About ‚Ethics in Design’.

The 105th College Art Association CAA Annual Conference, with its more than 250 Sessions, is considered to be one of the largest international gatherings of professionals and research in the visual arts environment. Andréa Poshar went to New York City in mid-February, to participate in the ‘Ethics in Design’ panel.

Organized by Andrew deRosa (Designer and Assistant Professor at the Queens College) and Laura Scherling (Design lead at the New School), the panel aimed at bringing into discussion the role of the communication designer, design practitioners and design educators towards their position to influence culture and persuade audiences.

According to deRosa and Scherling, “the purpose of the panel was to bring together diverse points from designers, researchers, and educators who are working at the intersection of design and ethics and to create a discourse around the issues”.

The panel exceeded expectations and covered a wide range of topics. Paul Nini (Ohio State University) examined a model for threading ethical content throughout design education curricula. By analyzing the curricula offered by design schools, Nini realized the importance of such discussion within graduate and undergraduate-level seminar and professional practices courses. Nini has been writing about ethics in design since the early 2000s, and he points out that among his first investigations, he found the speech delivered by Milton Glaser at the AIGA 2002 Voice Conference, where Glasser stated that in “AIGA’s code of ethics there is a significant amount of useful information about the appropriate behavior towards clients and other designers, but not a word about a designer’s relationship to the public.”. To Nini, it is necessary to keep the discussion on designer’s profession’s responsibilities towards its audience;

Meredith James (Portland State University) discussed social media designers as ethical interventionists. With few examples from Facebook, Instagram, Google, and mobile applications, the researcher presented her concerns about “the overall attitude, privilege and racial dynamic that permeates online culture”. What concerns James is the passivity with which the industry is handling ethical questions. Siri’s design for instance, cannot distinguish – neither filtrate – questions related to suicide and suicidal help. According to James, designers should question their role as social agents to what regards the development and coding of those social platforms.

In turn, Mariana Amatullo (ArtCenter College of Design, Pasadena) explored ethical questions regarding design education for social innovation and presented the rules of engagement in Design Education for Social Innovation. Amatullo, co-founder of the Designmatters at the ArtCenter, introduced some of the projects developed by the group. One of them was “Where’s Daryl?”, a middle school violence and gun prevention campaign developed in the fall of 2011 in Los Angeles (US). The second project presented was “Safe the Niños”, developed in Santiago, Chile. In partnership with COANIQUEM, a nonprofit Chilean pediatric burn treatment facility, Amatullo’s students were challenged to reinvigorate the 6-acre campus of the institution with innovative environments able to afford optimal healing for the children who stay in the center for their recovery/healing process. To Amatullo, design is uniquely positioned to catalyze our capabilities as human beings to be “free in action, responsible in society and wise in the pursuit of knowledge” (McKeon, 1964).

The chairs deRosa and Scherling summarized the multitude of themes that have emerged “touching on everything from ethical issues in design and technology and design pedagogy, to broaching issues that are often difficult to address in our field such as race and representation, the role of design in low-income communities, sustainability, politics, social justice, and philosophy. Ethics and design as a subject matter is topical, and ripe for further investigation“.

Given the rapid advancement in media technologies and its influence on the field, it seems especially timely to re-investigate the concept of ethics in design. As global communication (design) changes, the ways in which we practice design have also changed. New ethical considerations have arisen and it seems mandatory to all of us in the field to re-think it.

Andréa Poshar*March 2017

 

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References

Calabrese, Omar (1987): A Idade Neobarroca. Lisboa: Edições 70.
Certeau De, Michel (2010) L’invenzione del quotidiano. Roma: Edizioni Lavoro.
Eco, Umberto (1986). Towards a semiological guerrilla warfare. Travels in hyperreality, 135-150. New York: Harcourt, Inc.
Hollis, Richard (2001): Design Gráfico: uma história concisa. Tradução de Carlos Daudt – São Paulo. Martins Fontes,
Latour, Bruno (2005): Reassembling the Social. An Introduction to Actor-Network-Theory. London: Oxford University Press.
Meggs, Philips B. e Alston W. Purvis (2009): História do Design Grá- fico. Tradução de Cid Knipel. São Paulo: Cosac & Naify Edições,
McKeon, Richard (1964) Love and Wisdom, The Teaching of Philosophy in Journal of General Education. v.15, p. 239-49/
Poshar, Andréa (2014): Today’s culture jamming aesthetics: an investigation to understand the consumption of visual resistance in A Matter of Design: Making Society trough Science and Technology. p. 951-73.

 

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*Andréa Poshar is a Ph.D. researcher in Communication Design at Politecnico di Milano. She is a member of CARISM – Interdisciplinary Center for Research and Analysis of Media at Université Paris 2, Pantheon-Assas, Sorbonne Universities, and she also collaborates with the Research Lab on Typography and Graphic Language, Design Program at Senac University Center, São Paulo, Brazil. Poshar develops her research on creative resistance, design activism, media activism, and social and cultural changes. She teaches aesthetics of visual communication, art and media history, and creative processes on Advertising and Design Schools (University level). She joined the DESIGNABILITES Family in 2016.

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How much of this is fiction

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A new exhibition at HeK (Basel) explores the radical shift in the boundary between fiction and reality in a world increasingly governed by ‘post-truth’ politics.

Yesterday (May 22), a thrilling group show opened at HeK, focusing on critical artistic practices, which hover at the intersection between politics, the arts, theory, activism, and the media.”How much of this is fiction” focuses on politically inspired media art that uses deception in all its forms, and will be showing at HeK until 21 May 2017.

At the heart of the exhibition is the desire to address one of today’s most urgent political issues: the radical shift in the boundary between fiction and reality in public discourse, in a world increasingly governed by ‘post-truth’ politics. The exhibition shows the artist as ‘dark jester’, as trickster, using a variety of hoaxes, hacks and ruses to reveal the hidden workings of power structures and the possibility of alternative futures.

As well as acting as a timely reflection on the nature of truth in a time filled with fake news, misinformation, and tactical propaganda, the show also serves a historical purpose. Many of the high-speed media interventions showcased in the show are, to a degree, legacies of ‘Tactical Media’; a cultural and political movement that flourished in the late 90s. Tactical Media was the first to combine the power of art, the practices of PR and advertising worlds, and an experimental approach to digital media, to mount hit-and-run interventions in the media sphere aiming to create chaos as a means of generating political opportunity.

