit der Herkunft und Produktion der Nahrungsmittel sind zu elementaren Faktoren unseres Konsumverhaltens geworden.

DESIGNABILITIES empfiehlt heute fünf Dokumentationen, die sich diesem Themenkomplex aus unterschiedlichen Blickwinkeln nähern und deren Trailer wir im folgenden kurz zusammengestellt haben.

Die jüngste davon – Food Chains – setzt sich kritisch mit den Hintergründen und systemischen Verzahnungen der industriellen und landwirtschaftlichen Massenproduktion auseinander.

Die Dokumentation Slow Food Story porträtiert die Ursprünge und Auswüchse der gleichnamigen Bewegung, welche ihren Ursprung in der kleinen Stadt Bra im Nordwesten Italiens hatte. Vor 25 Jahren traten die Einwohner dieses kleinen Städtchens den Kampf gegen die großen Fast-Food-Konzerne an und weigerten sich, eine Filiale in ihrer Heimat zu akzeptieren. Nach einem Vierteljahrhundert ist die Bewegung in über 150 Ländern vertreten. Die Mitglieder setzen sich gegen minderwertiges Fast-Food und für den gesunden und bewussten Umgang mit Lebensmitteln ein.

In GMO OMG werden drastische Auswirkungen des Anbaus, Vertriebs und Konsums von genmanipulierter Nahrung beleuchtet.

Still erzählt die Geschichte einer jungen Bäuerin im bayerischen Oberland. Als junge Frau verlässt den Hof der Eltern und geht auf eine Alm in den Bergen. Abgeschieden von der Welt im Tal führt sie ein einfaches, aber freies Leben, gebunden nur an den Rhythmus, den die Tiere auf der Alm ihr vorgeben. Uschi melkt, buttert und macht Käse. Sie ist eins mit sich und den Tieren, für die sie Verantwortung übernommen hat. Eine Dokumentation über ein(en Traum vom) Leben auf der Alm. Voller Widrikeiten, aber eben auch: wider alle äußeren Zwänge.

In ihrer Dokumentation Le Semeur begegnet Julie Perron dem kanadischen Künstler und Samenforscher Patrice Fortier, der sich mit seinen Aktionen für den Erhalt der Pflanzenvielfalt einsetzt und auf seiner Farm insbesondere der Zucht und dem Erhalt vergessener Samen widmet.

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Grenzgänge, Low Tech and Urban Gaming #Unlimited

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After yesterday’s finissage, the Berlin Unlimited Festival ended with a couple of guided and participatory walks through urban and periphal areas in and around Berlin today (“Autobahn’strip”, “Restricted Areas”, “Meeting with Gropiusstadt”). Before Narcelio Grud started his collective “paint-bike” ride trip through the city, Jens Denissen and Léa Donguy invited participants to their Grenzgang project, focusing on suburban spaces. Open to detours and drifting, such walks are an effective tool for a sensitive experience of the contemporary metropolitan fabric.

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[Structures to actions of urban art: Low tech tools such as painting brooms to explore and interact with urban space]

Materials found and created along the way were collected to build a suburban narrative and were conducive to an evolutionary exhibition. Thus, walking on the edges – randwandern – allowed to discover the surrounding territories through bodily immersion. Another perception of metropolitan and cultural limits occured. The form emerging from such walks gives a both mental and physical continuity to highly frequented spaces. This practical yet playful approach is bound to a theoretical one in order to create an embodied knowledge of Berlin’s edges.

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[Urban spaces shape and mold humanity’s collective imagination]

Earlier this week Urban gaming was discussed as an approach to stimulate participatory planning and city making. Different methods such as comprehensive neighbourhood maps were being used as game boards to position contextualized icons and visualize collaborative development strategies. Local stakeholders were divided into teams, competing, negotiating and creating partnerships in order to solve some of the urgent neighbourhood issues, such as reconstruction and activation of the neighbourhoods.

Through engaging material, such as infographics, video material or board games, the public would have the opportunity to learn more about specific city quarters and urban areas and how to disrupt the conventional, top-down approaches of neighbourhood planning by bringing its essence – the design and programming of physical space – back to the actual users.

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Reaktive Voodoo-Puppen

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Im Rahmen der CodeWeek veranstaltet das Design Research Lab heute einen Workshop mit Schülerinnen und Schüler der Oberschule in Frankfurt (Oder). Unter dem Überthema “Smarte Textilien” wird gemeinsam mit leitendem Garn und textilen Sensoren experimentiert, „weiche“ Schaltkreise entwickelt und dabei spielerisch erörtert, wie man interaktive Kleidungsstücke oder textile Gegenstände mit elektronischen Elementen und/oder Mikrocontrollern ausstatten und somit leblosen Objekten „Leben einhauchen” kann.

Worauf wir am meisten gespannt sind: Eine Gruppe entwickelt dabei kleine “Voodoo-Puppen” anhand derer sich Grundlagen der Elektronik und des Programmierens erlernen und veranschaulichen lassen. Der Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

 

 

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BERLIN UNLIMITED (Urban Arts Festival)

 

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Probably unlike those of any other city the limits of Berlin have changed and evolved throughout the last hundred years, transforming the urban fabric as well as the way the city is used, inhabited and comprehended.

Only 25 years after the fall of the wall and the end of the “concrete division” (Willy Brandt, 10.11.1989), the city of Berlin continues to undergo processes of re-definition and growth – a complex urban and political negotiation – between the often rapid development of new borders, existing or emerging invisible frontiers and the resulting clash of parallel worlds; between the renewal of its own image as a “creative capital” while simultaneously encouraging corporatism; between romantic fantasies and urban realities.

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By the spatial and political frontier between the world’s two dominant ideologies of the time, Berlin has in these last 25 years been stitching back its halves. Still, if «one divides into two, two doesn’t merge into one». By removing the wall entire neighbourhoods in the former suburbs of former West and East berlin have been transposed onto the present centre of a new Berlin. A unique situation arose where an abundance of otherwise neglected and forgotten spaces were suddenly located at the heart of the new city, available to all kinds of old and new occupants – home-buyers and tenants, residential and commercial developers, companies and investors – pointing to Berlin as the city of newly born ambitions and opportunities. And while this radical regeneration of the inner-city is on its way, progressively filling the gaps and re-appropriating history’s left-overs, the expansion of the greater urban territory stretches Berlin’s self-defining limits. Is a «Great Berlin» replacing the neatly delimited «island» of the past?

By means of art and creative media, architecture and urban design, theory and research, the Berlin Unlimited Festival at ZK/U (Zentrum für Kunst und Urbanistik) aims to explore an interdisciplinary narrative of the city and to cast a critical eye on former limits, today’s limitations and tomorrow’s potential new divisions.

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[Robert K. Huber (Zukunftsgeräusche) about “Material.Message.Action.Value”]

Including an exhibition, a symposium, workshops, film screenings, performances and guided tours, the festival displays the work of local and international artists, architects and researchers, tackling different perspectives of “Limit”, such as “power”, “money”, “body”, “time”, “walls”, “ground” or “disctance”.

During the upcoming week @dsgnblts will keep on reporting from the festival and its various events, which started yesterday (october 3) and goes until the 10th of october. We will talk about artistic, un/realistic, speculative and applied discourses, projects and perspectives about politics, participative planning, law and transgression. About movement(s), physical boundaries and urban isolation. About urban sprawl, suburban conditions, public spaces and their possible uses. About alternative currencies and economy in the neoliberal city, about democracy and how the city works. About limits, chances, dreams and fears. About Berlin….unlimited.

via #berlinunltd

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Brave New World (Lodz Design Festival)

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The 8th Lodz Design Festival, starting tonight, features several projects providing a reinterpretation of the Brave New World motto. Generally asked: Does bold designing entail a promise to change your life for the better? How does it affect the process of building the “Brave New World”? The Festival ends on the 19th of october 2014.
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Telemedizin: Vision oder medizinischer Standard der Zukunft?

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Kein Zweifel: Die Digitalisierung der Medizin wird das Gesundheitssystem verändern. Eine nicht unerhebliche Rolle dürfte in diesem Zusammenhang der Telemedizin zukommen. Insbesondere im Hinblick auf ausdifferenzierte Diagnosetechniken, sekundäre Prävention sowie das heikle Thema Patienteninformation, entfachen sich dabei Hoffnungen und Heilversprechen, aber auch Sorgen um Datensicherheit und Kontrollwahn.

Wie realistisch ist das Zukunftsszenario eines Chirurgen, der von einem Ort der Erde gleichzeitig sieben Operationen per Computer und Internet leitet? Operieren künftig Roboter? Inwiefern kann die Übermittlung von medizinischen Daten zu Blutdruck, Insulinwerten oder Cholesterin vom Patienten zum Arzt die Behandlungsmöglichkeiten verbessern?

Die Entwicklung zukunftsorientierter und bedarfsgerechter Telemedizin-Anwendungen steckt noch in den Kinderschuhen. Welche Möglichkeiten – aber auch Probleme –  durch den Einsatz von digitalen Informations- und Kommunikationstechnologien entstehen können, und was die telemedizinische Vernetzung in Bezug auf Rahmenbedingungen wie Datenhoheit und Haftung bedeutet, wird am 13. Oktober in der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften in drei Impulsvorträgen und einer Podiumsrunde diskutiert.

Montag, 13. Oktober 2014, 18 Uhr
Telemedizin: Vision oder medizinischer Standard der Zukunft?
Berlin-Brandenburgische Akademie der Wissenschaften, Einstein-Saal
Jägerstraße 22/23, 10117 Berlin

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[Programm. Click to enlarge!]

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Macht des Materials – Politik der Materialität

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[Buchpräsentation mit den Herausgeberinnen Kerstin Stakemeier (links) und Susanne Witzgall (rechts)]

Seit einigen Jahren lässt sich in den Künsten und Wissenschaften ein neu gewonnenes Interesse an Materialismen registrieren: Es werden Eigendynamiken und Wirkungsmächte von Materialien, Dingen und Materien postuliert, und neue Akteure in den Beziehungen von Kultur und Natur identifiziert.

Angesichts der tendenziellen Krisenhaftigkeit des Kapitals und vor dem Hintergrund einer zunehmenden Auflösung tradierter Dichotomien (Körper-Geist; Natur-Kultur;…) gewinnen Diskurse um den “New Materialism” und einen “speculative Realism” fortwährend an Fahrt.

In der Berliner Buchhandlung pro qm stellten die Herausgeberinnen Susanne Witzall und Kerstin Stakemeier gestern ihr Buchprojekt »Macht des Materials/Politik der Materialität« vor, in dem sie Positionen zur (nicht nur kapitalistischen) Krise und Materialität in der Kunst, etwa anhand der Bezugsparameter ‘Formwerdung’ und ‘Digitalität’ versammeln.

Mit dabei sind u.a.: Diana Coole (“Der neue Materialismus: Die Ontologie und Politik der Materialisierung”), Tim Ingold (“Eine Ökologie der Materialien”), Colin Renfrew (“Material engagement als kreativer menschlicher Prozess und das kognitive Leben der Dinge”), Sofia Hultén (“Purpose Unknown”), Diedrich Diederichsen (“Ist der Marxismus ein Korrelationismus?”) und Costas Lapavitsas (“Die (Im)Materialität der Ökonomie”).

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Susanne Witzgall, Kerstin Stakemeier (Hg.):
Macht des Materials / Politik der Materialität
Diaphanes, 2014. ISBN 978-3037-3466-55
EUR 30.00

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“Exemplary” Finissage (MAK, Vienna)

It’s been a pleasure to be part of the “Exemplary” exhibition at #MAK Austrian Museum of Applied Arts (Vienna). Last chance to visit it at the Finissage today!

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[Click to enlarge!]

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Die Linke und der Krieg (Ausstellungsfinissage)

Der Erste Weltkrieg bildet eine Zäsur in der Geschichte der Arbeiter/innenbewegung: Die SPD-Fraktion im Reichstag stimmte 1914 den Kriegskrediten zu, 1917 spaltete sich die USPD als pazifistischer Flügel ab, bald entstand daraus die KPD. Bis heute streiten Linke über eine angemessene Position zu Krieg. Was bedeutete und was bedeutet heute die Auseinandersetzung mit Krieg für (linke) Politik in Deutschland?

Die Ausstellung “Menschen gegen den Krieg. Proteste in Berlin 1914/18” im Berliner August-Bebel-Institut (Wir berichteten!) ging heute mit einer Podiumsdiskussion zu historischen und kontemporären Fragen im friedens- und kriegspolitischen Diskurs zu Ende. Moderiert von Historikerin Gisela Notz  (Herausgeberin von »Krieg tötet Zukunft, Erinnerungen von Lucia Kurlbaum-Beyer«) äußerten sich der Vorsitzende der Berliner Linken Klaus Lederer (“Ich bin nicht zwangsläufig Pazifist, aber Antimilitarist!”), Mark Rackles (stellvertretender Vorsitzender SPD Berlin, Staatssekretär für Bildung), der für den zuvor angekündigten Jan Stöß eingesprungen war und der Historiker Axel Weipert (u.a. »Das Rote Berlin. Eine Geschichte der Berliner Arbeiterbewegung 1830-1934«) zum Thema.

Gemeinsam erinnerte man an die Anti-Kriegs-Proteste der 1910er Jahre, die Rolle der Frau in der Arbeiterbewegung, an Errungenschaften der Friedensbewegung der 1980er Jahre, und skizzierte schließlich Herausforderungen für aktuelle und künftige friedenspolitischen Bewegungen.

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[“Von einer allgemeinen Kriegsbegeisterung vor 1914 kann keine Rede sein” Axel Weipert (rechts) bei der Abschlussdiskussion. Daneben sitzend v.l.n.r.: Klaus Lederer, Mark Rackles und Gisela Notz]

 

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As if…

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… it was a dream, with a rational trajectory.
We don’t need to dream of electric sheep. We can already speculate with precision!

The Bremen based IMMIGRATION OFFICE comes up with an exhibition of contemporary cultural and technological narratives constructed by a set of different ideologies and configurations, tonight. We will get to see a collection of “staged speculations of parallel worlds and made up supposes, maybes, perhapses and probablys in all their possible transfigurations”.

And the announcement goes like this: “Scenarios that break out of the chronology of history and future can provide an embodied possibility for analysing, critically questioning and re-evaluating existing cultural phenomena”.

Opening: 2. October, 20:00 Uhr
Opening Hours: 3 – 5. October, 17:00 – 19:00 Uhr

IMMIGRATION OFFICE
Am Dobben 36
Bremen

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Technik und Protest

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Technik verändert die Gesellschaft und ihr Naturverhältnis. Sie ist Gegenstand und zugleich Ausgangspunkt und Antriebsfeder für Ängste, Konflikte, Hoffnungen und Heilversprechen.

Ob Flughäfen, Stromtrassen, Atommüllendlager, Bahnhöfe oder Bauten zum Hochwasserschutz: Proteste gegen Infrastrukturprojekte haben Konjunktur. Nicht nur in Deutschland, sondern weltweit lösen große Energie- und Verkehrsprojekte Protest aus, vor allem dann, wenn die Planung ohne Zustimmung der im unmittelbaren Umfeld lebenden Bevölkerung und/oder ohne die Einhaltung von Umwelt- und Sozialstandards geplant werden.

Im Rahmen einer zweitägigen Konferenz (22./23.9.2014) der Initiative für Protest- und Bewegungsforschung (IPB), dem Zentrum Technik und Gesellschaft (ZTG) und der Zentraleinrichtung Wissenschaftliche Weiterbildung und Kooperation (ZEWK), wurde an der Berliner TU (Technische Universität) das Verhältnis von Technik und Protest und sozialen Bewegungen und dessen Reflexion in der aktuellen Technikdebatte und Innovationsforschung in den Blick genommen.

Dabei wurden sowohl technische Dimensionen betrachtet, als auch eine Einbettung der Problematik in gesellschaftlichen Praktiken gefordert und vollzogen, was erfeulicherweise immer wieder zu mittelhitzigen Debatten führte. Nicht zuletzt dann, wenn begriffliche Unschärfen drohten, den Diskurs zu verwässern (“Partizipation schön und gut! Aber an was genau ist wie zu partizipieren?”).

Thomas Saretzki (Leuphana Universität) fasste dieses Problem im ersten Panel  mit der Einsicht zusammen, dass nicht nur Technik selbst Konfliktpotenzial in sich birgt, sondern wir es überdies mit “Konfliktefinitionskonflikten” zu tun haben. Ein Problem, das gerade dann fatal zu werden beginnt, wenn diejenigen, die von Technikfolgen betroffenen sind, von Aufklärungs- und Entscheidungsprozessen ausgeschlossen werden. Monika Bricke (Klima Allianz Deutschland) brachte es auf den Punkt: “An zwei Dritteln der Menschen reden wir vorbei”.