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The exhibition, curated by Annet Dekker and David Garcia (in collaboration with Ian Alan Paul) assembles works by Morehshin Allahyari, Heba Y. Amin, Arabian Street Artists (Caram Kapp and Don Karl), Mathieu Cherubini, Paolo Cirio, Coco Fusco, Paul Garrin, Maia Gusberti, HeHe, !Mediengruppe Bitnik, Robert Ochshorn, Julian Oliver & Danja Vasiliev, Ian Alan Paul, Superflux, The Yes Men, UBERMORGEN and Wachter & Jud. Also the spatial and graphic design, developed by Ruben Pater engages with themes of political protest, systems of control, and acts of obfuscation.

The different works shown at the exhibition shall trigger the discourse of how the influence of this media movement remains all around us. Whether it be the social media meme tactics of political extremists, the live streaming of police shootings to social and mainstream media platforms around the world, Trump’s midnight tweets, the exposure of the surveillance state through Snowden’s actions, or information unveiled by Wikileaks, it is clear that the critical role of “do it yourself” media politics is as crucial as ever.

Pavel Anshon, March 2017

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23.03.2017 – 21.05.2017

HeK – Haus der elektronischen Künste Basel
Freilager-Platz 9
4142 Münchenstein / Basel
CH

Admission: 9 / 6 CHF

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Things to Come. Science – Fiction – Film (Exhibition Review)

 

 

 

 

How will the future look like? How will we work, communicate, travel, – live? How will new technological devices be integrated into our daily lives? Which impact will upcoming designs have on us? Those are questions that not only scientists and politicians are dealing with, but also the science fiction genre. In this genre people are trying to predict possible developments in society, culture and technology, and transform their visions into storylines.

The exhibition “Things to Come”, currently on show at the Deutsche Kinemathek in Berlin*, presents a large number of science fiction movies from various times and analyses how they are visualising the near or more distant future. Curated by Kristina Jaspers, Nils Warnecke and Gerlinde Waz, and designed by studio Franke | Steinert, the exhibition is presented on three floors, each level giving the stage for one chapter: Space, The Society of the Future, and The Other.

Exhibition view: “Things to Come” at Deutsche Kinemathek (Berlin), curated by
Kristina Jaspers, Nils Warnecke, and Gerlinde Waz; exhibition design by
Franke | Steinert. Photos: Marian Stefanofski

When it comes to science fiction movies, design is involved in many layers and goes far beyond costume and set design. For Stanley Kubrick’s “2001: A Space Odyssey” (GB/USA, 1968) for example science advisers, illustrators and concept artists were consulted for their predictions of the technology of 35 years in the future. On top of this, also design teams of real-life spacecraft contractors including IBM, RCA and General Electric were asked for advice. The portable computer used in the movie was created in collaboration with Honeywell.

Often science fiction movies can offer an authentic outlook into the future: The concept and design of Cyberspace glasses used in “Until the End of the World” (D, F, AU, 1991) can be seen as predecessor for Google Glass or Zeiss VR One: Virtual Reality Glasses that were launched in real life in 2014. Looking at the design of rich people’s flats in “Logan’s Run” (USA, 1976) lets one draw links to current visions of smart homes.

Left: Niterói Contemporary Art Museum by architect Oscar Niemeyer. Photo:
Yadid Levy / Alamy. Right: Cloud City from “Star Wars: The Empire Strikes Back”
(USA, 1980). Image courtesy: starwars.wikia.com

However, since science fiction films also always say something about the time in which they originate, some design is inspired by already existing things. The architecture of “Cloud City” designed by Joe Johnston for “Star Wars: The Empire Strikes Back” (USA, 1980), resembles Oscar Niemeyer’s sculptural buildings. And TARS Robot from “Interstellar” (USA/GB, 2014), which is meant to be the materialisation of future artificial intelligence, was inspired by the work of Bauhäusler Ludwig Mies van der Rohe. A prediction of the future is of course based on what is already known: This is due to the fact that nobody can escape their own time, but also because spectators need to be able to recognise certain things in order to understand and follow the storyline. Protest posters designed for the movie “X-Men: The Last Stand” (USA/GB, 2006), for example, are depicting the raised fist, a symbol used by various activism groups in real life since the beginning of the 20th century.

Reading this exhibition from a design point of view does not only show with how many fields the design discipline is interlinked. It also makes clear what freedom can mean to designers: Being able to work on projects that are detached from customer markets, tight schedules and expectations from commissioners to simply re-design the tried and trusted, can animate to think out of the box and to truly be innovative. And this, in the end, can benefit everyone (industries, customers, society, and designers themselves).

Anja Neidhardt, März 2017

 

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Deutsche Kinemathek, Museum für Film und Fernsehen (Berlin). Until 14th of May.

 

 

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Beseelte Dinge – selige Designer? Spiegelungen gesellschaftlicher und philosophischer Debatten in den Designwissenschaften.

Wenn der Computer „spinnt“ und das Smartphone den „Geist aufgibt“ mag dies Ausdruck von archaischen Denkmustern sein, die den Dingen eine Seele zu schreiben. Dass sich diese Denkmuster nicht nur auf begriffliche Metaphern reduzieren lassen, wird deutlich, wenn unsere Umgebungen tatsächlich immer smarter werden und Technologien zunehmend autonom agieren. Die damit einhergehenden Diskurse um eine Handlungsmacht der Dinge führen jüngst auch verstärkt dazu, über die Rechte (und Pflichten) von Automaten und Maschinen zu diskutieren. Als Gedankenspiel kann dies durchaus inspirierend sein. Dass dabei schnell auch Kernprinzipien zum menschlichen Selbstverständnis über Verantwortung in Frage gestellt werden, kann zweifellos kritisch beäugt werden. Manja Unger-Büttner über die Fallstricke eines neu aufkeimenden Animismus.

Kurz vor Jahresende 2016 ist dann auch noch „postfaktisch“ zum deutschen Wort des Jahres gewählt worden. Die Prämierung von „post-truth“ zum internationalen Wort des Jahres hat den deutschen Sprachgelehrten scheinbar nicht genügt, um das Länderübergreifende, ja fast schon erschreckend global Anmutende an diesem Bezug zum Emotionalen und persönlichen Glauben in der Bildung der öffentlichen Meinung zu verdeutlichen.

Interessant ist, dass zunehmend auch design-reflektierende Publikationen und Theorien bewusst oder unbewusst gesamtgesellschaftliche Entwicklungen zu spiegeln vermögen. So scheint es jedenfalls mit dem Erscheinen eines Buches mit dem Titel Beseelte Dinge – Design aus der Perspektive des Animismus im Herbst des vergangenen Jahres. Man könnte sogar sagen, dass das fast gleichlautende Symposium, das 2015 dieser Aufsatzsammlung vorangegangen war, den größeren öffentlichen Debatten zum Postfaktischen zeitlich noch zuvorgekommen ist. Für mich zeigen derartige Verbindungen zu aktuellen, sozial und politisch wahrnehmbaren Tendenzen, dass designtheoretische Überlegungen im Alltag angekommen sind – da, wo die Produkte des Designs schon länger ihren Platz haben oder beanspruchen. Aus meiner Perspektive eine sehr begrüßenswerte Entwicklung.

Die Frage ist nur, ob es in diesem Fall beim Spiegeln bleibt, oder ob das Forschungsthema Beseelte Dinge selbst als Beispiel für das gelten könnte, was derzeit so modisch als „postfaktisch“ bezeichnet wird. So erfahren wir z. B. bereits in der Einführung in das schöne graue Buch, dass das Paradox beseelter Dinge im 19. und 20. Jahrhundert gerade unter der Dominanz stark verwissenschaftlichter Positionen innerhalb der westlichen Welt Beachtung gefunden habe (Dörrenbacher/Plüm, S. 9). Schon diese historische Herleitung bringt zumindest eine Parallele ins Bild, die eine aufregend gesellschaftlich orientierte Begründung für das erneute Interesse am Thema vermeintlich beseelter Dinge abgeben könnte.

Gerade die „Verwissenschaftlichung der Welt“ (z. B. Strohschneider, S. 3 – PDF) wird auch heute häufig als ein Ausgangspunkt für das „falsche Schlagwort vom ‚postfaktischen Zeitalter‘“ genannt (ebd. S. 5). Peter Strohschneider, Präsident der Deutschen Forschungsgemeinschaft, betonte in seiner Neujahrsansprache 2017, dass andererseits präzise unterschieden werden müsse „zwischen wissenschaftlicher Erkenntnis dessen, was der Fall ist einerseits, und andererseits dem gesellschaftlichen Diskurs über das, was der Fall sein soll.“ Zudem gelte es vor allem im akademischen Studium, „sich durch die Welt und das, was andere über die Welt wissen, produktiv irritieren zu lassen.“ (Ebd. S. 6) Was, Anderes, tun Designer, die sich einem neuen Thema widmen? Also wie sich nun positionieren?

In der Einführung zum Buch Beseelte Dinge werden vorerst allein technologische Entwicklungstendenzen wie Miniaturisierung und Komplexität als Ausgangspunkte dafür herangezogen, dass den Dingen heute „etwas Unsichtbares aber Aktives – etwas Seelenartiges“ anhafte (Dörrenbächer/Plüm, S. 10). Dies wiederum müsse „designwissenschaftlich thematisiert und etwa durch die Gestaltung von Szenarien, Handlungsfeldern und offenen Experimenten zur Diskussion gestellt“ werden (ebd. S. 16).

Als Philosophin schätze ich die explorative Blickrichtung von Design, Designforschung und -wissenschaften sehr – in diesem Fall fehlen aus meiner Sicht vorgelagerte Überlegungen. Wie kommt es z. B. gerade jetzt zu diesem neuen Interesse am Animismus? Welche Rolle bei der Entwicklung hin zu diesem Interesse könnte das Design bisher gespielt haben (und dabei zähle ich gestalterisch wirksame Entscheidungen, wie z. B. Roboter immer und immer wieder menschenähnlich zu gestalten, auch zum Design)? Und falls Design eine wirkliche Rolle spielt (Stichwort Designer Fallacy): Ist es überhaupt wünschenswert, Nutzer durch Gestaltungsentscheidungen zum Animismus gegenüber Gegenständen zu leiten und warum? Kann, darf man das im Design wirklich experimentell angehen, oder liefe damit die moralisch immer noch zu diskutierende Personifizierungsmaschinerie nicht direkt weiter?

Dass aus der hier vorausgesetzten „Grenzverwischung zwischen beseelt und unbeseelt“ tatsächlich „zahlreiche neue ethische, politische und (…) gestalterische Herausforderungen“ hervorgehen würden, sollte vielleicht vorerst noch in Frage gestellt bleiben, bis eine Seele in Dingen oder auch Netzwerken nachgewiesen wird. Eine „attraktive Theoriealternative“ dazu, einen Beschreibungsansatz aus produktiv-kritischer Perspektive, liefert Georg Kneer in seinem Beitrag zur Aufsatzsammlung (Dörrenbächer/Plüm, S. 135-151). Trotzdem scheint das Thema des Buches an sich – eben die Annahme einer Seele von Dingen – bereits sozial und moralisch brisante Themen zu tangieren. Aber seit seinem Erscheinen frage ich mich, ob die Designwissenschaften diese übergeordnete ethische Problematik überhaupt erfassen oder bearbeiten können müssen.

Vielleicht sind das ja doch eher philosophische, ethische Probleme, die von den entsprechenden Wissenschaftszweigen bearbeitet werden müssten? Nicht ohne Grund verortet sich Beseelte Dinge ja selbst innerhalb größerer Überlegungen zum Neuen Materialismus, zwischen Wissenschaftsphilosophie und Medienwissenschaften und erwähnt die Versuche der Geistes- und Kulturwissenschaften in nicht-anthropozentrischem Denken, die z. B. von Akteur-Netzwerk-Theorie (ANT), Objektorientierter Ontologie (OOO) oder Agentiellem Realismus repräsentiert werden (S. 12, 14).

Aber es bleibt der Gestaltungsaspekt. Und der sollte freilich im Design diskutiert werden, möglichst mit Blick auf die Ethik (vielleicht könnte man hier tatsächlich mal direkt von Designethik sprechen, obwohl ich selber diese Wortkombination eher zu verhindern versuche…). Gestaltungsentscheidungen scheinen an der genannten Grenzverwischung zwischen vermeintlich „beseelt und unbeseelt“ mitgewirkt zu haben, nicht allein die technologische Entwicklung. Nutzerfreundlichkeit scheint heute eher so verstanden zu werden, dass zugrundeliegende rational-kognitive Prozesse und formale Strukturen von Maschinen bzw. auch Menschen „möglichst gut“ verborgen werden sollen. Stattdessen liege die Betonung auf einem möglichst attraktiven Interface mit festen Funktionen, betonte z. B. die Technik- und Medientheoretikerin Jutta Weber: „Während der Maschine folglich ein höherer Autonomiegrad zugesprochen wird, verliert der Mensch zunehmend an Kontroll- und ergo an Nutzungsmöglichkeiten.“ (Weber, 53)

Die These, dass also ein sozialer Zugang von Nutzern zu Maschinen einem rational-kognitiven vorzuziehen ist, die sich spätestens seit 1996 auf Byron Reeves und Clifford Nass (The Media Equation) stützt, ist nach Jutta Weber (zumindest bis 2010) nicht direkt überprüft worden. Es habe viele Untersuchungen gegeben, in denen die Nutzerfreundlichkeit einer spezifischen Maschine getestet wurde, aber nicht, ob die gleichen Funktionen über ein anderes Mensch-Maschine-Modell ebenso funktionieren würden. Unhinterfragt setzte man auf natürlichsprachliche Kommunikation und Emotionalität, um eine soziale und emotionale Interaktion z. B. in der Personal Service-Robotik zu etablieren. Ob Funktionalitäts- und Nutzenaspekte, die aus solchen Versuchen hervorgehen, überhaupt das wichtigste Maß abgeben sollten, ist eine weitere Frage.