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[Prof. Dr. Dieter Rucht vom Wissenschaftszentrum Berlin für Sozialforschung in seiner Eröffnungsrede]

Kernfragen im Verlauf der Tagung waren daher auch folgende: Wie können für weitreichende technologie- und innovationspolitische Entscheidungen künftig zivilgesellschaftliche Akteure mobilisiert werden, um die Effektivität wie Legitimität solcher Entscheidungen zu steigern? Wie wirkungsvoll ist derzeit die breite Beteiligung und ist die Anerkennung von Protesten nur symbolischer bzw. rhetorischer Natur? Welche Folgen für die Technikentwicklung haben die Interventionen zivilgesellschaftlicher Berater und Kritiker? Inwiefern geraten Bewegungen selbst in den Fokus der (Überwachungs-)Technik?

Beispielhaft wurden dazu vergangene, gegenwärtige und geplante Entwicklungen diskutiert, anhand derer die aktuellen Konstellationen von Technik und Protest auszuleuchten sind. In aufeinanderfolgenden Themenpanels (Techniksoziologie und Innovationsforschung, Risikotechnologien, Energiekonflikte, Entwicklungen im globalen Süden, Big Data und Kontrolle) wurde dabei nicht zuletzt deutlich, dass Technik beides zugleich sein kann: Problemlöser und Problemverursacher. Gleichwohl kann Technik nicht losgelöst von den an ihrer Entstehung und Einbettung beteiligten Akteuren bewertet werden. Allem voran: den Unternehmen, der Wissenschaft und der Politik, aber auch Verwaltung, Gewerkschaften und Zivilgesellschaft.

“Technik”, so Ralf Fücks (Vorstand der Heinrich Böll Stiftung), “ist nicht neutral, sondern entfaltet selbst eine politische Wirkungsmacht”. Ein Aspekt, der im Rahmen der Poster-Session am ersten Konferenztag mit einem DESIGNABILITIES / Design Research Lab Projekt aufgegriffen werden konnte. Anhand der “LormHand” wurden Blickwinkel in Bezug auf barrierefreie Zugänge zu Information und Gesellschaft geschärft, das Prinzip Technik als Empowerment diskutiert, und schließlich Inklusion als Ausgangspunkt für technische und soziale Innovation erhoben.

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[Technik, Inklusion und Empowerment am Beispiel der LormHand]

 

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Forms of Distancing – Repräsentative Politik und die Politik der Repräsentation

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Welche Rolle spielen mediale Inszenierungen bei der Steuerung demokratischer Meinungs- und Aushandlungsprozesse? Wie wird Öffentlichkeit von der Politik manipuliert?

Die von Stefano Collicelli Cagol und Luigi Fassi kuratierte herbst-Ausstellung „Forms of Distancing“ untersucht, wie sich irreführende politische Strategien auf Alltags- und Arbeitswelten auswirken, und welche alternativen Formen von Gemeinschaftsleben sich daraus ableiten lassen.

Das Thema “Distanz” scheint in jüngster Vergangenheit Konjunktur in verschiedenen zeitgenössischen Annäherungsweisen künstlerischer Auseinandersetzung zu haben. Angesiedelt im Spannungsfeld zwischen der Analyse von Repräsentationspolitiken und ihrer formalen Inszenierung wird in „Forms of Distancing“ das Konzept der Repräsentation in seiner künstlerischen wie politischen Ausformung beleuchtet.

Zu sehen in der herbst-Ausstellung vom 27.09. bis zum 23.11. im Festivalzentrum Graz. Eröffnung am Sa 27.09 um 18.00 Uhr.

via Steirischer Herbst

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Signatur des Digitalen

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Der Umgang mit den digitalen Tools verändert nicht nur unsere Art zu denken, zu kommunizieren und zu produzieren, sondern verändert auch unsere Erwartungen an die Benutzung und die Materialität der physischen Welt. Doch wie so oft gilt auch hier: Nicht alles, was gestaltet wird und technisch umsetzbar ist, ist langfristig wirklich hilfreich und sinnvoll.

Das Symposium Signatur des Digitalen wirft einen Blick durch die Designerbrille auf Anwendungsfelder, Innovationspotenziale, neue Industriezweige und konkrete Produkte. Eingerahmt von Vorträgen und Podiumsdiskussionen steht der gesellschaftliche Umgang mit diesen neuen Quantitäten und Qualitäten von technischen Möglichkeiten im Fokus.

Keynote: Signatur des Digitalen
Prof. Dennis Paul der Hochschulen für Künste in Bremen und Berlin
An den interaktiven, prozesshaften und veränderlichen Eigenschaften zwischen Design und Technik arbeitet Prof. Dennis Paul, die er kurz die „Signatur des Digitalen“ nennt.

Designabilities and Wearable Computing
Tom Bieling, Doktorand am Design Research Lab, 
UdK Berlin
Auf soziale und politische Dimensionen von Design in Bezug auf Interaktion, Inklusion und Innovation konzentriert sich der Design-Forscher und Autor Tom Bieling.

Generative Gestaltung
Benedikt Groß, Designer und Autor 
Um die Faszination der Beziehungen zwischen den Menschen, ihre Daten, Technologie und Umwelt beschäftigt sich die Projekte von Benedikt Groß, Co-autor des Buches Generative Gestaltung – das Buch auf dem Gebiet der Computational Design.

Smarthome
Dipl.-Ing. Albert Schuster
 General Manager, Werner Sobek Design GmbH, Stuttgart
Verantwortlich für Entwurf, Generalplanung, Interface-Entwicklung und dem Nachhaltigkeitskonzept des Forschungsprojektes Aktivhaus B10 in Stuttgart ist Dipl. Ing. Albert Schuster. Er wird das Projekt und die Designlösungen vorstellen.

DutchDesignDesk
Marc Maurer, Architekt
Mit dem Ziel sich 2014 auf Deutschland, den größten Geschäftspartner der Niederlande zu konzentrieren, präsentiert Marc Maurer mit internationalen Erfahrungen in der Kreativwirtschaft (Design, Fashion, Architektur und neue Medien) das Dutch Design Desk Europe (DDDE).

 

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Akademie der Asozialität

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[“Teilen heißt jetzt share. Gefällt mir nicht!”]

Christiane Kühl kuratiert beim Steirischen Herbst die “Akademie der Asozialität”, in deren Rahmen sich Künstler, Historiker und Soziologen mit erzwungener Teilhabe auseinandersetzen.

Der Begriff und die Praxis des Teilens werden heutzutage maßgeblich durch die digitale Vernetzung geprägt. In seiner virtuellen Verbundenheit mit der Welt ist der Mensch fortwährend und in zunehmendem Maße dazu angehalten zu teilen. Und sich mitzuteilen. Mitzuteilen, was ihm wichtig erscheint und zugleich definiert. Emphatisch teilt er Persönliches und Peinlichkeiten, Informationen und Meinungen, Gebrauchtwaren, Songs, Filme, Autos, Wohnungen und jüngst sogar Muttermilch über soziale Plattformen.

Teilen ist der Imperativ seiner Zeit – von Creative Commons über Social Media zur Shareconomy. Wer wenig teilt, verliert an Status. Wer gar nie teilt, macht sich verdächtig.

Dabei sind es nicht nur der soziale Druck und geleakte Enthüllungen, die diese schöne neue Welt der Teilhabe fragwürdig erscheinen lassen: Den Arbeitsbedingungen zur Herstellung unseres elektronischen Werkzeugs sind wir lieber nicht ausgesetzt. Und am Profit, der sich mit der Ausbeutung von Minenarbeitern im Kongo erzielen lässt, sind wir stille Teilhaber. Da erscheinen die Zukunftstechnologien plötzlich in einem altbekannten Licht. Teilen immer gerne, es sei denn, man hat etwas dabei zu verlieren.

Die Berliner Journalistin und Theatermacherin Christiane Kühl kuratiert eine zweitägige Konferenz, die “Akademie der Asozialität”. Die “Akademie” hinterfragt und erprobt Strategien der Ab-Teilung – in einer Konferenz mit Vorträgen, Diskussionen und Expeditionen. Frei nach Bartlebys „I would prefer not to“ ermuntert sie zum Rücktritt von aller nicht gewählten Teilhaberschaft. Zum Ausstieg aus einem Gefüge, das so wenig durchschaubar ist wie Facebooks Geschäftsbedingungen.

Auch wenn zunächst offen bleibt, wohin der Weg eines kategorischen „Lieber nicht“ führen kann. Ihn zu erkunden, ist den Versuch wert!

Volkskundemuseum Graz.
Konferenz 11.-12. 10., 11.00-19.00.
Expeditionen 11. 10., 15.00-17.00.
Eintritt frei

via Steirischer Herbst

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Code Week (Opening)

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Im Rahmen der Code Week (11.-17. Oktober) sollen Mädchen und Jungen spielerisch an die Welt des Programmierens herangeführt und bestehende Coding-Initiativen in ganz Europa sichtbar gemacht werden. Deutschland nimmt in diesem Jahr zum ersten Mal an der Initiative der Europäischen Kommission teil.

Als digitale Botschaftern hat sich Prof. Dr. Gesche Joost, die auch zur Eröffnung sprechen wird, zur Aufgabe gemacht, der Code Week im Wissenschaftsjahr 2014 in Deutschland Starthilfe zu leisten. Die jungen TeilnehmerInnen erwartet eine Woche voller Workshops, Hackathons und Infoveranstaltungen. Jede/r kann mitmachen!

EU Code Week 2014 (11.–17. Oktober)
Im Rahmen des Wissenschaftsjahrs 2014 – Die digitale Gesellschaft.

Eröffnung
Freitag, 10. Oktober 2014 um 19 Uhr
im Tieranatomischen Theater, Philippstraße 12/13, 10115 Berlin

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New Narratives – Design im digitalen Zeitalter

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Die Digitalisierung hat nahezu jeden Bereich des Lebens erfasst. Wir mailen, kaufen online, chatten, liken und informieren uns im Netz. Auch Design und Gestaltung sind von diesen Veränderungen nicht ausgenommen. Neue Technologien bringen neue gestalterische Herausforderungen mit sich. Die Ausstellung “new narratives – design im digitalen zeitalter” von Hessen Design im Designhaus Darmstadt zeigt wie innovativ Designer mit den neuen Technologien umgehen und wie sie das Digitale zu nutzen wissen. Unterteilt in die Abschnitte Rapid Prototyping/ 3D Druck, Wearable Electronics, Augmented Reality und Internet of Things/ Internet der Dinge werden beispielgebende Projekte aus den Sparten Produkt-, Kommunikations- und Interfacedesign präsentiert.

New Narratives – neue Erzählungen – entstehen dort, wo Gestaltung und Technologie aufeinandertreffen und etwas noch nicht da gewesenes entsteht. Diese Erzählungen sind in der Ausstellung zu sehen. Mit dabei: ein Projekt aus dem Designabilities und Design Research Lab Kontext.

Zur Vernissage am 12. September sprachen Cornelia Dollacker (Hessen Design), Prof. Dr. Ralph Stengler von der h_da Hochschule Darmstadt und Cornelia Zuschke, Bau- und Verkehrsdezernentin der Stadt Darmstadt. Die Keynote hielt der Kulturreferent der Stadt Darmstadt, Prof. Dr. Ludger Hünnekens. Schirmherr der Ausstellung ist Tarek Al-Wazir, hessischer Minister für Wirtschaft, Energie, Verkehr und Landesentwicklung.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 19. Oktober.

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Ordnungspolitik und Möglichkeitsräume

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Die global zunehmende Reglementieurng von Leben im öffentlichen Raum – etwa durch Raumbeschneidung, Verbotspolitik oder gesellschaftliche Exklusionstendenzen – ist Gegenstand der Ausstellung “Offene Stadt” im Grazmuseum in Kooperation mit der Akademie Graz und dem Institut für Kulturanthropologie der KFU Graz.

Die Ausstellung, die als “Plädoyer für eine Stadtkultur des Offenseins, der Gastfreundschaft und der Menschenrechte” verstanden werden will, dokumentiert diese Entwicklungen, ausgehend von der optimistischen Perspektive der Offenen Stadt.

Zur Eröffnung am 1.10.2014 (19 Uhr) sprechen: Stadträtin Lisa Rücker, Astrid Kury (Akademie Graz), Johanna Rolshoven (Universität Graz) und Sibylle Dienesch (Graz Museum).

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„… macht aber viel Arbeit.“ (Tagung)

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In der Auseinandersetzung mit den Künsten stehen gemeinhin die Ästhetik der Werke und die Kreativität der Produktionsprozesse im Vordergrund. Dass Kunst darüber hinaus, wie Karl Valentin es treffend auf den Punkt gebracht hat, viel Arbeit macht, bleibt zumeist unberücksichtigt. Dabei stehen die vermeintlich polaren Bereiche – zumal in der Gegenwart – in einem so engen Wechselverhältnis, dass es notwendig wird, ihre Differenzen, Interdependenzen und Hybriditäten neu zu bestimmen.

Das Graduiertenkolleg „Wissen der Künste“ veranstaltet von Do, 9. Oktober bis Sa, 11. Oktober 2014 im Berliner Medienhaus (Grunewaldstraße 2-5, Aula, UdK) eine Tagung zum Themengeflecht Kunst – Wissen – Arbeit. Gefragt werden soll darin nach der Verschränkung künstlerischer Disziplinen mit spezifischen Arbeitsfeldern, nach Abhängigkeiten der Kunst von bestimmten Techniken des Hervorbringens, Gestaltens und Produzierens, sowie nach eigenen (und anderen) Vorstellungen von Arbeit.

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Inklusion und Innovation

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“Verschiedenheit zur Normalität werden lassen”. “Teilhabe zur Selbstverständlichkeit erheben”. So klar die Wünsche und Forderungen der jüngsten Debatten rund um Inklusionsthematik auch formuliert sind, so deutlich wird auch, dass es gerade in Unternehmen vielfach an erprobten Konzepten mangelt und Träger sich häufig überfordert fordert fühlen.

Der diesjährige IT-Strategietag “Sozialwirtschaft 2014” in Bonn fand heute somit unter dem Leitthema Inklusion statt und wandte sich dabei konkret an Führungskräfte aus Unternehmen der Sozialwirtschaft.

In einer Reihe an Vorträgen u.a. von Gabriele Moos (RheinAhrCampus), Günther Wienberg
(Bethel), dem Kabarettisten und Theologen Rainer Schmidt, Stefan Juchems
(Stiftung Wohlfahrtspflege NRW) oder Tom Bieling
(DESIGNABILITIES) wurden Best Practice Beispiele, politische Implikationen und Handlungsspielräume vorgestellt und diskutiert.

Dabei wurde auch dies deutlich: Das Ziel einer inklusiven Gesellschaft benötigt und ermöglicht ganz neue Geschäftsmodelle und Konzepte, zumal in den Unternehmen der Sozialwirtschaft. Innovation ist somit unabdingbar mit Inklusion verbunden.

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“Die digitale Arbeitswelt gestalten!”

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“Die digitale Arbeitswelt gestalten!”

Unter diesem Motto findet heute die 6. Engineering- und IT-Tagung der Hans-Böckler-Stiftung in Kooperation mit der IG Metall in Rüsselsheim statt.

Im Fokus stehen dabei auch Themen wie das Recht auf informationelle Selbstbestimmung als Voraussetzung dafür, Gesellschaft demokratisch und selbstbewusst gestalten zu können. „Führt die Digitalisierung zu mehr oder weniger individueller Freiheit?“, „Ist alles, was technisch möglich ist, auch gesellschaftlich sinnvoll?“ Diese und weitere Fragen werden hier diskutiert und mit praktischen Beispielen veranschaulicht.

Das Design Research Lab ist mit dabei.

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EU Code Week 2014 – Mitmachen!

Die EU ruft vom 11. – 17. Oktober 2014 Kinder und Jugendliche in ganz Europa zum Programmieren auf. Mitmachen erwünscht!

Programmcodes steuern unsere digitale Welt und damit unser tägliches Leben. Wer ihre Sprache spricht, kann unsere Zukunft aktiv, individuell und kreativ mitgestalten. Daher ist Coding so wichtig. Mädchen und Jungen sollen während der EU Code Week spielerisch an die Welt der Technik herangeführt werden. Zentrale Stichwörter hierbei: Lernen und Spass!

Das Team des Design Research Labs der Universität der Künste Berlin, koordiniert unter der Schirmherrschaft von Prof. Dr. Gesche Joost die Code Week Initiativen in Deutschland.

Ihr wollt dabei sein? Hier steht, wie’s geht:

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Disability Representation and the political Dimension of Art.

Tobin Siebers (University of Michigan) and Tom Bieling (Berlin University of the Arts) thoroughly explore the interconnections between disability, theory, aesthetics, artistic practice, as well as its political dimensions. The discussed elements help in setting the framework to a number of adjacent fields including gender-, diversity- and critical race studies, queer theory or cultural studies. 

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[Tom Bieling:]
In your work you illustrate the crucial roles that the disabled mind and disabled body have played in the evolution of modern aesthetics, unveiling disability as a unique resource discovered by modern art and then embraced by it as a defining concept. A concept that seeks to emphasize the presence of disability in the tradition of aesthetic representation. I know it might be difficult, but could you shortly summarize your core theses especially in the two books “Disability Theory” and “Disability Aesthetics”?

[Tobin Siebers:] Disability Theory and Disability Aesthetics represent two sides of the same argument. The first book is an extended correction of the social model and other theories important to disability studies, and the second book focuses on the disability as an aesthetic value in itself.