Mit Blick auf die anthropomorphe, menschenähnliche Gestaltung von Robotern macht Weber klar, dass durch die Implementierung von sogenannten Emotionen eine soziale und emotionale Intelligenz der Artefakte glaubwürdig zu machen versucht werde. Damit setze man nicht auf das analytische Vermögen der Nutzer, sondern auf deren Immersion – also Involvierung – in eine emotional aufgeladene Situation (Weber, 54). Die bis heute vielfach thematisierte Stereotypisierung durch die (doppelt interpretative) Übertragung sozialer und psychischer Mechanismen auf Technik soll hier nur am Rande erwähnt werden.

Während wir also jahrelang gelernt haben, uns auf die Annahme zu verlassen, der Mensch könne mit Maschinen oder Mensch-Maschine-Schnittstellen komplexer technischer Systeme besser umgehen, wenn Ingenieure und Designer sich in der Gestaltung der Interaktion auf vermeintlich soziale und emotionale, „natürliche“, Mechanismen konzentrieren (ebd.) – fällt uns als Beobachtern heute auf, dass eine „schwindende Begreifbarkeit“ ganz neue „Beziehungen“ schafft, die Nutzer mit den Dingen eingehen. So nachzulesen in Beseelte Dinge (vgl. S. 11).

Parallel dazu wird im Einführungskapitel des Buches festgestellt, dass durch die Vernetzung von Artefakten im Internet der Dinge Umwelten entstünden, „die nur relational und nicht von Endgeräten aus begriffen werden können“ (S. 11) – und direkt nach dieser interessanten Feststellung von etwas Kommunikativem, Interdependenten zwischen den Artefakten wird auch schon der Begriff der Weltseele bemüht. Eventuell könnte man auch vorerst beim Begriff des Relationalen selbst bleiben, ohne sich auf den Seelen-Begriff stützen zu müssen – der zwei Seiten zuvor noch als etwas mit rationalen Mitteln nicht Fassbares bezeichnet wurde.

„Das Post-faktum ist ein Anti-faktum, es kommt nicht nach der Tatsache, sondern steht ihr entgegen“, schrieb Stefan Schmidt Anfang Januar in der ZEIT. Solche alternativen Überlegungen (nicht Fakten! ;-)) zum Begriff des Postfaktischen eröffnen weitere Deutungshorizonte. So können sie z. B. doch eine gewisse Gleichzeitigkeit sichtbar machen. Wenn überhaupt, dann existieren heute das Anti-Faktische und das Faktische parallel, möchte man sagen. Das gäbe jedenfalls Anlass zur Hoffnung.

Mit Blick auf die Technik könnte man nun fragen, ob die Gestaltung von Mensch-Maschine-Interaktionen in der letzten Zeit nicht auch ins Anti-Faktische abgedriftet ist. Und besonders treffend betont Hartmut Böhme in seinem Aufsatz zum Buch Beseelte Dinge, dass technische Funktion und semiotische Aufladung nicht entgegengesetzt werden sollten. Reizvoll ist auch Böhmes dezenter Hinweis auf Martin Heideggers Dichotomie von Vorhandenheit und Zuhandenheit im Rahmen einer Beobachtung, wie sie ähnlich auch bei Reeves und Nass Ausgangspunkt ihrer Theorie war: „Wenn Störungen im geschmeidigen Nutzen der Dinge auftreten, dann wird das, je nach Einstellung, als ein agonal-widerborstiges oder auch aufmüpfiges, passiv widerständiges Verhalten der Dinge interpretiert.“(Dörrenbächer/Plüm, S. 27)

Interpretation – in diesem Zusammenhang ist sie eine Leistung seitens des Menschen. Ganz ähnlich der Begriff der Relation. Auch diese nehmen Menschen wahr, im Umgang mit und in ihrem Bezug zu den Dingen. Und so könnte ein reflektierter Animismus, oder noch besser eine Weiterentwicklung daraus, vielleicht tatsächlich dazu dienen, solche Relationen und deren Grenzen zu verhandeln, um Judith Dörrenbächers vielseitige Forschung vor allem zum Neuen Animismus endlich einmal lobend zu erwähnen (S. 13). Der Animismus als „relationale Praxis“ (S. 77) kann zu aufregenden neuen Denk- und auch Design-Ansätzen führen. Ebenso die Bemerkung Dörrenbächers, dass in diesen neuen Überlegungen zum Animismus die Seele etwas ist, das nicht an irgendetwas ‚an sich‘ gebunden wäre. Die Seele ist etwas, das zwischen Wesen passiert (ebd.).

Dieses Relationale spielt auch in der aktuellen Technikphilosophie und -ethik (z. B. Coeckelbergh 2014 – PDF) sowie im Denken des Transhumanismus und des Posthumanismus eine wachsende Rolle. Neuere Überlegungen, selbst in der Politik, hinsichtlich einer Zusprechung von Rechten an technische Objekte wie z. B. Roboter erscheinen schnell als logische Konsequenz. (Vgl. Hern 2017)

So scheint sich ein Netz zu bilden, das sich in den bis zu diesem Punkt moralisch sehr interessanten, weil weltzugewandten, nicht mehr begrenzt anthropozentrischen Überlegungen zum Relationalen, zwischen allen beteiligten Entitäten – Menschen, Tieren, Dingen – bildlich aufspannt. Und dieses Netz aus Beziehungen erscheint ganz leicht, weil es auf vielen ‚Schultern‘ getragen wird. Beim Thema Verantwortung allerdings droht es mit seinem ganzen Gewicht allein auf die Menschen zurück zu rutschen. Denn wohl nur bei ihnen nehmen wir, bis heute jedenfalls, etwas an, das wir gemeinhin Gewissen nennen. Oder um mit Vilém Flusser zu gehen: „Verantwortung ist der Entschluß, anderen Menschen gegenüber Antwort zu stehen.“ (Flusser, S. 41) Und dabei möchte ich die ‚anderen‘ betont wissen, nicht nur die ‚Menschen‘. Hannah Arendt zieht diesen Raum von Rede und Antwort grundlegend tief in den Einzelnen zurück, ins sokratische ‚eme emauto‘ – ‚Ich, der ich Einer bin‘: „Wenn ich Unrecht tue, bin ich dazu verdammt, in unerträglicher Intimität mit einem Unrechttuenden zusammenzuleben; ich kann ihn nie loswerden.“ (Arendt, S. 70)

Verantwortung und Ethik finden in Beseelte Dinge u.a. im Aufsatz von Susanne Witzgall Erwähnung: „die Anderen“ gehen uns etwas an, wir tragen „für diese Anderen eine Mitverantwortung.“ Wie jedoch ein ethisches Handeln und Wollen zu realisieren wäre, das diese Mitverantwortung explizit in Rechnung stellt, das sei zu diskutieren, intuitiv zu praktizieren, aber auch intentional zu entscheiden. Witzgall plädiert für eine „Differenzierung von Handlungsmacht“. (vgl. Dörrenbächer/Plüm, S. 103). Neben Alf Hornborgs These, dass durch die Unterdrückung der Verbundenheit mit unserer Umwelt und die Trennung von ihr erst eine Abwendung von moralischer Verantwortung möglich wurde, erwähnt Judith Dörrenbächer in ihrem Beitrag, sich in Beziehung zu setzen erfordere auch, Unterschiede zu fokussieren (Hornborg, S. 58, Dörrenbächer/Plüm, S. 74, 80).

Durch Unterschiede entstehen Vielfalt, Spannungen und Beziehungen – und durch dies alles auch Identitäten. Wie viele andere Literaten, hat auch Arno Schmidt, der „Zuchtmeister der flauschigen Rede“ die Beziehung mit Gegenständen thematisiert und das in einer spielerisch-reflektierten Weise, die ich schon fast eine Kunst, Unterschiede zu machen, nennen würde:

„(wenn sich eine briefklammer derart sperrt, das soll man achten). (Oder ‹ehren›? Nee, ehren nich. Aber achtn.)“ (s. Rauschenbach 1999)

Das Buch Beseelte Dinge zieht seine Stärke aus seinem vielfältigen Blick auf Praktiken, die aus verschiedenen Formen und Reflexionen des Animismus und des künstlerischen Experiments heraus beobachtet werden können. Genau hier ist die Aufsatzsammlung ein Buch für Gestalter, die neue Umgangsweisen und Relationen in die Welt bringen wollen – ganz abgesehen davon, welche alternativen Gestaltungsspielräume auch ein bewusstes Abwenden vom Anthropomorphismus und vom Kopierenwollen von Emotionen oder sozialen Mechanismen eröffnen könnte. So fordert Georg Kneer entsprechend „ideenreiche Designlösungen“ in der Konstruktion neuer Anzeige-, Bedien-, Kontroll- und Steuerungselemente sowie der Gestaltung komplexer Multiagentensysteme (Dörrenbächer/Plüm, S. 149). Ob die anregende Lektüre den Umweg über den Seelenbegriff in so direktem Zusammenhang mit dem Dingbegriff gebraucht hätte, sei also dahingestellt. Darin offenbart sie sich aber als Spiegelung ihrer Zeit.

Manja Unger-Büttner*, März 2017

 

 

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Referenzen:

Hannah Arendt: Über das Böse. Eine Vorlesung zu Fragen der Ethik. Aus dem Nachlass herausgegeben von Jerome Kohn. Piper München 2006.
Mark Coeckelbergh: The Moral Standing of Machines: Towards a Relational and Non-Cartesian Moral Hermeneutics. Springer Science+Business Dordrecht 2013.
Judith Dörrenbächer, Kerstin Plüm
(Hg.): Beseelte Dinge. Design aus der Perspektive des Animismus. Transcript Verlag 2016.
Vilém Flusser: Vom Stand der Dinge. Eine kleine Philosophie des Design. Steidl 1993.
Alex Hern: Give robots ‘personhood’ status, EU committee argues. The Guardian, 2017
Alf Hornborg: »Animismus, Fetischismus und Objektivismus als Strategien der Welt(v)erkenntnis«, in: Irene Albers/Anselm Franke: Animismus. Revisionen der Moderne. Diaphanes 2015, S. 55-64.
Don Ihde: The Designer Fallacy and Technological Imagination; in: Pieter Vermaas et al. (Ed.) Philosophy and Design: From Engineering to Architecture; Springer Netherlands, 2007.
Bernd Rauschenbach (Hg.): Arno Schmidt & Design: Wenn sich eine Briefklammer derart sperrt, dass soll man achten. Häußer 1999.
Byron Reeves, Clifford Nass: The Media Equation – How People treat Computers, Television, and New Media like real People and Places; The University of Chicago Press 1996.
Stefan Schmitt: Post-was? Fakt you!; in: DIE ZEIT Nr. 53/2016, 21. Dezember 2016
Peter Strohschneider: Rede des Präsidenten der Deutschen Forschungsgemeinschaft, Professor Dr. Peter Strohschneider, anlässlich des Neujahrsempfangs der DFG Berlin, 16. Januar 2017 (PDF)
Jutta Weber: Neue Roboterträume. Über Wunsch und Wirklichkeit der Dienstleistungsrobotik. In: Museum Tinguely Basel: Roboterträume. Kehrer Verlag 2010, S. 40-61.

 

 



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Manja Unger-Büttner, Designerin, Philosophin, Literatur- und Kulturwissenschaftlerin (Dipl.-Des. (FH), M. A. phil.); Doktorandin und Mitarbeiterin am Lehrstuhl für Technikphilosophie bei Prof. Dr. Dr. Bernhard Irrgang an der TU Dresden. Zuvor Studium des Integrierten Design an der Hochschule Anhalt in Dessau und Studium der Philosophie, Literatur- u. Kulturwissenschaften in Heidelberg u. Dresden. Seit 2007 Beschäftigung mit dem Thema Ethik im Design. Magisterarbeit im Fach Philosophie an der TU Dresden, 2012 mit Auszeichnung. Seit 2013 Senior Associate Research Fellow am Intelligent Systems Research Laboratory der University of Reading/England. Gründungsmitglied des Networking Philosophy of Technologies e.V. (netphiltech). Mit an Board bei DESIGNABILITES seit 2017.

 

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The Apparatus of Racism

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For over a decade, the “National Socialist Underground” (NSU), a neo-Nazi terrorist group, carried out an unprecedented series of murders across Germany. For a long time, and until the terrorist cell exposed itself, the interpretive horizon of the media, politicians and the authorities excluded racist motives. The Apparatus of Racism jump-starts an international debate about the NSU complex as a composite of neo-Nazi terror, institutional and structural racism within the context of German history and within the longue durée of colonialism, migration and genocide in the globalized modern age.