Disability Theory corrects the social model (social constructionism) as an argument that 1) limits the political possibilities of people with disabilities and other minorities, 2) refuses to allow that disabled identity possesses verifiable knowledge about the world, and 3) discounts the disabled body, limiting the importance of its appearance and feelings. Although both books are theoretical, Disability Theory makes a concerted effort to think theoretically about many of the major issues in disability studies, sometimes using the help of contemporary theories about culture, language, and art, at other times demonstrating how these contemporary theories fall short because they are incomplete without an understanding of disability. My goal was to stake out a position between the medical and social model by calling for a return to the disabled body, but not in a medical sense. I argue that disability identity has epistemological value, and I posit a theory of “complex embodiment” as a way of understanding that the disabled body and its environment are mutually transformative. My strongest focus on complex embodiment occurs in the chapters on the sexual culture of people with disabilities.

Disability Aesthetics focuses entirely on disability as a body (an aesthetic appearance) that makes other bodies feel. This is my baseline definition of the aesthetic. As a new embodiment, disability provides a major source for new aesthetic forms and emotions crucial to the creation and appreciation of art. Disability Aesthetics names disability as beautiful–in fact as the aesthetic object that makes modern art possible. The book is, I think, the most significant focus to date on disabled embodiment. Here it is not a matter of defining disability with respect to a disabling environment. There are no signs of medicalization, except for those that are disrupted by disability. The focus is on disability as itself. The appearance of disability is chaotic, beautiful, enigmatic—a force that changes the history of art and our perception of the world. Disability is a aesthetic value in itself.

In your work on „Disability Aesthetics“ you describe the attempt to theorize the representation of disability in visual culture and (not only modern) art. You claim, that “the modern in art is perceived as disability, and that disability is evolving into an aesthetic value in itself”. Does this relate to what you said in your article (“What Disability Studies can learn from the Culture Wars”, 1993, or in your Book “Zerbrochene Schönheit” 2009), where you identified the goal “…to establish disability as a significant value in itself worthy for future development”? Would you like to further describe this value, and how it could be developed in future?

In the culture wars, conservative political figures confronted only a few examples of disability aesthetics, and the result was a stand-off. If a few works of art inspired by disability could have such a great impact, imagine what would happen if the number of disability artworks in exhibitions were far greater, if disability artworks were accepted as public art, for example, as Alison Lapper Pregnant was.

The more artwork incorporates disability, the greater the chance we have to change the body politic. But disability aesthetics does not have to be limited to works of art, only to paintings and sculptures. It can also play a significant role in design. The goal is to design a society in which the buildings, household objects, automobiles, tools, computers, jewelry, furniture—all these things and more not only accommodate the disabled body but also reflect the aesthetic values of disability.

You stated that the essential arguments at the heart of the American culture wars in the late twentieth century involved the rejection of disability both by targeting certain artworks as “sick” and by characterizing these artworks as representative of a „sick culture“. Do you see a tendency or approach for a counter concept or opposing model, either in western or in any other culture?

First, this question gives me great hope for the future because from the point of view of disability aesthetics there is no more important problem. How do we change the prevailing attitude that sees human difference as deviance rather than variation?

We are living in two cultures of beauty. The first is a eugenic culture, one that wants to cure or eliminate any person who deviates from the norm. In the West, blond hair, blue eyes, slim waist, and tall height define perfection according to the eugenic norm. In the East, the definition of human perfection is different, but eugenics still stands behind it. The result is an incredibly static vision of what human beauty is.

The second culture of beauty is an aesthetic culture in which beauty is not defined by eugenics. In fact, beauty is disconnected from the human body. As I am fond of saying, Picasso’s Les desmoiselles d’Avignon is beautiful, but if I forced my daughter to use cosmetic surgery to imitate that beauty, I would be rightfully locked in jail. Disconnecting aesthetic beauty from human beauty is a crucial step in freeing ourselves from eugenic culture. It helps us to understand that using aesthetics to determine whether a culture or person is sick represents a misuse of aesthetics and a return to eugenics. Rather, the experience of aesthetic beauty, which is based on variation and difference and not uniformity and stasis, represents a break with eugenic culture. Only when we are capable of recognizing disability in artworks and declaring it beautiful at the same time, will we be making progress against eugenic thought. Then it will no longer make sense to call an artwork “sick.”

Does this relate to “Good Art embodies Disability”? What do you mean by that? And is this related to e.g. the techniques and tendencies of Dada and Expressionism to deform the body or somehow determined norms?

Dada and Expressionism are good examples of artistic movements that deform the human shape to challenge norms. But challenging norms was not the only goal of these movements. They wanted to create new forms of beauty, and they did.

When I stated that “Good art embodies disability,” I meant to do two things. First, I wanted to shake up how people think about art and disability. The statement alone challenges people to question themselves: “If I reject this statement, why do I reject it? Do I think that the presence of disability ruins art? Or do I think that only kitsch embodies disability?”

Second, I was inventing a new proverb for the age of disability aesthetics. We have entered a new era, I argue, where the modern in art is recognized as disability. Good art embodies disability for this reason, and as long as we remain in this era, as long as disability represents an aesthetic value, we will know good art in relation to disability. By the way, I am not speaking exclusively of representational art. Disability aesthetics is active as well in nonrepresentational art. It may not be as obvious to beholders. It may require spending time with the art work. But the pay-off is a new way of looking at nonrepresentational art, one that expands the story of how art creates meaning.

If real beauty – meaning a beauty not in line with popular market conditions – has a connection to „disabled bodies“, then art could guide us towards a (currently utopian) society that is based on inclusion rather than exclusion, accessability instead of barriers, diversity instead of “normality” or monotony. Now, if everything or everybody is equally integrated into the realm of beauty, how would you replace the understandings of beauty / ugly?

What I say is that the beauty dependent on the human body is eugenic, and, yes, the market drives these ideas, although the market also drives aspects of aesthetic beauty as well. (How to free ourselves from the market is an important issue, but it is beyond our scope here.) What you call “real beauty”—a term I would not use—or what I call “aesthetic beauty” embodies disability in the modern era, because disability provides new resources for art makers. I think that it is an important leap to “see” disability in art as beautiful, because disability has never been seen in that way. In effect, then, modern art embraces radically different conceptions of beauty, and this is no small thing. It creates different art, and it has the possibility of changing the body politic.

I want to see more and more disability in art; even more I want to see public art guided by disability aesthetics. However, I do not believe that art will lead to utopia. In fact, I am a bit nervous about the concept of utopia. I do believe in social transformation, in inclusion rather than exclusion, in diversity rather than normality. The disability community has the ability to drive social transformation, and it depends in my opinion on at least two factors, as I try to explain in Disability Theory. First, disabled people have emerged as knowledge producers; they are not merely the objects of medical research. This new knowledge of society frees people with disabilities from oppressive stereotypes because they understand that it provides a better explanation than existing ideas of their social location. The justifications for the oppression of disabled people no longer hold water, and once they realize this fact, they begin to gather together to fight oppression and to transform their society into one that will not only accommodate them but accept their contributions as valuable. Second, I believe that identity politics and political action groups hold the key to leading disabled people to full citizenship. But the political transformation of society by disabled people is at early stages. We hope to follow in the footsteps of other successful minority groups such as women and gays and lesbians. In the U.S., the Americans with Disabilities Act (1990 and 2008) has advanced the civil rights of disabled people, but we have a very long way to go before we are full and equal citizens. Other countries are making their way forward with similar legislation, but they all use, as far as I know, political action to advance their goals. Disabled people have to hit the streets.

You mentioned*, that „Aesthetics opens us to more expansive and diverse conceptions of the human, and disability has become a powerful tool for rethinking human appearance, intelligence, behavior, and creativity“. Could you give us an „instruction manual“, how to use this tool?

Fortunately, there is no instruction manual for any form of legitimate aesthetics. There is just no recipe for making art. When people start making rules about what art should be, art disappears and tyranny begins.

Disability is an aesthetic resource discovered by modern artists, and it diversifies our conception of the human. First, the inclusion of physical disability in art changes both how bodies appear and their specific appearances. The commitment to conceive of human beings as other than healthy is obvious in the preference for figural deformation in modern painting and sculpture. Second, mental disability has a great impact on modern art. Modern writers are identifiable as “modern” by their use of disability to create distinctive narrative styles. For example, would Faulkner’s The Sound and the Fury be nearly as affecting if it were written without using Benjy Compson’s voice? Or consider the impact of Baudelaire’s distracted flâneur, Proust’s use of involuntary memory, or Joyce’s stream of consciousness. What would modern literature be without them? Disability aesthetics multiplies the varieties of the human, including representations of what human beings think and feel.

In your “Contact Zones” Keynote** you talked about “Disability, Pain, and the Politics of Minority Identity”, exploring the use of disability as a prop to denigrate the politics of minority identity. Could you please elaborate!

My talk is the third and final piece of my on-going argument about the representation of pain on the contemporary political scene. I offer a counterargument to the pervasive belief that pain disables the ability of minority people to participate in politics.  As long as minority identities are thought disabled, there is little hope for the political and social equality of either persons with these identities or disabled people, for there will always be one last justification for inferior treatment. There will always be the possibility of proving the inferiority of any given human being at any given moment as long as inferiority is tied to physical and mental difference. Moreover, the idea that pain in itself leads to inferior identities, ones given to greater self-recrimination or frequent victimizing of others, relies on a fallacious psychology prejudiced inherently against disability. These arguments fail when we realize that the lack of political fitness ascribed to minority people depends on an analogy to disabled people and on the false belief that disabled people are biologically inferior.

 

Tobin Siebers is V. L. Parrington Collegiate Professor of  English and Art & Design at the University of Michigan. He is the author of thirteen books, including ‚Disability Theory’ (Michigan 2008) and ‚Disability Aesthetics’ (Michigan, 2010).

Tom Bieling is a visiting professor in Applied Sciences and Art at the German University in Cairo and a PhD candidate at Berlin University of the Arts. He is author of the book ‘Gender Puppets’ (Lit, 2008) and Co-Founder of the Design Research Network.

 

This text has previously been published in: Baltic Horizons, No 21 (118), II. Social, ethical and political Aspects of Research in Design; October 2013, EuroAcademy Series Art & Design, Euroakadeemia, Tallinn, Estonia; pg 45 – 48

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MENSCH, MASCHINE! Wie barrierefrei ist die digitale Gesellschaft?

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Ältere Menschen und Menschen mit Behinderungen fühlen sich bisweilen von der digitalen Welt ausgegrenzt. Nicht immer wird die Technik ihren Bedürfnissen gerecht oder sie ist unpraktikabel oder unnötig kompliziert. Gleichwohl gibt es auch Unterstützungstechnologien, mit deren Hilfe sich behinderungs- und altersbezogene Nachteile adressieren oder ‘ausgleichen’ lassen: Lesehilfen, Spezialtastaturen oder virtuelle Assistenzsysteme. In solchen Fällen erleichtern Maschinen Menschen, die mit Benachteiligungen konfrontiert sind, das Leben ungemein.

Doch werden solche Helfer überhaupt akzeptiert? Was bedeuten virtuelle Assistenzsysteme für den Alltag? Warum finden technische Assistenzsysteme bisher noch so selten Anwendung bei Menschen mit Behinderung? Können Avatare von Menschen mit Behinderungen lernen? Und: Wie barrierefrei ist das Internet wirklich?

Im Rahmen der Diskussionsplattform und Veranstaltungsreihe “Wissenschaft kontrovers” treffen mit Prof. Dr. Stefan Kopp Diplom-Gerontologin Melissa Henne am 15.08.2014 (18 Uhr) in Bielefeld zwei Experten aufeinander. Kopp vom Exzellenzcluster CITEC der Universität Bielefeld als Fachmann für kognitive Interaktionstechnologie. Und Henne als Vertreterin der v. Bodelschwinghschen Stiftungen Bethel, wo sie in der Stabsstelle für Unternehmensentwicklung aktiv ist.

via Wissenschaft kontrovers

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Stadt selber machen (Book Review, german)

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Urban Farming, Guerrilla Gardening, selbstgebaute Stadtmöbel, Um- und Zwischennutzung von städtischen Brachen: Seit einigen Jahren wachsen sowohl die Begeisterung von BürgerInnen und privaten Initiativen für urbane Intervention, als auch das Bewusstsein von Seiten der öffentlichen Hand gegenüber den Vorzügen solcher Impulse.

Ebenso zeigt sich, dass räumliche Aneignung nicht zwangsläufig mit halb- bis illegalen Nacht- und Nebel-Aktionen assoziiert sein muss. Gleichwohl ist die Triebfeder zumeist dieselbe: Es geht um die sozialräumliche (Rück-)Eroberung städtischen Raumes durch seine Bewohner, und die Erschließung neuer Möglichkeitsräume. Vorzugsweise im Einklang mit der Natur.

In „Stadt selber machen“ kompiliert Laura Bruns acht Projekte aus Zürich, Hamburg und Berlin, als Beispiele für einen spielerischen, eigen-initiierten und anwendungsorientierten Umgang mit urbanem Raum.

Egal ob langfristige oder vorrübergehende Um- und Ausgestaltung städtischen Raums: Stets umweht die Projekte der Charme des Provisorischen, des Informellen und Selbstgeschaffenen. „Nicht warten, bis die Stadt irgendwann in zehn Jahren anfängt, etwas zu bauen“. Einfach (selber) machen! Selbst gestalten. Und selbst verwalten.

Transparenz und Nutzungsfreundlichkeit stehen dabei im Vordergrund, so dass bei kluger Umsetzung auch die Kommunen und Ämter mitspielen. „Eine Bank im öffentlichen Raum zu bauen ist nicht erlaubt. Wenn sie aber von vielen genutzt wird und allen etwas bringt, so wird sie meist bleiben.“

Eine wichtige Grundvoraussetzung für die Entwicklungsmöglichkeiten sozial verträglichen Raumes ist der Miteinbezug lokaler Akteure. Ihr Wissen, ihre individuellen Bedürfnisse und Interessen können als Basis für realitätsnahe, alltags- und bedürfnisrelevante und nicht zuletzt unkomplizierte Konzepte dienen, die aufgrund ihrer offenen Entwicklungs- und Nutzungs-Strukturen Raum für Begegnung und Austausch schaffen.

Eines wird bei alledem deutlich: Wenngleich auch der Ausgangspunkt für Stadtaneignung, etwa durch die Schaffung von Aufenthalts-, Erholungs-, Spiel-, oder Freizeitsport-Möglichkeiten nicht zwangsläufig politisch motiviert sein muss, so geht, wie von jeder selbstbestimmten Aktion, eine Wirkung von ihnen aus, die in ihrem Urverständnis politisch ist.

Untertitelt als „Handbuch“ bietet sich die Lektüre als kurzer, aber knackiger Ratgeber für diejenigen an, die auch mal „Stadt selber machen“ möchten. Juristische Tipps und Hinweise zu Finanzierungsmöglichkeiten inklusive.

Tom Bieling, Mai 2014

 

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Laura Bruns:
Stadt selber machen. Ein Handbuch. Jovis, 2014, 144 S., 

ISBN: 978-3868593259

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Policital Interventions (Book Review, german)

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Wann immer soziale Protestbewegungen ihr Formenrepertoire erweitern, verschieben sich auch die Grenzen von politischem Aktionismus und Kunst. Historische Beispiele finden sich etwa im Kontext der Arbeiterbewegung der 1920er, der Friedens-, Frauen-, Studenten- und Bürgerrechtsbewegungen der 1960er, oder der Öko-Bewegung der 1980er Jahre.

Angesichts einer fortwährenden Digitalisierung, die sich nicht nur auf ökonomische Verhältnisse und soziales Verhalten auswirkt, durchläuft auch die Kunst eine Umgestaltung und Neuausrichtung ihres kritischen Potenzials.

Durch ihre bisweilen offene semantische Struktur, zumal im Angesicht vielfältiger, globalisierter und unverzüglicher Kommunikationsbedingungen, beschränkt sich die Rolle der Kunst dabei längst nicht mehr auf das Erzeugen von Gegennarrativen.

Vielmehr offenbaren sich ihr – und durch sie – unmittelbare Verknüpfungspotenziale politischer und künstlerischer Sachverhalte: Kunst als engagierter Gegenpol der Politik zur Entlarvung von Machtsystemen. Kunst als Politik. Politik als Kunst.

Die Ausgestaltung politischer Kunst ist dabei freilich immer auch Gegenstand, gesellschaftlicher Aushandlungsprozesse, die sich im digital-analogen Spannungsfeld mitunter blitzartig verlagern, überlagern und reformieren ­– was wiederum strategische Handlungsräume für Gesellschafts- und Herrschaftskritik schafft.

Wie Kunst, nicht nur als ästhetisches Konzept, in öffentliche Meinungsbildung intervenieren und maßgebliche Gegenkonzepte erfahrbar und plausibel machen, und somit realpolitisch relevant werden kann, ist Gegenstand des Buches „Political Interventions“*.

Eingefasst von Textbeiträgen (u.a. Mercedes Bunz, Dieter Daniels, Stefan Heidenreich, Dominik Landwehr) nimmt das Werk der Schweizer Medienkünstler Christoph Wachter und Mathias Jud darin eine zentrale Rolle ein, deren Arbeiten im Kosmos aus investigativem und sozialem Engagement, politischem Aktivismus und Aktionismus, und zivilem Ungehorsam als exemplarisch für einen Ansatz politisch motivierter Kunst gelten kann, die gleichermaßen an der Schaffung symbolischer Funktionen, wie an der Umsetzung lebensweltlicher Bezüge interessiert ist.

Sei es mit ihrem Projekt ‘Zone*Interdite’, in dem die sie öffentlich zugängliche Bilder von militärischen Sperrzonen sammeln und zu einer Kartografie der Unterdrückung kompilieren. Sei es mit ihrer dreidimensionalen Guantanamo-Rekonstruktion. Oder mit ihrer Open Source Software qual.net zur Errichtung autonomer Netze. Stets schwingt ein Verständnis über die politische Dimension der Dinge mit, und die Erkenntnis darüber, dass diese manchmal erst im veränderten Zustand ihrer Beschaffenheit für uns greifbar wird.

Im Bewusstsein des politischen Wirkungskreises unserer digitalen Artefakte verdeutlicht sich auch deren gesellschaftliche Relevanz, die spätestens durch ihren Gebrauch oder auch durch ihre (Un-)Zugänglichkeit über Strukturen und Formatierungen sozialer Prozesse und Belange mit entscheidet, zu denen auch die Frage von Inklusion oder Exklusion zählt.

Die Erkundung der Formen und Möglichkeiten politischer Intervention, und die Frage inwieweit Kunst im digitalen Zeitalter Einfluss auf Politik nehmen kann, ist somit schwer von einem moralischen Werteverständnis zu trennen, welches der Mitgestaltung von Gesellschaft zu Grunde liegt.

Und genau hieran verdeutlicht sich auch ein sich verschiebender Kunstbegriff, dessen Erscheinungsform Heidenreich als „nach-ästhetisch“ bezeichnet: In dem Moment wo Kunstwerke auch als Tools genutzt werden (können), die zur Entschlüsselung oder der Durchdringung der digitalen Welt mitsamt ihren Vor- und Nachzügen dienen, erhalten auch Nutzende Gelegenheit, „Paradigmen, die diesen Instrumenten zugrunde liegen, zu hinterfragen und neu zu formulieren“ (Boris Magrini).

Die Möglichkeit zur praktischen Umgestaltung wird dadurch mindestens gleichbedeutend mit der ursprünglichen Kritik an bestehenden Verhältnissen. Bestandaufnahmen sozio-technischer Sachverhalte, politische Intervention und theoretische Reflexion darüber, werden zu äquivalenten Bestimmungsorten der Kunst, und deren iterative Verknüpfung Teil der Strategie.

Tom Bieling, April 2014

 

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* Migros-Kulturprozent / Dominik Landwehr (Hg.): Political Interventions
Edition Digital Culture 1 / Christoph Merian Verlag, 2014, 244 S.,
ISBN: 978-3-85616-609-0

 

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Accelerate, Empower and Represent!

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Accelerate!
The accelerationist reader

Armen Avanessian & Robin Mackay (Ed.)

The term Accelerationism, describes a contemporary political heresy, which is the insistence that the only radical political response to capitalism is not to protest, disrupt, critique, or détourne it, but to accelerate and exacerbate its uprooting, alienating, decoding, abstractive tendencies. From Marx to cyberculture, from rave and acid house to underground culture this book discusses a range of examples of accelerationism.

Urbanomic, 2014, ISBN 9780957529557 | EUR 19,90

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Empower!
The Political Economy and Political Ecology of Urban Form
Ed. by Marc Angélil & Rainer Hehl

With their third Volume of Essays on the Policital Economy of Urban Form (after Vol.1 “Informalize!” and “Collectivize!” Vol.2), Marc Angélil and Rainer Hehl collected projects that address contemporary power relations and their effects on urban and natural landscapes in the age of the Anthropocene, a nascent geological epoch defined by human activity. Covering geopolitics in the Amazon, infrastructural subtraction in Ecuador, circulatory urbanism in Mumbai, and urban development on Brazil’s frontier, this edited publication explores urban transformations through the added lens of political ecology, in order to better understand the political, economic, and social factors of humanity’s profound effects on the biosphere.

Ruby, 2014, ISBN 978-3-944074-08-5 | EUR 12

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They Can’t Represent Us!
Reinventing Democracy from Greece to Occupy

by Dario Azzellini and Marina Sitrin

Dario Azzellini and Marina Sitrin compiled different views on how the new global movements are putting forward a radical conception of democracy. And on how international, global and regional mass protest movements share an agenda—to raise the question of what democracy should mean. Recent movements, including Occupy, put forward the idea that liberal democracy is not democratic, nor was it ever. Together they exercise and claim participatory democracy as the ground of revolutionary social change today.

Verso, 2014, ISBN 9781781682371 | EUR 13.50

 

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Design as Radical Labour (Interview with Tom Bieling)

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NewPractice (Issue One) on ‘Design as Radical Labour’ includes an interview with Tom Bieling about social, cultural and political dimensions of Design.
Find the entire interview here!

 

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Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus (Book Review)

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Dass es im Bauhaus als Hochschule für Gestaltung nicht ausschließlich um den alltagsrelevanten, ganzheitlichen Gestaltungsansatz ging, zeigt bis zum 21. April die Dessauer Ausstellung »Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus«.

Begleitend dazu skizziert der von den Kuratoren Torsten Blume und Christian Hiller kompilierte, gleichnamige Katalog*, die 1921 von Walter Gropius gegründete Bühnenwerkstatt – im Unterschied zu den anderen Bauhaus Werkstätten – als ebenso experimentelle, wie kritisch und visionäre Brutstätte der freien Kunst. Und lässt zugleich erahnen, wie unweit diese bisweilen dennoch von der lebensweltlichen Gestaltung von Gebrauchsgegenständen entfernt liegt.

Als man sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit zunehmend technisierten, zugleich Besorgnis erregenden und verführerischen Lebensräumen konfrontiert sah, fungierten Orte wie die Bühnenwerkstatt als solche, in der das Verhältnis von Mensch und Technik neu erforscht und erprobt werden konnte, und in denen es „um nichts weniger ging, als den Entwurf des neuen Menschen“ (Philipp Oswalt)

Auf der Suche nach einem neuartigen, sinnbehafteten Verhältnis zu einer sich fortwährend dynamisierenden, technisch animierten Umwelt, und einem reziproken Mensch-Technik-Verhältnis, gingen die zentralen Protagonisten Lothar Schreyer, Oskar Schlemmer und László Moholoy-Nagy dabei grundlegenden Fragen der Mechanisierung, Maschinisierung und Rationalisierung nach.

Auf eine Weise, in der die Logik und Rhythmik des Maschinenzeitalters ebenso widerspiegelt wie hinterfragt wurde, entstand dabei eine Reihe von technoid-menschlichen Doppelgängern. So zum Beispiel die skulpturalen, biomechanischen Kostüme aus Schlemmers Triadischem Ballett, in denen die Protagonisten, beinah wie eine Art Vorgriff auf spätere Roboterbilder, auf befremdlich-vertraute Weise entindividualisiert androgyn erschienen: Grenzfiguren zwischen Natur und Artefakt. Gleichsam als Technikkritik zu verstehen, im Erkenntnisinteresse jedoch auch als Bewegungsstudien für neue Maschinenkörper dienend.

Nach zahlreichen beachtenswerten Studien und Publikationen zum vorrangig gestalterisch-architektonischen Vermächtnis des Bauhauses, widmen sich Ausstellung und Katalog mit einem Spektrum aus Fotografien und Skizzen, Modellen und Apparaturen, historischen, programmatischen Texten und aktuellen Reflektionen, nun erstmalig seinem ‚flüchtigen’, performativen Nachlass: den Experimenten und Konzepten der Bauhausbühne.

Tom Bieling, April 2014

 

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* Torsten Blume, Christian Hiller (Hg.):
Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus
Spector Books, 2014, 264 S., ISBN 978-3-944669-21-2; 36 EUR

 

 

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CinemAbility (Documentary Trailer, 2013)


The US-documentary “CinemAbility” examines the ever-changing portrayals of disability story lines in film, TV and the web to see if the media has had a hand in transforming the societal inclusion of people with disabilities. It takes a detailed look at the evolution of “disability” in entertainment by going behind the scenes to interview Filmmakers, Studio Executives, Film Historians, and Celebrities, and by utilizing vivid clips from Hollywood’s most beloved motion pictures and television programs to focus attention on the powerful impact that entertainment and the media can have on society.

 

 

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ART’S HOME IS MY KASSEL (german Trailer)


“Engagierte Mitarbeiter und unzählige Helfer, neugierige Schaulustige und um Verständnis bemühte Besucher, »weltgewandte Begleiter« und weitgereiste Kunstgäste: In Kassel treffen sie 2012 alle auf die Documenta – Weltkunstschau mit höchster internationaler Aufmerksamkeit und Heimat in Nordhessen. Katrin und Susanne Heinz betrachten aus den Blickwinkeln der Kasseler die temporäre, aber auch invasionäre Totalveränderung ihrer Heimatstadt, denn das Spektakel prägt in diesem Sommer sowohl das Stadtbild als auch das Lebensgefühl.

»Arts Home is my Kassel« folgt der Documenta über die Vorbereitungen Anfang 2012, durch das gesamte »Museum der 100 Tage« bis zu den Abbrucharbeiten – wie eine filmische Lustwandelei: Er ist keine Wiedergabe offizieller Deutungsansätze, er will keine umfassende Berichterstattung sein.

Der Film vermittelt Kunst und Event allein durch seine Protagonisten: eine Taxifahrerin, eine Studentin, Künstler, ein Schreiner, interessierte Kasseler Bürger und ein Architekt vermitteln einen verständlichen, praktischen und intuitiven Zugang zu den Arbeiten und der Kunstwelt. »Arts Home is my Kassel« hebt die Kunst der Documenta als etwas Lebendiges, Berührbares von einem falschen Sockel und verstärkt die Kunstfähigkeit eines jeden Neugierigen.”

via arts-home-is-my-kassel

 

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Katherine Runswick ‘Approaching Disabilty’

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Pride Parade (Berlin 2014)

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“Freaks and Cripples,
Lunatics and Gimps,
Deaf, Crazy, Blind or just ordinarily weird people
– come out into the streets again, because we own it!
We were many, we will be more!”

Put barriers in the museum, it’s time to break out of our boxes, be who you want to be, not who they say you are!  Kiss madness awake, love crooked legs and spasms, desire crutches and catheters. We unsettle und seduce and we are louder than the norm. Roll, limp and grope your way to Hermannplatz, July 12th at 3pm.

Party with us at the behindert und verrückt feiern Disability & Mad Pride Parade 2014 in Berlin.

via www.pride-parade.de

 

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CROP (Documentary Trailer)

CROP is an experimental documentary co-directed by Johanna Domke (DE) and Marouan Omara (EG). The film reflects upon the impact of images in the Egyptian Revolution in 2011 and puts it in relation to the image politics of Egypt´s leaders. Instead of showing footage from the revolution, the film is shot entirely in the power domain of images – Egypt´s oldest and most influential state newspaper Al Ahram. Throughout the building – from the top-level executive office towards the smallest worker – we follow the story of a photo-journalist, that missed the revolution due to a hospital stay. After resuming his work in the newspaper, his life seems not quite the same. His voice gives a personal reflection to the media ploys of the old regime, and the documentary inspires to think about the power of images.

 

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wild, connected, printed & additional THINGS

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The relationships between people and things, objects and other objects have in recent years been discussed by science and arts in highly diverse and controversial ways.

The links between things and people as well as other things are the focus of an exhibition of the courses Communication in Social and Economic Contexts and Industrial Design at the Berlin University of the Arts, which is on view at designtransfer in the context of the Berlin Design Week/DMY International Design Festival 2014.

Where do the self-will and self-logic of things begin? Once they break, resist or connect with each other? The projects by the students of Communication in Social and Economic Contexts investigate such questions of appropriation and experience of things. From prostheses to interfaces to grave goods, the students explore different objects and object-relations and reflect them in individual exhibition formats such as movies, magazines and installations.

Exclusively for for this exhibition, Anja Mück & Luisa Bergander developed the Magazine “Seelenblindheit”, which includes a 12-page Interview with Tom Bieling

Opening: Tuesday, 27 May 2014, 6pm

Exhibition: 28 May to 20 July 2014, Tue-Fri
Tuesday–Friday: 10am – 6pm
Berlin University of the Arts Tour Weekend (19–20 July), 10am – 6 pm
Foyer, UdK Berlin, Einsteinufer 43

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Cinema of Transgression

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In den 1980er Jahren schließen sich im New Yorker East Village Künstlerinnen und Künstler zusammen, unter ihnen Nick ZeddLydia Lunch, John Waters und Richard Kern, die radikal aufbegehren: gegen den guten Geschmack, gegen den saturierten Kunstbetrieb, gegen ein bequem gewordenes Avantgardekino.

In den filmischen Auswüchsen dieses Protests dominieren Blut, Sex, sinnlose Gewalt, entstellte Körper, Leichenschändung und Blasphemie.  Aber auch humoristische Angriffe auf das bürgerliche Wohlbefinden.

Das UT Connewitz (Leipzig) zeigt eine Auswahl an maßgebenden Cinema of Transgression-Kurzfilmen u.a. von Nick Zedd, Richard Kern und Tessa Hughes-Freeland, sowie cineastische Verstöße und Überschreitungen aus früheren Phasen des amerikanischen Experimentalfilms u.a. Kenneth Angers masochistische Vergewaltigungsphantasie „Fireworks“ und Jack Smiths Dragperformance „The Yellow Sequence“.

Am Freitag, 04. April 2014 um 22 Uhr im UT Connewitz (Filmvorführung, 16mm/digital)

 

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Die Mobilisierung des Körpers (Conference Report)

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“Die Technik rückt dem Menschen auf den Pelz”. Christoph Asmuth wählte ein eindringliches Bild als Eröffnungs-Statement für das Symposium „Die Mobilisierung des Körpers“ am Dresdner Hygienemuseum. Rund 50 Teilnehmende waren gekommen, um sich an zwei Tagen über vergangene, gegenwärtige, zukünftige, über begehrenswerte oder unerwünschte Techniken auszutauschen, die dem menschlichen Körper wiedererlangbare, erweiterte oder gar neue Fähigkeiten verleihen, und von denen viele im weiteren oder engeren Sinne als Prothesen gelten.

Unterschiedliche Dimensionen rund um den “Menschen als Schnittstelle” standen dabei im Fokus. Die Vielfalt der Themen erstreckte sich von der Geschichtlichkeit der Prothese (Thomas Schnalke), über popkulturelle Aspekte und solche der medialen Inszenierung von körperlicher Behinderung und technischen Artefakten (Sabine Kienitz), bis hin zur Inklusion des Posthumanen (Georg Seeßlen & Markus Metz), sowie künstlerischen Aneignungen des Prothesenmotivs als kritische Kommentare auf Körperobjektivierungen und postindustrielle Technisierungsschübe (Karin Harrasser).

Die Berührungspunkte zwischen Mensch und Prothese variieren stets in einem wabernden Kosmos zwischen Gebrauchsding, symbolischem Objekt, kritischer Vision oder Bildmetapher. Ein Motivkomplex, den Roland Innerhofer als “Ort der Verarbeitung kultureller, medialer und technikgeschichtlicher Umbrüche wie der Austragung sozialer Konflikte” beschreibt.

Der Frage nachgehend, wie denn eigentlich der “Vorzeigeinvalide” des 21. Jahrhunderts aussieht, deckte Sabine Kienitz einerseits eine große Bandbreite der Visualisierung von Versehrtheit auf, stellte jedoch auch fest, dass diese immer noch sehr stark an dualistische Vorstellungen des 20. Jahrhunderts angelegt ist: Der versehrte Mensch entweder als Opfer oder als Held.

Die Prothese die laut Karin Harrasser einen Verlust ebenso markiert wie maskiert, dient jedoch längst nicht mehr ausschließlich der Kompensation sondern auch der Extension. Wurden Artefakte früher an den Körper angebaut (Exoprothesen), so können sie heute zunehmend eingebaut werden (Endoprothesen). In Zeiten, in denen sich Schönheit zunehmend auch als ein Aspekt der Gesundheit etabliert, werden Prothesen dabei nicht nur auf den Aspekt des Substituierens reduziert, sondern dienen zunehmend auch einer auf Makellosigkeit ausgerichteten Optimierungstechnik (Epithesen).

Begriffliche Dimensionen der Prothetik werden in diesem Themenkomplex schnell dehnbar. So zeigte Thomas Schnalke: Auch eine Narbe, als Funktionsersatzgewebe, ist im Grunde nichts anderes als eine (in dem Fall vom menschlichen Körper selbst produzierte) Prothese. Der Hauptfokus des Symposiums lag jedoch klar auf den künstlich erzeugten, steuer- oder modifizierbaren Körperteilen: den Anthropofakten.