What agency does racism possess as a formative factor of modern societies? How does it inform collective thought and the cognitive processes of Western knowledge systems? How does it replicate itself within society’s functional apparatuses of state, politics, law and justice? Within what exploratory spaces can we analyze structural racist formations and violent excesses? How can the experiences and circumstances of various migration societies put these into perspective?

In preparation for the People’s Tribunal Unraveling the NSU Complex, lectures and commentaries by international experts and activists across disciplines will trace the past, present and latest configurations of racism in its structural and global manifestations.

With Nafeez Ahmed, Manuela Bojadžijev, Liz Fekete, Ayşe Güleç, Bülent Küçük, Yann Moulier Boutang, Eyal Weizman and many more.

The Apparatus of Racism is being organized by the People’s Tribunal Unraveling the NSU Complex in cooperation with HKW prior to the eponymous event, which was initiated by anti-racist and migrant networks, civil rights groups and individuals in order to publicly denounce and unravel the NSU Complex.

March 8-9, 2017 at HKW (Haus der Kulturen der Welt) Berlin
19-22h // Free admission // 
Simultaneous translation into German and English

[Image: Sebastian Jung]

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Zwischen Ewigkeit und Flüchtigkeit

Eine Tagung am Mozarteum Salzburg (Schwerpunk Wissenschaft und Kunst) und am Fachbereich Kunstwissenschaft der Katholischen Privat-Universität Linz nimmt das Praxis- und Wissensgebiet “Mode” genauer unter die Lupe.

Seit Mode, so wie wir sie heute verstehen, im späten Mittelalter auftauchte, ist sie durch ihr Streben nach Innovation geprägt, und wird traditionell mit Attributen wie Flüchtigkeit, Geschwindigkeit und Vergänglichkeit assoziiert. Das Verhältnis der Mode zum modernen Tempo bildete auch eines der zentralen Themen der im 19. Jahrhundert aufkommenden Modetheorie. Als einer der Ersten erachtete Charles Baudelaire, Mitte des 19. Jahrhunderts, ihre Flüchtigkeit als das Charakteristische der Mode.

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In den jüngst vergangenen Jahren hat sich das Tempo des modischen Wechsels nochmals entscheidend beschleunigt. Im Zuge neuer Produktionstechnologien, globaler Mode-Perzeption, veränderter Vertriebs- und Vermarktungswege, sowie insbesondere  verschwenderischer, vom Niedrigpreissektor ausgehender Impulse, hat ein immer schnellerer Wechsel auch die gehobeneren Mode-Sektoren erfasst.

Obwohl Mode als ein exemplarisches Feld des Wandels gilt, fordert sie der aktuelle rasante Wandel heraus: Seit einigen Jahren ist von einer Krise des Modesystems die Rede.  Die von Silke Geppert (Universität Mozarteum) und Barbara Schrödl (Katholische Privat-Universität Linz) nun konzipierte Salzburger Tagung widmet sich kommende Woche einigen der zentralen Herausforderungen hierzu.

Themenfelder wie Neue Technologien, neue Ökonomien, politische und ethische Dimensionen oder die Renaissancen des Handwerks im Modesystem, dienen dabei als Ausgangspunkt, den aktuellen Diskurs zur Krise des Modesystems unter dem Aspekt der Zeitlichkeit zu befragen. Die Keynote hält Ingeborg Harms (UdK, Berlin).

Vom 10.–11.03.2017 in Salzburg.

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[Programm]

 

 

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Vilém Flusser und das lebende Archiv


„Der Hebel ist eine einfache Maschine. Sein Design folgt dem menschlichen Arm, er ist ein künstlicher Arm.“ [1] 

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Der Philosoph und Kulturtheoretiker Vilém Flusser (1920–1991) hat in seinem Werk viele derzeit aktuelle Themen vorweggenommen. Auch „die Offenheit seines Denkens und Schreibens passen zu den Herausforderungen der jetzigen Zeit“, so Maren Hartmann, die neue Direktorin des an der Universität der Künste Berlin beheimateten Vilém Flusser Archivs ,das es sich zur Aufgabe gemacht hat, Flussers Art und Weise zu denken für die Öffentlichkeit lebendig zu halten und weiterzuführen.

Das Wort Design

Für Vilém Flusser basierte Kultur auf Design. Und zu designen bedeutete für ihn „die Natur dank Technik überlisten, Natürliches durch Künstliches übertreffen“, wie er in seinem Essay „Vom Wort Design“ schrieb.[2] Der 1920 in Prag geborene Flusser hatte selbst keinen professionellen Gestaltungshintergrund, auch liegt seinen Texten keine kunstgeschichtliche Kritik der Formgebung zugrunde. Vielmehr basiert sein Werk auf empirischen Beobachtungen und (autodidaktisch erlernter) linguistischer Philosophie. So verfolgte er beispielsweise das Wort „Design“ zurück zu seinen Wurzeln und zog die Schlussfolgerung, dass es in enger Beziehung zu Maschine, Technik und Kunst stehe.

Seine Art zu Denken und Schreiben gewährt Flusser einen unabhängigen Blickwinkel. Manchmal scheint er von einem Absatz zum nächsten einen entgegengesetzten Standpunkt einzunehmen. Was auf den ersten Blick verwirrend erscheinen mag, kann als performativer Aspekt seiner Texte gesehen werden, wie Rainer Guldin, Dozent für Deutsche Sprache und Kultur an der Università della Svizzera Italiana sagt.[3] Damit interagiere Flusser gezielt mit seinen Lesern, führe sie um den Gegenstand des jeweiligen Essays herum, damit sie ihn aus allen Perspektiven und in seiner ganzen Komplexität betrachten könnten.

Guldin beschreibt Flussers Schreibpraxis als „zwischen den Sprachen und Medien hin und her nomadisierend“. Seine Texte sind weder objektiv und faktisch belegbar noch rein literarische Arbeiten sondern „intersubjektive dialogische Philosophiefiktionen, auf der Grenze der Diskurse“, so Guldin weiter. Flusser hat seine Texte so gestaltet, dass sie provozieren und die Leser zum Nachdenken und Handeln auffordern. Das wird auch am Ende seines Essays „Vom Wort Design“ deutlich: „Dieser Aufsatz folgt […] einem ganz spezifischen Design: Er will die listigen und heimtückischen Aspekte im Wort Design zutage fördern.“ [4]

Undinge

Vilém Flusser hatte Prag, das während seiner Kindheit und Jugend ein europäisches Zentrum für Kunst, Industrie und Design war, im Alter von 19 Jahren verlassen müssen. Kurz vor dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs floh er zusammen mit der Familie seiner späteren Ehefrau, Edith Barth, und überlebte so als einziges Mitglied seiner Familie den Holocaust. In London konnte er das Philosophiestudium, das er in Prag begonnen hatte, fortsetzen, wanderte allerdings 1940 mit den Barths nach Brasilien aus, wo er zunächst im Import und Export tätig war, später dann mit dem Brasilianischen Philosophischen Institut in Kontakt kam und sich schließlich auf das Schreiben und die Lehre konzentrierte. Er verließ Südamerika 1972 und kehrte nach Europa zurück, wo er unter anderem Gastprofessor an der Ruhr-Universität Bochum tätig war. 1991 starb er bei einem Autounfall.