Doch wo fängt die Körper-Ding-Synthese an? Wo hört sie auf? Wie Irmela Krüger-Fürhoff darzulegen vermochte, werden Ersatzglieder, Neuroimplantate oder Organtransplantate „in der öffentlichen Wahrnehmung deutlich voneinander unterschieden, weil sie verschiedene Vorstellungen von ‘Natürlichkeit’ und ‘Künstlichkeit’ bzw. ‘Technizität’ sowie von körperlicher Integration, aktiver Steuerbarkeit und Sichtbarkeit aufrufen“.

Anschaulich rekonstruierten somit einige der Vorträge wie biologische und technische ‘Ersatzteile’ kulturell entworfen werden, und wie sowohl die Verletzlichkeit des menschlichen Leibes, als auch seine Aufgeschlossenheit gegenüber technischer Modifizierbarkeit ästhetisch, kritisch und konstruktiv in Literatur, Kunst, Film, Museumssammlungen, in der Werbung oder den Massenmedien verhandelt werden. Und welche Vorstellungen von (Im)perfektion, also von Vollkommenheit und Optimierbarkeit dem eigentlich zu Grunde liegen.

Georg Seeßlen und Markus Metz rückten dabei zweierlei ins Zentrum des Interesses: Die Machbarkeit und die Vorstellbarkeit: „Die Machbarkeit des Menschen 2.0, des prothetisch, chemisch und digital ‚verbesserten’ Übermenschen wird in den teils offenen, teils nicht ganz so offenen Wissenschaftszentren und nicht zuletzt an den Knotenpunkten des militärisch-wissenschaftlich-ökonomischen Komplexes erprobt. Die Vorstellbarkeit dagegen in den Bilder- und Erzählmaschinen der populären Kultur. In einer visuellen und medialen Kultur wie der unseren orientiert man sich mehr denn je an der Vorstellbarkeit, denn diese bestimmt nicht zuletzt darüber, ob eine der vielen Maßnahmen der technischen und medizinischen Menschenverbesserungen eine Marktchance bietet oder nicht“.

Unabhängig davon habe jedoch Stanislav Lems Einsicht zu gelten, dass alles, was sich technisch machen und vorstellen lässt, auch gemacht wird. Was das in Bezug auf Asmuths Pelz-Metapher bedeutet, ist eine der zentralen Fragen hinsichtlich der zukünftigen Mensch-Maschine Konfigurationen, in deren Zuge auch zu klären sein wird, ab welchem Punkt „das Humane im Menschen zerfällt“. Und umgekehrt stellt sich auch die Frage nach der Technik. Nicht nur in Bezug auf die „Gefahr, die sie für unser Selbst- und Körperbild bedeutet, indem sie den Menschen technisiert, sondern auch danach, inwieweit sich die Technik tatsächlich vermenschlichen lässt“ (Asmuth).

Kein Zweifel: Die Gestaltung unser Lebenswelt bis hinein in die Verzweigungen soziotechnischer Systeme bestimmt in bemerkenswerter Weise die Evolution des Menschen als Mängelwesen hin zum Cyborg. Zumal dann, wenn uns die Technik nicht nur auf den Pelz rückt, sondern unter die Haut geht.

Tom Bieling, März 2014

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[v.l.n.r.: Roland Innerhofer, Tatjana Noemi Tömmel und Irmela Marei Krüger-Fürhoff im Panel “Helden, Krüppel, Übermenschen – Prothetik in der Literatur”]

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Ivan Illich: A brief Introduction

Since many of his thoughts and works are still very present in our discourses, we would like to share a brief introduction with some background information about Ivan Illich, we found online:

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Design for War and Peace (Conference)

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2014, the centenary of the outbreak of the First World War, is an apposite moment in which to reflect upon the relationship of design and craft to conflict. Objects and sites designed for war and peace offer a vibrant nexus of case studies and debates through which to examine the place of conflict in our collective memory.

The conference sessions focus principally on conflicts from the First World War to the present day and reflect the interdisciplinarity of design history’s explorations of a wide range of objects, places and intellectual traditions across a diverse geography of theatres of conflict. The cross-fertilization of war and peace studies, which have often been segregated, is an important aspect of the conference.

2014, the centenary of the outbreak of the First World War will be an apposite moment in which to reflect upon the relationship of design and craft to conflict This conference seeks to bring together researchers from the many disciplines within design history to develop methodological approaches and explorations of a wider range of objects; a more diverse geography of theatres of conflicts and temporality, juxtaposing the often segregated methodologies war and peace studies.

Department for Continuing Education, University of Oxford Thursday 4 to Saturday 6 September 2014 Rewley House, 1 Wellington Square, Oxford OX1 2JA

www.conted.ox.ac.uk/events/warpeace.php

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Fachtag: Barriere? frei!

“Unsere Tagungsbroschüre ist leider nicht barrierefrei”. Mit diesen Worten wurde heute in Dresden der Fachtag “Barriere? Frei!” eingeleitet. Ehrliche Worte, die zugleich verdeutlichten, dass der Weg zur Inklusion steinig und lang ist. Umso wichtiger, dass man ihn dennoch geht. “Man darf dabei nicht müde werden, manche Dinge einfach so oft zu wiederholen, bis sie in den Köpfen der Menschen ankommen” so Gisela Staupe, stellvertretende Direktorin des Deutschen Hygiene Museums, dem Austragungsort der Tagung. Das Hygiene Museum geht dabei mit gutem Beispiel voran und verfolgt seit der Ausstellung Der [im]perfekte Mensch (2001) einen konsequenten Weg zum Barriereabbau nicht nur im bautechnischen, sondern insbesondere auch im inhaltlichen Sinn.

Wie eine selbstverständliche Teilhabe von Menschen mit Behinderung speziell im Jugend- und Kulturbereich ermöglicht werden kann und wie Angebote und Institutionen konkret gestaltet werden sollten, damit jeder Mensch daran teilhaben kann? Dieser und ähnlichen Fragen widmeten sich rund 100 Teilnehmerinnen und Teilnehmer des Fachtages, wobei sowohl praktische als auch politische Fragen thematisiert wurden.

Erstmalig wurde dabei auch der Konzeptpreis Barriere? frei! vergeben. Drei Konzepte wurden mit jeweils 4.000 Euro prämiert, die für die Umsetzung und Entwicklung konkreter Vorschläge vorgesehen sind.

Designabilities gratuliert den PreisträgerInnen und wünscht viel Erfolg bei der Projektrealisierung, die nicht zuletzt auch dies verdeutlichen sollen:

Teilhabe von behinderten Menschen zu realisieren ist eine gesamtgesellschaftliche Aufgabe. Klug umgesetzt, kann Inklusion dabei auch Möglichkeiten bieten, neue Zielgruppen zu adressieren. Barrierefreiheit ist demnach kein Nieschenthema, das sich einzig auf den Aspekt Behinderung reduzieren lässt, zumal auch andere Nutzergruppen davon profitieren können, z.B. ältere Menschen, Familien mit Kindern oder Menschen mit Migrationshintergrund.

Dass man auf Tagungen wie diesen mitunter auch vor oft gehörten Schlagbegriffen und Allgemeinplätzen nicht gefeit ist, scheint in der Natur der Sache zu liegen, wie Staupe ja zu Beginn bereits erwähnte. Leistet man ihrem Wiederholungsgebot Folge, so darf man vielleicht schon gespannt sein auf den 2. Fachtag “Barriere? Frei!”. Wir wären vielleicht noch mal dabei.

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Kollisionen

Was passiert, wenn Mode und Architektur kollidieren, Design beim Tanz aufschlägt oder Gesellschafts- und Wirtschafts- mit Visueller Kommunikation zusammenstößt? Was, wenn Textil- auf Textgestaltung trifft, Performance die urbane Raumplanung befragt oder Kulturtheorie durch bildende Kunst und Musik herausgefordert wird? In erster Linie entsteht etwas Neues und Drittes. Das ist die Idee der UdK-Kollisionen – keine Reparatur von Unfallschäden, sondern Provokation von Unordnung, Irritation und wechselseitiger Infektion. Und so funktionierts: 2 Profs/Dozenten aus unterschiedlichen Disziplinen entwickeln ein gemeinsames Thema und Format für die Kollision der UdK-Studenten in der ersten Woche des Jahres und verursachen Unordnung im eigenen Hause

Stühle verrücken und Plätze tauschen – darum geht es. In ungeordneter und ungehorsamer Weise entstehen neue Verbindungen. Bisherige Erfahrungen und Ergebnisse haben gezeigt: Die Teilnehmer brauchen dazu kein „Assessment Center für Kreativität“ – sie müssen sich viel eher in die Kollision „geraten“ lassen.

Wir berichteten bereits des öfteren über unseren diesjährigen Beitrag zur Campus Kollision in Form des Projektes F L U G M U S I K (Leitung: Tilmann Dehnhard/Jazzinstitut und Tom Bieling/DesignResearchLab), in dem Studierende aus verschiedenen Fachbereichen der Berliner Universität der Künste (UdK) eine Woche lang zusammen an fliegenden Klangobjekten und klingenden Flugobjekten arbeiteten. Objekte, die schweben, gleiten, geworfen oder katapultiert werden konnten. Objekte, die klingen, singen, knattern und flüstern konnten. Alles unter einer einzigen Grundbedingung: kein Strom, kein Schwarzpulver.

Einige Impressionen aus diesem und anderen spannenden Kollisionsprojekten sind nun in einem pfiffigen, kurzen Trailer (s.o.!) zu sehen.

 

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Communication Design for Alzheimer’s Disease – Understanding and facilitating interactions through Communication Design

After we met Rita at Sheffield Halam last summer, we just stumbled over her project again, in which she explores different ways in which communication design can be applied to the context of Alzheimer’s disease. The project focuses mainly on raising awareness and understanding of the disease as well as facilitating interaction between people with Alzheimer’s disease and their carers and families. Further information can be found on her project website!

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Lebenswert – ein Magazin über Menschen mit Behinderung

Inklusion, Teilhabe, Gleichstellung. Bei kaum einem anderen Thema herrscht vergleichbar große emotionale Lethargie wie im Umgang mit Behinderung. Was darf man sagen, wohin darf man schauen, wann darf man lachen? Immer neue Regeln erschöpfen einen eigentlich spannenden Diskurs.

In medialen Inszenierungen begegnen uns Menschen mit Behinderungen häufig als bemitleidenswerte Freaks, an den Rollstuhl »gefesselte« »Opfer« oder bestenfalls als »Helden«, die »trotz« ihrer Behinderung ein ganz »normales« Leben führen. Informationen und Geschichten, die den Menschen in seinem Facettenreichtum abbilden, haben eher Seltenheitswert. Was soll man schon über Behinderte schreiben, wenn nicht über ihre Behinderung?

Wie man’s machen kann, zeigt uns nun Katharina Mottyll, die im Zuge ihrer Bachelorarbeit das Magazin »Lebenswert« entwickelt hat, von dem heute ein druckfrisches, 142 Seiten starkes Exemplar bei uns eintraf und in dem auch ein Porträt über Tom Bieling und die Arbeit seines Teams zu lesen ist.

»Lebenswert« berichtet über Menschen mit Behinderungen, stellt die Behinderung jedoch nicht zwingend in den Vordergrund. Es geht um Geschichten, um Menschen und Erfahrungen. Ernsthafte, informative und humorvolle Artikel und Bilderstrecken stellen sich hier als erfreulich unverkrampfte Herangehensweise an das Thema Inklusion und Behinderungen dar.

Fazit: »Lebenswert« = lesenswert!

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Fingerreader – Wearable Interface to support reading

The Fluid Interfaces Group at MIT Media Lab is currently working on the “FingerReader”, a wearable device that can scan an read out loud printed texts. Like in the earlier mentioned “Eye Ring Project”, it could be worn like a ring, e.g. on the index finger. When pointing towards a written text, words and layout can be analysed and the ring give feedback to the reader, by using a computer voice reading out the scanned text, and by haptic vibrations that shall guide the reader along the reading line. This might not only be interesting for visually impaired people, but, as the group says, also be a tool for language translation. Here is a short video:

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Three new movies about Blindness

Three Films at this year’s Berlinale focused on the challenge of making the Not-Seeing become visible.

The brasilian movie “The way he looks”:

The norwegian movie “Blind”:

And the chinese Movie “Blind Massage”:

A german article about all three can be read in the Tagesspiegel.

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Wheelchair Basketball Commercial with surprising twist in the end

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“Behindern ist heilbar”

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Über die Print Kampagne “Behindern ist heilbar” vom Bundesministerium für Arbeit und Soziales hatten wir berichtet. Den dazugehörigen KinoSpot hatten wir damals jedoch nicht geteilt, was wir hiermit nachholen:

 

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TV Spots by the Norwegian associaton of the Blind

Lovely approach by the Norwegian Association of the Blind to focus on self interest, not social good, in their campaign encouraging companies to hire the blind. Four short TV Commercials from 2011:

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Book Review (german): Aus der Nähe – Zum wissenschaftlichen und behindertenpolitischen Wirken von Volker Schönwiese

Die Beiträge und Verdienste Volker Schönwieses für die Behinderungsthematik im deutschsprachigen Raum und seine kritischen, stets auch praxisbezogenen Denkanstöße zu Inklusion und Integration reichen bis in die 1970er Jahre zurück.Anlässlich seiner Pensionierung von der Universität Innsbruck ist nun ein Sammelband erschienen, der einen umfassenden, mitunter persönlichen Einblick in das wissenschaftliche und behindertenpolitische Wirken des Forschers und Aktivisten gibt.

Stets im Zentrum des Interesses seiner häufig auch partizipativ orientierten Forschungsansätze: Die konkreten Alltagserfahrungen von Menschen mit Behinderungen, sowie die sozialen Strukturen und kulturellen Herrschaftsmuster, in die sie eingeflochten sind.

Inklusion als Forderung und Praxis, wie sie beispielsweise auch im Forschungsprojekt „Bildnis eines behinderten Mannes“ deutlich werden, veranschaulichen somit auch den wissenschaftspolitischen Anspruch, der dieser Thematik innewohnt.

All dem ist in dieser Publikation gut zu folgen. Sozusagen: Aus der Nähe!

Tom Bieling, Februar 2014

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Petra Flieger, Sascha Plangger (Hg.): Aus der Nähe – Zum wissenschaftlichen und behindertenpolitischen Wirken von Volker Schönwiese; AG SPAK Bücher, September 2013, 182 S., kart., 19 €; ISBN 978-3940865564

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Inklusion in Mode und Clubkultur

Von den Vereinten Nationen 2008 ratifiziert, fordert die Behindertenrechtskonvention eine gleichberechtigte Teilhabe aller am gesellschaftlichen Leben. Was soweit plausibel  klingt, scheitert im Alltag jedoch allzu häufig an der praktischen Umsetzbarkeit. Auch in kulturrelevanten Bereichen, insbesondere der Partyszene erfahren Menschen mit Behinderungen oft Ausgrenzung.

Wie es auch anders gehen kann, zeigen Beispiele wie die “Rock’n’Rolli” Parties in Berlin, deren Veranstalter erfreulich unverkrampft an das Thema herangehen, wie ein Beitrag der ARTE Sendereihe Tracks aus dem vergangenen Jahr zeigt. Mit dabei auch Mira vom Modelabel “Rolling Elephants”, welches JeansWear für Rollstohlfahrer entwirft.

 

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Bildnis eines behinderten Mannes

Vor geraumer Zeit berichteten wir über über das Projekt “Bildnis eines behinderten Mannes” und die dazugehörigen Publikationen über die Geschichte und Perzeption eines bisher wissenschaftlich nicht bearbeitetes Ölgemäldes aus dem 16. Jahrhunderts in der Kunst- und Wunderkammer von Schloss Ambras bei Innsbruck (Kunsthistorisches Museum, Wien). Auch ein Dokumentarfilm wurde seinerzeit gedreht und ist nun online verfügbar:

DAS BILDNIS EINES BEHINDERTEN MANNES beschreibt die Inhalte und Phasen eines transdisziplinären und partizipatorischen Forschungsprojekts der Universität Innsbruck, dessen Ausgangspunkt jenes über 400 Jahre alte, lange Zeit als “Bildnis eines Krüppels” betitelte Kunstwerk ist. Fragen über Blicke auf behinderte Menschen von der frühen Neuzeit bis heute stehen im Mittelpunkt der Auseinandersetzung: Wie können Blicke auf behinderte Menschen wissenschaftlich und künstlerisch interpretiert werden? Wie können behinderte Frauen und Männer heute ihr Wissen dazu einbringen? Wie wollen Menschen mit Behinderungen selbst wahrgenommen werden?

Diese und weitere Fragen  zum alltagspraktisch und wissenschaftlich bedeutsamen Bildverständnis von Behinderung sind Gegenstand der projektbegleitenden Buch- und Filmdokumentationen.

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[Wissenschaftlicher Sammelband + Ausstellungskatalog]

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Sloterdijk, Steiner und die Alchemie des Alltags

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Vor ungefähr drei Jahren berichteten wir von der Ausstellung “Rudolf Steiner – Die Alchemie des Alltags” über die Ideenwelt und den weitreichenden Einfluss des Begründers der Anthroposophie.

Der folgende Video-Mitschnitt dokumentiert ein Gespräch Peter Sloterdijks mit dem damaligen Ausstellungskurator Mateo Kries über die Designkomponente Rudolf Steiners ebenso wie über Reformertum früher und heute, sowie über den Unterschied zwischen Gurus und “ganz normalen Genies”.

Ergänzend zu diesem Gespräch: Ein Interview aus der WELT (25.10.2011)

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When I walk (Trailer)

In 2006, 25-year-old Jason DaSilva was on vacation at the beach with family when, suddenly, he fell down. He couldn’t get back up. His legs had stopped working; his disease could no longer be ignored. Just a few months earlier doctors had told him that he had multiple sclerosis, which could lead to loss of vision and muscle control, as well as a myriad of other complications. Jason tried exercise to help cope, but the problem only worsened. After his dispiriting fall on the beach, he turned to his Mom, who reminded him that, despite his disease, he was still a fortunate kid who had the opportunity to pursue the things he loved most: art and filmmaking…

Documentary, 2013
www.wheniwalk.com

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Book Review (german): Budenzauber Inklusion

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AG SPAK Bücher, Juli 2013, 147 S., kart., 16 €; ISBN 978-3940865571

In der öffentlichen Debatte um die Gleichstellung von Menschen mit Behinderungen ist der Begriff der Inklusion von zentraler Präsenz. Der mit respektablen Zielen und ebenso großen Hoffnungen verbundene Terminus gilt dabei als durchweg positiv besetzt und wird in seiner Bedeutung, zumal in Bezug auf damit verbundene normative Aspekte, nur selten hinterfragt.

Doch wer entscheidet darüber, ob Inklusion gelungen oder gescheitert ist? Wer bestimmt zwischen zumutbaren und unzumutbaren Barrieren? Welche Kriterien spielen hierbei eine Rolle?  Fragestellungen, wie sie auch schon in der – dem Inklusions-Diskurs vorausgehenden – Integrationsdebatte auf der Agenda standen.

Wenn als integriert erst gilt, wer sich im Sinne einer Normentsprechung „erwartungsgemäß“ verhält, dann wird ein ungleiches Machtverhältnis erkennbar. Urteile darüber, ob Integrationsversuche als erfolgreich oder misslungen gelten, werden in der Regel von nicht-behinderten Entscheidungsträgern gefällt. Der sich daraus ergebende, leistungs- und verhaltensorientierte Anpassungsdruck macht deutlich: Statt Inklusion drohen nach wie vor Verschärfungen von Exklusionstendenzen.

Udo Sierck, langjähriger Aktivist der politischen Behindertenbewegung, in den frühen 1980er Jahren unter anderem als Redaktionsmitglied der „Krüppelzeitung“, veranschaulicht aufmerksam und bildhaft die unterschiedliche Dimensionen und Schwierigkeiten der Inklusionsdebatte, indem er vermeintliche Alltagsnormalitäten kritisch hinterfragt und mit behinderungsrelevanten Sichtweisen konfrontiert.

Tom Bieling, Februar 2014

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Fotowettbewerb “Geliebte Technik” (Ambient Assisted Living)

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Zeigen was Technik alles kann!

Der berufsbegleitende Masterstudiengang Ambient Assisted Living der HTW Berlin sucht im Rahmen des Fotowettbewerbs 2014 kreative Fotografien, die zeigen wie Technik geliebt und gelebt wird.

Sie haben ein technisches Produkt oder selbst gebaute Technik, die Sie in Ihrem Alltag nicht mehr missen möchten und die vielleicht nicht nur Ihnen sondern auch das Leben anderer erleichtert? Dann möchte die Jury Ihr technisches Produkt und seine besondere Funktion in Form eines Fotos kennen lernen! Dabei soll die Funktion des Produkt zum Vorschein kommen und ins rechte Licht gerückt werden. Die Gewinnerbilder werden in einer 6-wöchigen Wanderausstellung in drei unterschiedlichen Räumlichkeiten in Berlin ausgestellt.

Der Einsedeschluss ist der 21. April 2014.

Mehr infos zum Wettbewerb finden sich hier!

 

Fotowettbewerb-geliebte-Technik-2014
[Flyer vergrößern!]

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DFG Roundtable Design Research (Video)

The Design Research Lab conducted an intense two-days event: The DFG Roundtable Design Research. Numerous highly profiled positions from the international field have been brought together in order to compare, discuss and map the different approaches and perspectives within design research. The Roundtable aimed at comparing, discussing and mapping the different approaches and perspectives within design research.


PARTICIPANTS
Marcel Befort, Malte Bergmann, Tom Bieling, Uta Brandes, Katharina Bredies, Gerhard Buurman, Rachel Cooper, Michelle Christensen, Florian Conradi, Clive Dilnot, Michal Eitan, Sabine Foraita, Bill Gaver, Ranulph Glanville, Sandra Groll, Matthias Held, Fabian Hemmert, Bianca Herlo, Michael Hohl, Wolfgang Jonas, Gesche Joost, Stefanie-Vera Kockot-Baur, Klaus Krippendorff, Ralf Michel, Marc Pfaff, Mike Press, Jure Purgaj, Chris Rust, Florian Sametinger, Arne Scheuermann, Corinna Schmidt, Jennifer Schubert, Peter Stephan, Ezri Tarazi, Cameron Tonkinwise, Andreas Unteidig, Susann Vihma, Axel Vogelsang, Brigitte Wolf, Christian Wölfel

A MOVIE BY
Manuel Krings & Jacob Watson

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Art Blind at Sommerblut


Sommerblut“, the cologne-based festival of multi polar culture sees itself as inclusive culture Festival, which combines different social, political and social positions and identities. We found a short video from last year’s vernissage of the “Art Blind” Exhibition, which took place during the 2013 Version of Sommerblut Festival. “Art Blind” was curated by Dr. Siegfried Saerberg.

Artists: Jonathan Huxley, Rolf Birge, Lynn Cox, Halldór Dungal, Marian Edwards, Sanja Falisevac, Karla Faßbender, Michael Gerdsmann, George Kabel, Günter Kamolz, José Graña Moreira, Tim Oegema, Gaetano Ribaudo, Barbara Romain, Eckhard Seltmann und Flavio Titolo.

The next Sommerblut Festival will take place in may 2014.

See you in Cologne!

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Disability Awareness

Disabiliy Awareness Campaign from 2011…

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Social Design: Geschichte, Praxis, Perspektiven

Eine Tagung der Gesellschaft für Designgeschichte und des Museums für Kunst und Gewerbe, Hamburg, 9. und 10. Mai 2014

Tagungsort: Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg

Social Design hat in den letzten Jahren einen regelrechten Boom erfahren und erscheint omnipräsent. Aktuell wird Social Design geradezu inflationär als eine Art „greenwashing-Begriff“ für einen Großteil unspezifischer designerischer Aktivitäten und Produktion disqualifiziert. Social Design scheint in diesem Kontext einen kulturellen Mehrwert zu bieten, aus dem sich zugleich ein ökonomischer Gewinn abschöpfen lässt. Diese Praxis verstellt den Blick auf die Tatsache, dass sich Design über seine funktional-ästhetische Wirkungsmacht hinauswachsend in den letzten Jahren weltweit zu einer immer wichtigeren Säule einer nachhaltigen, sozial-politischen Agenda entwickelt. Aber was macht die soziale Dimension im Design aus? Welches Potenzial besitzt Social Design? Hat Social Design eine Geschichte? Können wir von einer Theorie des sozialen Designs sprechen?

Der Begriff des Social Design konzentriert sich auf verschiedene Aspekte, die das Soziale des Designs betreffen. Seine heutige Relevanz erhielt der Begriff zuerst in den 1970er Jahren im Zusammenhang mit der Bürgerbeteiligung in der Architektur sowie in den Diskussionen um die Einbindung der Lebenswelt in die Gestaltung: „Sozio-Design ist also Entwurf und Realisation von Formen der Lebensorganisation für Einzelne und Gruppen von Mitgliedern unser Gesellschaft.” (Bazon Brock,1977). Mittlerweile haben die theoretischen Konzepte zu den sozialen Wechselwirkungen zwischen Gegenständen und Menschen mit den „cultural studies“, der „material culture“ und der ANT (Akteur-Netzwerk-Theorie) eine enorme wissenschaftliche Vertiefung und Ausweitung erfahren. Gleichzeitig sind in der Praxis zunehmend Produzenten und Benutzer aktiv in den Designprozess einbezogen worden.

Historisch betrachtet hat das Soziale der gestalteten Dinge von Beginn an – seit den Reformbewegungen im 19. Jahrhundert – die Zielsetzungen des Designs geprägt. Somit lässt sich an den unterschiedlichen Vorstellungen bis heute eine Geschichte des Sozialen im Design rekonstruieren. Dabei wird häufig unterstellt, dass in der Vergangenheit die Klassische Moderne das Soziale den Bedingungen der Produktion sowie einem ästhetischen Dogmatismus unterworfen habe.

Neben der Geschichte und Theorie des Sozialen im Design soll die aktuelle gestalterische Praxis des Social Design einen weiteren Schwerpunkt der Tagung bilden (vgl. Kunstforum International, Bd. 207, März-April 2011). Das Spektrum reicht von den Gartenstädten des 19. Jahrhunderts über Victor Papaneks „Design for a real world“ bis zu aktuellen sozialen Designprojekten. Wir möchten in einem Dialog zwischen Wissenschaft und Gestaltung zu einer kritischen Diskussion über die gestalterischen Perspektiven eines sozial orientierten Designs beitragen.

Die Tagung Social Design. Geschichte. Praxis. Perspektiven unterzieht den Begriff einer inhaltlichen Revision und fragt nach der aktuellen Relevanz in der gesellschaftlichen Praxis. Die kritische historische und theoretisch fundierte Betrachtung soll dazu beitragen, die Perspektiven für ein sozial orientiertes Design besser einzuschätzen.

Die Beiträge fokussieren auf folgende Themen:

  1. Geschichte des Social Design
  2. Theorie des Social Design: Social Design als Disziplin
  3. Praxis des Social Design: Wie sehen die Handlungsfelder aus? Wo befinden sich die Inkubatoren? Welche Rolle spielt die Ausbildung, welche Rolle spielen die Designer, welche Rolle die Institutionen?
  4. Perspektiven des Social Design: Welches sind die Wirkungsweisen von Social Design? Welchen Anteil kann Design als Katalysator gesellschaftlicher Transformationsprozesse haben? Welche Bedeutung besitzt Design in der internationalen politischen Agenda?
  5. Wie kann Social Design ausgestellt werden? Ausstellungen sozial orientierter Gestaltungen erfordern andere Herangehensweisen als eine Schau der schönen Dinge, die in Vitrinen ihrer Betrachtung harren.

Organisation:
Claudia Banz ( Museum für Kunst und Gewerbe); Siegfried Gronert, Wolfgang Schepers, Petra Eisele (Gesellschaft für Designgeschichte / GfDg)

Die Gesellschaft für Designgeschichte e. V. wurde 2008 gegründet und verfolgt das Ziel, die Auseinandersetzung mit der Geschichte des Designs zu intensivieren sowie historische Forschung und Praxis miteinander zu vernetzen.

Mit rund 500.000 Objekten aus 4.000 Jahren gehört das Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg zu den führenden Museen für Kunst und Design in Europa. 2012 hat das Museum mit der Eröffnung der Designabteilung neue Maßstäbe in der Präsentation und Vermittlung von Design gesetzt. Mit unterschiedlichen Ausstellungsformaten, Symposien und Debatten mischt sich das MKG in aktuelle Diskurse ein, die die komplexe Bedeutung von Design in der heutigen Gesellschaft beleuchten und hinterfragen.

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New Book: The History of Sustainable Design

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click to enlarge!

The new publication ‘Die Geschichte des nachhaltigen Designs‘ (= The History of sustainable Design) by Karin-Simone Fuhs, Davide Brocchi, Michael Maxein & Bernd Draser (Hrsg.) contains a contribution by Design Research Lab‘s Tom Bieling, Florian Sametinger and Gesche Joost. The article is entitled ‘Die soziale Dimension des Designs’ (=The social dimension of Design).

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F L U G M U S I K (Kollisionen 2014)

Eine Woche lang arbeiteten Studierende aus verschiedenen Fachbereichen der Berliner Universität der Künste (UdK) zusammen an fliegenden Klangobjekten und klingenden Flugobjekten. Objekte, die schweben, gleiten, geworfen oder katapultiert werden. Objekte, die klingen, singen, knattern und flüstern. Einzige Grundbedingungen: kein Strom, kein Schwarzpulver.

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Das Projekt F L U G M U S I K ist Teil der “Campus Kollision” 2014.

Leitung:
Tilmann Dehnhard (Jazzinstitut Berlin)
Tom Bieling (Design Research Lab)

Videoschnitt: Antje Lass

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PACHA — Kollisionen von Tanz und Design

Im Rahmen der “Kollisionen 2014” (UdK) sah das Projekt PACHA eine Serie von Experimenten und Improvisationen vor. Ziel des Projektes und seiner Teilnehmer war es, sich mit Objekten und Materialien in RaumZeit-Konstellationen zu befördern, deren Wechselwirkungen Klang erzeugen.

Aufgrund der Raumgröße war es lediglich 100 Personen aus dem Kreise der Kollisionen-Besucher vorbehalten, dieser eindringlichen Performance beizuwohnen. Die folgende Aufnahme entstand im Rahmen des Grande Finale, der Präsentation der Ergebnisse der Kollisionsprojekte am 10.01.2014 in den HTZ Uferstudios, Berlin.

PACHA Projektleiter:
Wanda Golonka, Axel Kufus, Amelie Hinrichsen, Christian Zöllner

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Duet for Crutches

Next Week the “Flugmusik” project will be starting at UdK. As we mentioned earlier: it’s gonna be cool and we will keep you posted about the process of the project. One cool aspect in advance can be found in (Co-Initiator) Tilmann Dehnhard’s Vita. In a live concert with Ittzés Gergely he gave some good example for non-intentional design with a strong relation to our DESIGNABILITIES approach. Here is a short video of their “Duet for crutches” performance in Budapest (January 2013):

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Book Review (german): Körper 2.0 – Über die technische Erweiterbarkeit des Menschen

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Transcript, Oktober 2013, 144 S., kart., 17,99 €; ISBN 978-3-8376-2351-2

Dass im Zuge zunehmender Vernetzung und den uns permanent umgebenden, unterstützenden oder behindernden Dingen, unsere Körper immer nur „teilweise unsere“ sind, eine strikte Trennung von Mensch und dem „Anderen“, der Technologie oder der Maschine also nicht immer ganz einfach zu vollziehen ist, liegt auf der Hand: Stets handelt etwas mit, wenn wir handeln, denkt etwas mit, wenn wir denken, empfindet etwas mit, wenn wir empfinden.

Welche Begriffe, welche Bilder, welche Erzähl- und Deutungsweisen haben wir jedoch, um besser verstehen zu können, dass unser Alltagsleben von nicht-menschlichen Akteuren, und somit auch wir selbst von sozialen und maschinischen Technologien durchdrungen sind?

In Körper 2.0 geht die Kulturwissenschaftlerin Karin Harrasser der Frage nach dem Status des Körpers im Zeitalter seiner technischen Überarbeitung nach. Und zeigt Wege auf, wie wir anders über diesen Zustand nachdenken können.

Ins Zentrum des Interesses rückt dabei: der Homo Protheticus, also der zum Artefakt konzipierte Mensch, der als Mängelwesen auf technoide, künstlich generierte Weise zunehmende Optimierung im Sinne einer Komplettierung erfährt. Es stellt sich dabei die Frage, inwieweit den Körper betreffende Eingriffe künftig weiterhin als Kompensation von Defiziten begriffen, oder aber als erstrebenswerte Optimierung und Erweiterung verstanden werden.

Aus der anthropotechnischen Option, der „Machbarkeit“ des Körpers lässt sich freilich nicht nur vorteilhaftes ableiten, wie sich etwa am Beispiel von Prothesen vermuten ließe. Längst ist eine „verinnerlichte Kultur der Selbstverbesserung“ zum gesellschaftlichen Imperativ geworden. Im Dickicht aus Schönheitswahn, Enhancement-Präparaten, verschärftem Wettbewerb und krisengebeutelten Zeiten der Ungewissheit gedeiht eine verhängnisvolle, nicht zuletzt der neokapitalistischen Logik entsprechende Ideologie der fortwährenden Selbstoptimierung.

Wie es dabei gelingen kann, der Dauerpräsenz überindividueller, nicht-menschlicher Wesen im Zusammenleben sinnvoll zu begegnen, wird angesichts der wachsenden Möglichkeiten von Bio- und Medizintechnik zunehmend wichtiger und gleichermaßen schwieriger zu beantworten. Karin Harrasser liefert einen ersprießlichen Baustein dahingehend, wie den genannten Entwicklungen begrifflich und praktisch, programmatisch und spekulativ, bildhaft und narrativ begegnet werden kann, um „die Abhängigkeiten und Anhänglichkeiten zwischen technischen und organischen Akteuren besser zu beobachten, zu analysieren, zu gestalten.“

Tom Bieling, Dezember 2013

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Book Reviews (german)*: FabLab, Home made Bio Electronic Arts, Lucius Burckhardt Writings, Sensing Place.