Flusser nahm den Begriff „Design“ erst relativ spät in sein Denkgebäude auf. Seinen ersten Text zu diesem Thema schrieb er für einen Kongress des Internationalen Forum für Gestaltung in Ulm, „Gestaltung und neue Wirklichkeit“ (1988). Es war eine Auftragsarbeit („Gebrauchsgegenstände“), die wenige Tage später in der Basler Zeitung publiziert wurde. Für das Design haben ihn die Redakteure Fabian Wurm und Klaus Thomas Edelmann des vom Rat für Formgebung herausgegebenen Design Report sichtbar gemacht: Von 1989 bis 1991 schrieb Flusser insgesamt 10 Beiträge für die Zeitschrift.

Gerade Flussers ungewöhnlicher, sehr breiter und weitgehend philosophischer Ansatz machte seinen Umgang mit Design interessant. Flusser diskutierte Themen aus der Philosophie, Anthropologie, Medienwissenschaft, Kulturwissenschaft, Sprachphilosophie und den Künsten. Außerdem behandelte er die medialen Phänomene, die mit der ansteigenden Computerisierung und dem Ausbau digitaler Netzwerke in Erscheinung traten, in Essays, die heute so aktuell scheinen wie nie zuvor.

Anfang der 1980er-Jahre beschrieb er wie „Undinge“ (Fernsehbilder, auf Datenträgern gespeicherte Fotografien, Hologramme, Computerdaten und -programme) die vertrauten, physikalischen Dinge verdrängen würden.[5] Die wachsende Anzahl an nicht greifbaren Dingen würde repräsentiert werden von Symbolen, die wiederum durch Tastendruck zu organisieren seien. Flusser beschreibt Tasten als „Vorrichtungen, welche Symbole permutieren und ansichtig werden lassen“. [6] Er verweist zwar auf die analoge Tasten seiner Zeit (wie die, die zur Bedienung von Schreibmaschinen, Telefonen, Fernsehern und Fotoapparaten nötig waren), seine Beschreibungen lassen sich allerdings auf die heutige digitale Welt übertragen. In einem Zeitalter, in dem immer weniger Dinge mit den Händen produziert würden, und zunehmend das Herstellen und Managen von Undingen in den Mittelpunkt rückte, würden die Fingerspitzen zum wichtigsten Organ des Menschen, so Flusser. Er schrieb: „Der Mensch der undinglichen Zukunft wird dank seiner Fingerspitzen dasein.“[7]

Das Archiv

Flussers Denken und Schreiben scheinen endlos. Was er beispielsweise als Vorlage für eine Vorlesung begann, führte er als Essay weiter, trug es dann im Rahmen einer nächsten Veranstaltung mündlich vor und veröffentlichte es schließlich in schriftlicher Form – oft allerdings nur, weil ein Abgabetermin einzuhalten war. Dabei wechselte er zwischen den Sprachen Tschechisch, Deutsch, Französisch, Englisch und Portugiesisch – auch, um seine Gedanken weiterzuentwickeln oder um Schreibblockaden zu durchbrechen. Außerdem editierte er keine einzelnen Passagen seiner Texte, sondern überarbeitete sie, indem er komplett neue Versionen verfasste.

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[Flusser Archiv © Antonio Castles, Image Courtesy: Vilém Flusser Archive]

Rund 2.500 Essay- und Buchmanuskripte, sämtliche Veröffentlichungen sowie die umfangreichen Korrespondenzen des Denkers werden heute im Vilém Flusser Archiv in Berlin (sowie in dessen Spiegelarchiv im brasilianischen São Paulo) bewahrt und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Der Bestand umfasst außerdem Flussers Reisebibliothek, zahlreiche Bild- und Tondokumente, digitale Artefakte, Sekundärliteratur und eine wachsende Sammlung von Diplom- und Doktorarbeiten.

1992 von Edith Flusser in Zusammenarbeit mit Vera Schwammborn, Miguel Gustavo Flusser und Klaus Sander ins Leben gerufen, wurde das Archiv 1998 zunächst an der Kölner Kunsthochschule für Medien in die Obhut von Siegfried Zielinski übergeben, der es 2007 mit seiner Berufung an die Universität der Künste Berlin mit umzog und dort für die Öffentlichkeit zugänglich machte. Nachfolgerin Zielinskis, der im Februar 2016 die Stelle als Rektor an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe von Peter Sloterdijk übernahm, ist seit kurzem Maren Hartmann, Professorin für Kommunikations- und Mediensoziologie am Institut für Theorie und Praxis der Kommunikation der UdK Berlin.

„Archivierung“, sagt Hartmann, „heißt für mich als Nicht-Archivarin, dass es darum geht, die Werke angemessen aufzubewahren, zu katalogisieren, zugänglich zu machen und potenziell darauf aufbauend Weiteres zu entwickeln“. Ein „lebendes Archiv“, ein Archiv, das ständig genutzt wird und auch ständig wächst, sei mit seiner Fokussierung auf einen einzelnen Theoretiker eher rar.

Diese formale Besonderheit des Archivs findet auch inhaltlich seine Entsprechung: Flussers Biografie mit seiner Flucht aus Europa, wechselnden Lebensorten und Arbeitskontexten stelle einen Inbegriff des 20. Jahrhunderts dar und spiegele sich stark in seinem Werk wider, so Hartmann. Andererseits hätten seine Arbeiten aber viele derzeitig aktuelle Themen vorweggenommen, wie das Nomadische, die Frage nach der Heimat, die Idee der Vernetzung, die Zentralität der Kommunikation. Diese Themen gelte es nun – durchaus kritisch – aufzugreifen und zu diskutieren. „Und da hilft“, wie Hartmann weiter ausführt, „ein Archiv, um immer wieder Bodenhaftung zu erlangen, [also] tatsächlich in das Werk und seine Bezüge einzutauchen.“

Anja Neidhardt*, Februar 2017

 

 

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Referenzen:

[1] Vilém Flusser, Vom Wort Design, in: Fabian Wurm (Hrsg.), Vom Stand der Dinge. Eine kleine Philosophie des Design, Göttingen: Steidl, 1993, S. 11.
[2] Ebd.
[3] Rainer Guldin, Cotton Wool. On Flusserian Terminology, verfügbar unter https://vimeo.com/163670435 (zuletzt geprüft am 9. Juli 2016).
[4] Flusser, a. a. O. S. 13.
[5] Margit Rosen, Unding, in: Siegfried Zielinski, Peter Weibel, Daniel Irrgang (Hrsg.), Flusseriana. An Intellectual Toolbox, Minneapolis: Univocal, 2015, S. 305–307.
[6] Vilém Flusser, Das Unding 2, In: Michael Krüger (Hrsg.), Vilém Flusser. Dinge und Undinge. Phänomenologische Skizzen, München: Carl Hanser, 1993, S. 87.
[7] Ebd.