FabLab – Of Machines, Makers and Inventors Julia Walter-Herrmann, Corinne Büching (Hg.)

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Bielefeld [transcript] 2013, 262 Seiten. 29,80 Euro. ISBN 978-3-8376-2382-6

       Das erste FabLab startete 2002 am Bostoner MIT und dient seither als Vorbild für eine welt- weit wachsende Maker-Community. Das Buch zeigt, dass das bunte Dickicht aus 3-D-Druckern, Lasercuttern und CNC-Fräsen neben technischen und gestalterischen Potenzialen auch An- knüpfungspunkte für einen globalen Diskurs zur Demokratisierung von Bildung und Wissen sowie zur ökonomischen Selbstbestimmung und politischen Partizipation bietet. »FabLab« könnte sowohl Medientheoretiker und Pädagogen als auch Frickler und Soziologen zu neuen Strategien anregen

 

Home Made Bio Electronic Arts Dominic Landwehr, Verena Kuni (Hg.)

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Basel [Christoph Merian Verlag] 2013, 224 Seiten. 19 Euro. ISBN 978-3856165673

Dieses Buch beschäftigt sich mit Bio-Hacking. In den Grenzbereichen zwischen Naturwissenschaften und Computertechnik tummelt sich eine Community, deren Eingriffe in die Natur nicht selten mit Sorge aufgenommen werden. Die Frage, wie weit der Mensch noch vom Cyborg entfernt ist, wird hier nicht final beantwortet, doch die Praxisbeispiele und die mit Kurzporträts gespickte Einführung sind erfreulich laiengerecht aufbereitet.

 

Lucius Burckhardt Writings – Rethinking Man-made Environments Jesko Fezer, Martin Schmitz (Hg.)

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Berlin [Springer] 2013, 288 Seiten. 39,50 Euro. ISBN 978-3-7091-1256-4 

Eine ergiebige Auswahl Burckhardts kritischer Analysen zu Architektur, Design, Landschaft, Mensch und Politik. Die Texte des Schweizer Soziologen und Begründers der Promenadologie (Spaziergangs- wissenschaft) sind stets auch Plädoyer für einen weit gefassten Gestaltungsbegriff und somit Pflichtlektüre für alle, die sich mit Planung und Gestaltung beschäftigen. Nun endlich auch auf Englisch.

 

Sensing Place – Zur medialen Durchdringung des urbanen Raums Haus für elektronische Künste Basel (Hg.)

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Basel [Christoph Merian Verlag] 2013, 132 Seiten. 19 Euro. ISBN 978-3856165819

In einer Zeit, in der soziale Online-Plattformen und Geoinformationsdienste ihre Daten fusionieren, verändern sich nicht nur die Definitionen von Freiheit, Anonymität oder Sicherheit – auch die Erfahrung von Stadt und Raum ist eine andere. Insbesondere mobile Technologien eröffnen einen komplexen Handlungsspielraum innerhalb eines vernetzten Hybridraums aus physischen und virtuellen Bestandteilen. Anhand von theoretischen Annäherungen und künstlerischen Statements setzt sich »Sensing Place« multiperspektivisch mit dem Phänomen der medialen Durchdringung unserer Umgebung auseinander und bietet originelle Ansätze zu möglichen Neugestaltungen des urbanem Raums.

* Alle vier Buchtipps von Tom Bieling, veröffentlicht im WEAVE magazin, Ausgabe weave 05.13

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Book Reviews (german)*: mashup cultures, design act und was der Mensch wirklich braucht

mashup cultures edited by Stefan Sonvilla-Weiss

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Wien [Springer] April 2010, 156 Seiten, circa 32 EUR. ISBN 978-3709100950

Eine ebenso erhellende wie unterhaltsame Kompilation über Techniken und Praktiken der MashUp-, Remix- und Sampling Kultur. Mal meta-analytisch, medientheoretisch, mal anwendungs-orientiert und mit Beispielen aus der Praxis gespickt, nähern sich 14 Autoren artverwandten Themenfeldern wie Open Participation, Unifinished Artifacts oder Common Property.  

 

Design act – Socially and politically engaged design today – critical  roles and emerging tactics edited by Magnus Ericson and Ramia Mazé

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Berlin/New York [Sternberg Press/laspis] 2011, 304 Seiten. ISBN 978-1934105610

Zugegeben, der rote Faden verblasst bisweilen in dieser ansonsten plausibel argumentierten Betrachtung von Design als kritischer Praxis im Kontext von sozialen und politischen Angelegenheiten. Doch angereichert durch Experteninterviews mit Vertretern der akademischen und nicht-akademischen Welt, wird das Ganze dann doch wieder greifbar. Insbesondere dann, wenn die Protagonisten nicht nur ihren Idealismus protegieren, sondern auch über die Schwierigkeiten und Taktiken in ihren mitunter provokativen Projekten sprechen.


Was der Mensch wirklich braucht Martin Gessmann

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München [Fink] 2010, 163 Seiten, 19,90 EUR. ISBN 978-3770547906 

Was im Titel zunächst nach Lebensratgeber klingt, kommt in Wirklichkeit gleichermaßen klug und kurzweilig als technikphilosophische Auseinandersetzung mit der Frage daher welche Rolle Technik und der Umgang mit Apparaten in unserem Leben spielen.

* Alle drei Buchtipps von Tom Bieling, veröffentlicht im WEAVE magazin, Ausgabe weave 03.13

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Guerrilla Art Project gives Birth To NYC’s New Wheelchair Symbol

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A while ago, we reported from Sara Hendren‘s and Brian Glenney’s great accesible icon project. Now, we are even happier, to see that her project caught its deserved attention by NYC authorities. Congrats, Sara!

On fastcodesign you can reade the full article about “How A Guerrilla Art Project Gave Birth To NYC’s New Wheelchair Symbol”.

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[The new Icon]

 

 

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«Get closer», … «because who is perfect?»

The latest campaign by Pro Infirmis:

Two years ago, they already caught attention by their “get closer” campaign:

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“Flugmusik” – Jazz Institute Berlin meets Design Research Lab

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[Dehnhard & Bieling: F L U G M U S I K]

The Jazz Institute Berlin and the Design Research Lab are going to collaborate for early 2014. In the project Tilmann Dehnhard and Tom Bieling are going to work on flying objects that sound and sound objects that fly. It’s gonna be cool and we will keep you posted about the process of the project…

 

 

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Job Opportunity: Student Worker (f/m) in alternative Interaction.

Job Opportunity: Student Worker (f/m) in „alternative Interaction“.

The Design Research Lab at Berlin University of the Arts is looking for two student workers (f/m) to support us in the project “SPEECHLESS” from now to June 2014 (4 – 6 months).

Start date: January 1st or 15th of January 2014

Description The interdisciplinary research project “SPEECHLESS” aims at analysing and developing novel interactive interfaces. The work will mainly revolve around an (interaction) design research project project investigating the impact of interaction design in the context of Deafness and Blindness. Aside from that, the student assistant will partly support other projects and will develop an overview of the Lab‘s ongoings.

Main field of practice for the student assistant will be on exploring and designing novel design interactions, corresponding interfaces and their social context while crossing the boundaries of design and science.

Project tasks (depending on the focus of the two student assistant positions)

▪    Conceptual design and development of interfaces

▪    Prototyping Interactions

▪    Development and construction of experimental interface elements

▪    Preparation and assistance in user-workshops

▪    Electronic prototyping, basic software development, construction of textile circuits

▪    Project documentation (print and online)

You should be enrolled as an undergraduate or graduate student of interaction design, communication design, fashion or textile design, computer science or related fields. Following skills are important to us:

▪                Experience in Interaction Design

▪                Interest in experimental interfaces

▪                Interest in Design Research

▪                Experience with Adobe Creative Suite

▪                Experience in Prototyping

▪                Interest in physical Computing

▪                Layout, documentation and visualization

▪                Strong visual language

▪                Fluent in English (spoken and written)

▪                Ability and wish to work in dynamic teams

Programming knowledge (Java, Android, iOS), basic skills in dealing with electronic component, experience with textile production techniques are a plus.

Application process Please send an e-mail including your CV and short portfolio or link to your online portfolio to Tom Bieling (tom.bieling@udk-berlin.de) a.s.a.p. We will close applications on december 15, 2013.
The position is paid according to ”Tarifvertrag für studentische Hilfskräfte II” (TV Stud II). Duration is 6 months (optional: 4 months), 20 hours/week.

We are looking forward to your application.

www.drlab.org

http://www.design-research-lab.org/?news=job-opportunity-student-worker-fm-in-alternative-interaction

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Theometrica

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[Theometrica (by Oscar Palaou and Alexander Müller-Rakow); Foto: T. Bieling]

A couple of days ago, we mentioned the Theometrica Installation, which will be exhibited until december 13. For those, who won’t be able to see it…here is a little video!

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Community Infrastructuring

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Communities can be understood as forms of active engagement, collaboration and knowledge sharing which create new social bonds and be regarded as catalysts for social innovation and participation.

The community infrastructuring research group (Florian Sametinger, Jennifer Schubert, Andreas Unteidig, Malte Bergmann and Bianca Herlo at Design Research Lab Berlin), combines different scholarly perspectives, i.e. urban studies, cultural studies, interaction design and design research, in order to create synergies and new points-of-view on possible futures in the development of urban communities.

Community infrastructing investigates social, material and technological means which enable citizens to address relevant issues. The transdisciplinary research approach is grounded on a meaningful understanding of social contexts, designed artifacts and a research-through-design approach.

This is very much connected to an investigation and pragmatization of the different perspectives of sustainability, of the possibilities of empowerment and of fostering infrastructures for participation.

The overarching goal of the research group is to investigate the role of design in fostering social communities in an urban context.

 

 

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Interaction and Interface Design for and with People with Dementia

This Berlin-based project has been running since 2012 and already lead to promising results:

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Dementia is a syndrome that mainly affects people over the age of 65 and the probability is increasing with age. Current literature and statistics show that the number of people with dementia will double by 2050 in Germany, as about 200,000 new cases are annually expected. Furthermore there are approximately 10 million sufferers in Europe and nearly 18 million cases of dementia worldwide.

People with the most forms of dementia face the progressive and nowadays still incurable degeneration of their cognitive powers and commonly one particularly devastating effect – loss of memory. This affects their ability to carry out previously familiar tasks, like getting dressed or making a cup of tea, and to recognize places, individuals and objects. Those with dementia often feel lost in terms of time and place. As symptoms progress people with dementia increasingly become dependent on others to help them cope with the challenges of daily life.

This research concentrates on interaction and interface design, investigating how contemporary technology could support people with dementia to handle their daily tasks and activities, such as remembering appointments, maintaining social contacts, performing activities of daily life and organizing their day.

The aim of the Interaction and Interface Design for and with People with Dementia project is literally to help people with dementia navigate through their day and to explore how interaction and interface design can be as simple and understandable so people with progressive cognitive impairment can independently use it.

In the project, people with mild dementia are the primary target group and they and their informal and professional carers are included in the development process of an application that aims to support them. User-centered and co-design methods are being used to involve stakeholders of dementia in this process, create new ideas and make decisions based on their experiences, rather than focusing on technology only.

We’ll keep you posted about further results and impressions…

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via DRLab 

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Design with the blind in mind

How should a city for the blind be designed? No,…how should a city in general be designed? Architect Chris Downey takes us on a trip from the perspective of a man who recently lost his sight and relates his non-visual senses to the world of architecture. And he tells about those two types of people: “Those with disabilities, and those who haven’t quite found theirs yet”.

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German TV report about some of our work…

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Lorm Hand connects deaf-blind people with twitter

On the 4th October an impressive protest march of the deaf-blind took place in Berlin. Many of the participants took the opportunity to express and tweet their thoughts, demands, needs, wishes and requests with the @LormHand.

The Lorm Hand is an installation, which connects deaf-blind people with twitter or other social networks. Using touch sensory technology, the Lorm Hand enables deaf-blind people to compose text messages by applying the tactile hand-touch alphabet LORM, a common way of communication used by the deaf-blind. After typing a message on the Lorm Hand, it can immediately be tweeted or shared with social networks.

The Lorm Hand was created by the Design Research Lab initially for this event, so that the protest would go online and could be shared with a broader community. Furthermore the Lorm Hand has been used as a tool of communication for other non deaf-blind people, who are generally interested in the topic “deaf-blindness” and who can use it as a learning tool, to literally get in touch with the idea of LORM or deaf-blind culture in general.

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Making a website tangible

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After a conversation with (Animation & Illustration) Design Student Ellie Pritchard from Kingston University London about here projects in the context of sensory technology research today, we do not want to miss to share her and her colleagues’  student project video, documenting their attempt to make the website of blind comedian Liam O’Carroll tangible and accessible to him.

Check out the fixperts video here!

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“Die Politik der Maker” DGTF Jahrestagung 2013

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DIE POLITIK DER MAKER 
Die gesellschaftliche Bedeutung neuer Möglichkeiten des Produzierens von Design

Jahrestagung der DGTF 2013
Fr. 22. – Sa. 23. November 2013
an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK)

ACHTUNG: DIE ANMELDUNG ENDET AM 17.11.2013!

Die Tagung „Die Politik der Maker“ möchte die Hintergründe der „Maker Culture“ in Vorträgen, moderierten Panels und Workshops ergründen. Es geht darum die neuen Möglichkeiten des Produzierens von Design vorzustellen, theoretisch zu beschreiben und kritisch zu reflektieren.

Wohin zielen die Ansätze? Sind die Diskussionen darüber Schattengefechte einer Totalisierung des Marktes? Ist D.I.Y. emanzipativ? Und überhaupt: Kann man die bessere Welt 3D drucken?

Das Ausfürliche Programm mit allen Vorträgen und Workshops finden sich hier:

DGTF-Tagungsprogramm

Im Anschluss an die Tagung findet am 24. November das 10. Kolloquium Design Promoviert in Zusammenarbeit mit der HFBK Hamburg statt. (http://www.design-promoviert.de )

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Vortrag Elke Bippus (18.11.2013): Epistemologien des Ästhetischen: Mikropraktiken eine (andere) Wissensform?

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Die Berliner RingvorlesungAnderesWissen-WS13-14 fragt nach der Alterität künstlerischen Wissens. In der Spannung oder auch Balance zwischen einem konsistenten Wissensbegriff und dem Besonderen, gar Anderen eines künstlerischen Wissens, liegen Reiz und Herausforderung der Fragestellung.

Warum werden die Künste überhaupt unter der Kategorie Wissen erfasst? Welche Legitimationsstrukturen verbergen sich dahinter? Wie verhält sich das Verschwenderische, Widerständige der Künste zu Erkenntnis und Innovation? Inwiefern wären Wissensformen in ihrer gesellschaftlichen Relevanz grundsätzlich zu überprüfen?

Die Ringvorlesung findet an sieben Terminen montags um 18 Uhr im Raum 110 in der Hardenbergstrasse 33 statt.

Am 18. November 2013 spricht Elke Bippus (Zürcher Hochschule der Künste) über
“Epistemologien des Ästhetischen: Mikropraktiken eine (andere) Wissensform?”

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Book Review (german): Cairo – Images of Transition. Perspectives on Visuality in Egypt 2011-2013 // Mikala Hyldig Dal (Ed.)

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[Transcript, September 2013, 186 S., kart., 34,90 €; ISBN 978-8376-2615-5]

Wie dokumentiert man Geschichte, die gerade selbst im Begriff ist geschrieben zu werden? Wie lässt sich demokratisches Verständnis visualisieren? Und wer sind die Akteure wenn sich Geschichte als Bild manifestiert? Mit „Cairo: Images of Transition“ kompiliert Mikala Hyldig Dal anhand zahlreicher Gastbeiträge eine Fülle an Positionen und Blickwinkeln auf die Wechselbeziehung von Politik und Ästhetik seit dem Beginn der ägyptischen Revolution. Und schafft damit einen bereichernden Blick auf die Ikonografie des Umbruchs.

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[Gleichzeitigkeit von medialer Inszenierung und ikonischem Entstehen: Junger Mann, der auf einer Demo vor der israelischen Botschaft sein Laptop in die Luft hält, auf dem ein Livestream genau jener Versammlung zu sehen ist, deren Teil er in genau diesem Moment ist]

Diese umfasst selbst Alltagsgegenstände, die in Zeiten des Umbruchs mitunter erstaunliche Prozesse der De- und Re-kontextualisierung durchlaufen, in dem sie dabei zu visuellen Zeichen, zu Metaphern, zum politischen Statement werden. Der blaue BH ist ein solches Symbol: Nachdem Sicherheitskräfte im Dezember 2011 eine Protestteilnehmerin brutal zusammenschlagen und halb ausziehen, wobei ihr blauer BH sichtbar wird, verbreitet sich eine Videoaufnahme der Tat viral millionenfach. Demonstranten tragen in den darauffolgenden Tagen Papptafeln mit Ausdrucken der Video-Szene durch Kairos Straßen. Bald schon finden sich Graffiti Stencils in Form von stilisierten BHs in Kairos Straßenbild. Innerhalb kurzer Zeit wandert eine Begebenheit von der Straße ins Netz und von dort wieder zurück auf die Straße und durchschreitet dabei unterschiedliche Abstraktions- und (Be-)Deutungsebenen. Die betroffene Frau selbst, ihr geschundener Körper, und dann das blaue Kleidungsstück werden zu Symbolen für staatliche Unterdrückung, Polizeigewalt und (insbesondere weiblichen) Widerstand.

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[Icons in Flux 1: Der blaue BH. Oben: Teilnehmerinnen eines Frauen-Protest-Marsches halten ein Video-Still des Vorfalls in die Höhe. Unten: In einer Street Art Interpretation des Vorfalls werden die Polizeikräfte als teuflische, behörnte Wesen dargestellt. Anstelle des blauen BHs trägt die Frau ein Oberteil in den ägyptischen Landesfarben] 

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[Icons in Flux 2: Der blaue BH. Oben: Leinwandbild – Die Polizeikräfte als animalische Wesen]

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[Icons in Flux 3: Der blaue BH. Reduziert auf ein Maximum an Aussagekraft – der blaue BH als Stencil]

Die im Buch thematisierte Ikonografie des Umbruchs unterstreicht den veränderlichen Status des Bildes als Kommunikationsmittel und dessen Potenzial als ausdrucksstarker Akteur im Wandel. Dies nicht zuletzt auch vor dem Hintergrund des technischen Fortschritts, dem im Zuge des Arabischen Frühlings eine nicht unbedeutende Rolle zu Teil wird. Allen voran die Ausstattung breiter Bevölkerungsschichten mit Mobiltechnologie und deren Zugriff auf soziale Netzwerke haben dazu geführt, dass jeder Moment ein potenzielles Bild, jedes Bild die Möglichkeit beinhaltet, soziale Identitäten, kulturelle Befindlichkeiten und politische Standpunkte zu konstruieren, kommunizieren und manifestieren.

„The Egyptian revolution has been called ‚the most televised revolution ever’“ (Annelle Sheline)

Dies gilt zumal vor dem Hintergrund gewalttätiger Machtausübung. Jedes Handy, jede Kamera ist auch potenzieller Zeuge und augenblicklicher Multiplikator. Daraus ergeben sich wechselseitige Konstellationen: Personen, Handlungen und Orte finden nicht mehr nur allein durch ihre physische Präsenz statt, sondern auch als abstrakt-virtuelle, imaginäre Sinnbilder. Im Gegenzug manifestieren sich medial transportierte Symbole in den Handlungen der Akteure und werden somit wieder greif-, spür- und sichtbar. Das wohl bekannteste Beispiel: Der von Menschenmassen bevölkerte Tahrir Platz, dessen Ansicht aus der Vogelperspektive nachhaltig in das kollektive Gedächtnis globaler Revolutions-Ikonografie eingeschrieben ist.

Kein Zweifel, der Umbruch seit der ägyptischen Revolution ist nicht nur Spiegelbild eines  gesellschaftlichen Wandlungsprozesses – auch visuelle Codes, Ausdrucksformen und kommunikationsbezogene Vertriebswege (zumal im öffentlichen Raum) stehen im Zeichen der Veränderung. Beides hängt unweigerlich miteinander zusammen. Das Buch durchleuchtet dieses Wechselspiel. Auf erhellende Weise.

[Tom Bieling]

Related Topics: http://designingsociety.wordpress.com

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RHEINBERGER + MAKINO (Lecture + Performance); Berlin 13. November

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Lecture, Performance
SYSTEMS, RELATIONS, SITUATIONS
HANS-JÖRG RHEINBERGER, YUTAKA MAKINO

WED 13.11.2013 | 19:00 h | Free admission
What do art and science have in common and what distinguishes them from one another? Over the course of three evenings, stipendiaries of the UdK Berlin (University of Art) discuss this question with their guests.

An evening dedicated to the experimental systems in art and science.

“It (experimental system) is a device that not only generates answers; at the same time, and as a prerequisite, it shapes the questions to be answered. An experimental system is a device to materialize questions. It cogenerates, so to speak, the phenomena or material entities and the concepts they come to embody.” – Hans-Jörg Rheinberger

A lecture by Hans-Jörg Rheinberger, Director of the Max Planck Institute for the History of Science, will be followed by a performance by Yutaka Makino. Moderation: Alberto De Campo, University of the Arts.

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[HKW – Haus der Kulturen der Welt; Berlin]

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Skintimacy

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Skintimacy is an interface that allows for the manipulation of electronic-based processes through touch. Depending on whom you touch, the way your bodies make contact influences the control of both analog instruments and digital setups. Alexander Müller-Rakow and his team developed Skintimacy by implementing an Arduino microcontroller to transfer data to software platforms in order to provide diverse opportunities for a playful control of audio and video. This kit, devoloped at Design Research Lab is intended to facilitate the symbiotic relationship between physical computing and the sense of touch.

skintimacy.org

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Design Research Lab in Berlin NeuKölln

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[Nacht und Nebel Installation: “Liebe Sonnenallee, “]

As part of the Nacht und Nebel festival in Neukölln, the Community Infrastructuring Team of the Design Research Lab will present the next level of their hybrid letter box. Opinions will be collected and combined with a projection as well as a discussion feature via text message.

See you at Café Schaumschläger or outside at the corner of Sonnenallee/Hobrechstraße. On Saturday, November 2 from 6 to at least 10.30 pm

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Experimenting with Biochip Implants

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Theometrica

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Our dear friends and colleagues Oscar Palou and Alexander Müller-Rakow – both experts in the field of generative sound synthesis – came up with this adorable sound interface. By fixing specific pins into a spinning disk, “Theometrica” can control sound elements in real time.

Brought to the public at Einsteinufer 43, 13353 Berlin. Until december 13.

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Book Review: Mobile Food and Foodhunting by Joseph Carlson

Mobile Food and Foodhunting by Joseph Carlson

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[Winwood48 Edition]

Jedermanns Sache wird die eigenwillige Buchgestaltung vermutlich nicht sein. Und auch  die einzelne Textzeile, die sich mittig über die komplette Buchlänge erstreckt, und dabei Assoziationen zu einem Straßen markierenden Mittelstreifen weckt, mutet zwar originell an, steht dem Lesefluss dann jedoch leider allzu sehr im Wege.

Nun ist es mit Büchern aber ja oft so wie mit exotischem Essen: Wer bereit ist, gewohntes Terrain zu überschreiten und sich auf Neues einlässt, der wird bald mit einer Fülle an inspirierenden Eindrücken belohnt. So dass auch vorrübergehendes Magengrummeln schnell in Vergessenheit gerät.

Joseph Carlsons und Mark Brownsteins Einblick in die balinesische Kochkultur schafft dies auf farbenfrohe Weise. So farbenfroh wie asiatische Straßenstände, so bunt wie die indonesische Küche, so schillernd wie Bali selbst. Das macht Freude und auch: hungrig.

So ähnlich muss auch die «red dot» Jury gedacht haben, die den Bildband kürzlich mit einem ihrer Design Awards auszeichnete.

[Tom Bieling]

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Exhibition in Berlin

We are part of this one…

E-Einladung (2)

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Exhibition in Edinburgh/UK

On friday, 21st of June, an interesting exhibition starts in Edinburgh/UK.

It also includes 3 works, developed in the DESIGN IN(G) SOCIETY Project,that was supervised by Tom Bieling in Cairo and Berlin last semester.

21.06.2013 | Opening 6.30 pm | Short Art Movies Screening

Arab Revolution Exhibition Art as Resistance.

Since 2011, the Arab Revolutions come with an effervescence of artists that resist, reveal, witness, motivate and demand, using their streets, blogs and other social media.

They explore a creative explosion of different visual styles to condemn the violence of the police and the corrupt regimes, but also to pay tribute to Martyrs and address discussions on culture, religion and society.

MIDDLE EASTERN SOCIETY | 19 GEORGE SQUARE

FREE ENTRY!

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[Exhibition Poster. Click to enlarge!]

Interestingly all three of the chosen projects share the overall topic of gender inequality in egypt:

Project: Don’t judge me! Aynour Tanataki, Farah Galal, Salma El Far, Samar Khazbak, Shaymaa Ezzo

Project: Female Smoking (Gender Inequality) Doha Salah, Farida Hamid, Olfat Helmy, Perihane Mohamedein, Yara Labib

Project: Sexual Harassment Aya Elsify, Esraa Thabet, Hend Awad, Mennat-Allah Kheireldin, Norhan Abdelmohsen, Noura Hussein

In december 2012, a group of 120 graphic-, media- and product-design students at GUC (German University in Cairo) participated in the project “DESIGN IN(G) SOCIETY”, lead by Tom Bieling (Design Research Lab, Berlin Uni­versity of the Arts), which focuses on the designer’s role in terms of understanding, influencing and creating social sustain­able processes in urban context.

The guiding question were: What role does the design of urban environment and public spaces play in terms of enabling or hindering social interaction? What role do “objects” play in this context? In this, a special fo­cus was laid out on social Interaction between people with “conflict potential” (e.g. old-young, man-woman, rich-poor, different cultural or religious backgrounds, state – people, etc….). Final goal of the course was, to find (designerley) ways of solving the social Problems, the participants discovered, using the broad range of de­sign-relevant issues and skillz (e.g. Product-, Service-, Information-, Interaction-, Event-, …Design).

The course was related to its partner project at GUC Berlin Campus (2012/2013), also conducted by Tom Bieling, and has been accompo­nied by a blog, meant to document the process and the outcomes of this project.

http://designingsociety.wordpress.com/

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Berlin Summer University of the Arts – Aging in Place: Exploring Concepts / Assembling Strategies

Our Design Research Lab will be running a five day workshop at the Berlin Summer University of the Arts. The Workshop is lead by Stefan Göllner (DRL) & Jan Lindenberg (IIDj).

Design Research Lab, July 29th – August 2nd 2013.

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Cities and regions are expected to change radically when a massive generation of old people will dominate society in the near future. »Aging in place« is a popular concept in the field of design and technology development targeting this expectation: aiming for interventions to improve the conditions for staying in a living environment for a long as possible.

How can we design for mobility, health care and community life to enable aging in context following an augmented understanding of place?

To tackle this question we want to go beyond negative prophecies of »alarmist demography« and positivist technology inspired concepts by exploring theoretical and practical knowledge related with the needs and constraints of aging.

Our research will be inspired by health care & gerontology, ICT Research and social sciences, anthropology and transhumanism, cultural traditions, fiction and science fiction – and everything the participants contribute to enrich an augmented scope on the concept of »Aging In Place«.

Students, researchers and professionals from different fields are invited to join this process, aiming for a multi perspectival view on the topic. We will therefore follow a mixed method approach to design research by assembling insights from textual sources, field excursions, scenario development and on-site interventions.

Results and findings will be collected systematically in an Index / Sampler / Cross-Media Glossary which will be the core result of the workshop. Registered participants will be invited to join a preliminary process of material collection in preparation of the workshop.

Workshop lead Stefan Göllner (design-research-lab.org) and Jan Lindenberg (www.iidj.org) at Design Research Lab of Universität der Künste Berlin, lead by Prof Dr Gesche Joost.

Registration: http://www.udk-berlin.de/sites/sommerkurse/
For further information please visit: http://www.aging-in-context.net

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Leidmedien

“Medien schaffen Wirklichkeit – Journalistinnen und Journalisten wissen das und bedienen sich leider dennoch häufig einseitiger Sprachbilder, Floskeln und Klischees. Formulierungen wie „an den Rollstuhl gefesselt“ oder „leidet an“ lassen negative Bilder im Kopf entstehen, die das öffentliche Bild behinderter Menschen prägen. Für sie heißt das, dass sie oft nur als Leidende, Opfer oder Helden wahrgenommen werden. Andere Lebensbereiche rücken in den Hintergrund, zugunsten von “Schubladen”, in die das Leben vieler behinderter Menschen nicht hinein passt. Statt ausgewogen zu informieren,  festigen die „Leidmedien“, wie wir sie nennen, das verbreitete Bild von Behinderung: Das schwere Schicksal, das überwunden werden muss – obwohl viele Menschen gerne leben, gerade auch mit ihrer Behinderung.”

Wie über Menschen mit Behinderung häufig berichtet wird –  und wie man stattdessen aber auch anders über Menschen mit Behinderung berichten kann: Wird dokumentiert auf Leitmedien.de.

www.leitmedien.de

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DFG Roundtable Design Research

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The Design Research Lab at Berlin University of the Arts is looking forward to an intense two-days workshop next week: the DFG Roundtable Design Research.

Even more, we are excited to meet our ca. 40 participants.
The list of participants really reads like a who-is-who in design research, since it contains names like

Klaus Krippendorff, Pelle Ehn, Bill Gaver, Chris Rust, Ranulph Glanville, Susan Vihma, Wolfgang Jonas, Rachel Cooper, Uta Brandes, Clive Dilnot, Gesche Joost, Mike Press, Cameron Tonkinwise, Ruedi Baur, Brigitte Wolf, … …. …

We will keep you up-to-date about the process and outcomes of this roundtable.
Everybody who is going to be in town, is more than invited to join the closing event on frideay the 22nd of march, 17-19h at

designtransfer, Einsteinufer 43-53, 10587 Berlin

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Current DESIGN RESEARCH LAB projects by our colleagues Katharina Bredies, Tom Bieling and Alexander Müller-Rakow will be shown in Munich from 21. – 24.2.2013.

Click fyers to enlarge!

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[Look Twice | Exhibition & Symposium, Munich February 2013]

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Radio Interview (Tom Bieling, Multicult FM, 24 October 2012)

Tom Bieling talks about the Project DESIGN IN(G) SOCIETY in this Radio Interview (Language: German).

To listen or download the Interview click here!

Or “watch” it on Youtube:


For further Infos on the project click here!

Project DESIGN IN(G) SOCIETY
In the winter semester 2012/13, a group of 9th semester product design students from German University in Cairo (GUC – Campus Berlin) have been participating in the Berlin based Project “DESIGN IN(G) SOCIETY”, lead by Tom Bieling (Design Research Lab, Berlin University of the Arts).

The intercultural project, related to the course “Advanced Research Methods”, focuses on the designer’s role in terms of understanding, influencing and creating social sustainable processes in urban context.

If you want to learn more about the project and DESIGN IN(G) SOCIETY,

check out:

http://designingsociety.wordpress.com/

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Symposium: Design as Cure

 

People in Berlin, tonight we recommend an look forward to meeting you at a very promising event: DESIGN AS CURE, organized by our friend and colleague Lisa Weiss.

 

Description (german):
Der weiße Arztkittel, die Therapie mit Placebopillen oder das Abhorchen des Herzens – Inszenierung, gestaltete Praktiken und Interaktionsrituale sind bereits Teil der Medizin und ihres Behandlungserfolgs. Insbesondere in der Organspende zeigen sich die Grenzen konventioneller Vermittlung. Viel zu sehr verhindern Ängste und Tabus eine Annäherung an dieses sich zwischen Medizin und Mythos befindenden Thema. Welche Aufgaben kann das Design als Vermittler in diesen medizinischen Prozessen übernehmen? Wie lassen sich mit Design die weichen Faktoren in der medizinischen Behandlung gestalten? Welche Praktiken und Artefakte sind vorstellbar, die einen gesellschaftlichen Umgang mit dem Thema Organspende ermöglichen? Im Rahmen des Symposiums ‘Design as Cure’ sollen Potenziale einer erweiterten Zusammenarbeit zwischen Medizin und Design diskutiert werden.

Begrüßung
Prof. Dr. Roland Hetzer
Ärztlicher Direktor, Deutsches Herzzentrum Berlin

Mit
Prof. Egon Chemaitis
Gestalter, UdK Berlin

PD Dr. Olaf Guckelberger
Transplantationschirurg, Charité Berlin

Prof. Dr. Axel Michaels
Ritualwissenschaftler, Universität Heidelberg

Prof. Dr. Ernst Pöppel
Medizinpsychologe, LMU München

Ein  Designprojekt von Lisa Weiss am
Institut für Produkt- und Prozessgestaltung Prof. Axel Kufus, UdK Berlin

Mit einer Ausstellung zur Bedeutung des Rituals in der Organspende.

Dienstag, 25. September 2012 18:30 Uhr
Galerie im Einstein · Unter den Linden 42

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Biohackers: A Journey into Cyborg America

The Verge’s Ben Popper explores the world of biohacking, where DIY cyborgs are pushing the bleeding edge of human enhancement. From basement labs to piercing shops. A documentary about the “grinder” culture that hopes to merge man and machine.

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Cybernetics for the Masses

Lepht Anonym on biohacking, implants, sensory extension, silicon and on how to hack your own perception of electromagnetic radiation for approximately thirty Euros.

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Teaching through Touch

A Project at Vanderbilt University on how technology can be used to teach math skills to the visually impaired…

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