 

 

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* Currently based in Berlin, Anja Neidhardt is a reader, writer, editor and curator travelling between languages, countries and the various fields of design. She is especially interested in exploring the fringe, the alternative and the counter current within the field of design, for they have the potential to inspire and inform contemporary discourses. In June 2016, Anja graduated with a masters in Design Curating and Writing from the Design Academy Eindhoven. From 2012 to 2014, she was editor at form, for which she still regularly writes. She has also worked with the German Design Council, Slanted, Damn, The Weekender, Timelab and Fictional Journal, among others. She joined the DESIGNABILITES Family in 2016.

* Der Artikel wurde zuvor veröffentlicht im form Design Magazine, Ausgabe 267, September/Oktober 2016.

 

 

 

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Räume des Ankommens – Topographische Perspektiven auf Migration und Flucht (#BookReview, german)

Möglichkeiten, sich auf neue Orte einzulassen, gibt es viele. In der Migrationsforschung wird hierbei häufig zwischen zwei bipolaren Modellen unterschieden: Assimiliation und Multikulturalismus. Ersteres zeichnet das Bild einer Gesellschaft, die Neuankömmlinge aufnimmt, welche sich dann kompromisslos an die Aufnahmegesellschaft anpassen.

Was dabei gern übersehen wird: Bei der so genannten Aufnahmegesellschaft handelt es sich in den seltensten Fällen um eine homogene Gruppe. Woran sich Migrantinnen und Migranten (außer an Gesetzte, Regeln, Verbote) also genau anpassen sollen, darüber herrscht häufig Uneinigkeit. Das zweite, multikulturalistische Modell umschreibt dass Ineinandergreifen und Zusammenleben von Menschen mit unterschiedlichen, vielfältigen geografischen und kulturellen Herkunftsorten.

Dass es zwischen diesen beiden idealtypischen Varianten noch eine Vielzahl an Grauwerten gibt, in denen unzählige weitere Formen des Ankommens existieren, die ihrerseits wiederum von den jeweiligen Stakeholdern unterschiedlich wahrgenommen werden, ist in den aktuellen Diskursen rund um die Migrationsforschung Common Sense.

Grundsätzlich bezeichnet Migration zunächst eine Wanderung von Menschen aus einem Raum in den anderen. Dies suggeriert einen Übergang von einem heimatlichen in einen neuen, fremden Raum. Genauer gesagt: in eine Vielzahl von Räumen. Etwa in architektonische, städtebauliche, landschaftliche, soziale, kulturelle und nicht zuletzt in emotionale, vielleicht gefühlsmäßige Räume.

Die Forderung nach „Integration“ greift das als Anmutung des Übernehmens einer neuen Raumordnung auf. Bewohner der „alten“ Welt befremdet dabei bisweilen nicht nur die Fremdheit der Neuankömmlinge, sondern gerade auch deren Nähe, also der Grad, zu dem ihnen die Neuankömmlinge bereits ähnlich sind. Sie tragen „westliche Kleidung“, nutzen Smartphones und stellen Forderungen – genau wie wir. Es sind häufig genau diese Ähnlichkeiten, auf die sich ein Teil der gefühlten Bedrohungszustände mancher „Einheimischer“ zurückführen lässt.

Hier offenbart sich eine Akzeptanzlücke, die dem aus der Robotik bekannten „Uncanny Valley“ Effekt gleicht. Nähert sich das vormalig Fremde in seiner äußeren Erscheinung zu sehr an bestehende, bekannte Realitäten an, wird’s gruselig.

Das wirft Fragen auf: Wie geht eine Gesellschaft mit Migration und Flucht um. Wie sollte sie es am besten tun und wie darf sie es auf keinen Fall? Was sind die Folgen, wo liegen Herausforderungen und Chancen? Culture Clash oder Willkommenskultur? In ihrem Band »Räume des Ankommens« versammeln Amalia Barboza et al. breit gefächerte Perspektiven der Flucht in einer flüchtigen Gesellschaft und gewähren Einblicke in die Geschichte und Gegenwart von Flüchtlings- und Ankommensräumen.

In Essays und Interviews werden ästhetische, soziale, künstlerische, philosophische, städtebauliche und architektonische Aspekte von Flucht, Fluchträumen, Flüchtlingsexistenzen, Migration und Asyl verhandelt – und nicht zuletzt die Frage, inwieweit neue Räume des Ankommens in unserer Gesellschaft möglich sind.

Ein Beispiel: die unterschiedlichen Möglichkeiten des Bewahrens und gleichzeitig des sich Anpassens und Assimilierens. Prozesse, die unter anderem mit neuen Begriffen wie Transkulturalität oder Transnationalität bezeichnet werden. Prozesse wie diese verdeutlichen, dass durch Migrationsbewegungen immer auch wechselseitige Beeinflussungen stattfinden, die nicht nur die Neuankömmlinge, sondern auch die Einheimischen betreffen, was auch bedeutet, dass Mehrfachzugehörigkeiten möglich sind.

Ein besonderes Augenmerk liegt dabei auf zahlreichen Aktivitäten, Initiativen und Aktivisten, die angesichts anhaltender Flucht-Diskurse immer wieder zu neuen Höchstleistungen angetrieben werden.

Die eingangs erwähnten, konträren Modelle mögen hierbei plakativ und womöglich realitätsabgewandt erscheinen, für die Forschung – so konstatiert Barboza – können sie „heuristisch wichtig“ sein, insofern es sich bei ihnen auch um Wunschmodelle handelt, die „mit politischen Diskursen verknüpft sind, um normativ zu bestimmen, wie sich Flüchtlinge und MigrantInnen idealerweise an einem neuen Ort eingliedern sollen: entweder indem sich sich völlig assimilieren oder indem sie sich mit ihren Partikularitäten sichtbar und produktiv einbringen.“

Dass damit verbundene Fragen freilich selten pauschal beantwortet können, liegt auf der Hand. Und so kann (und soll) auch dieser Sammelband keine fertigen Lösungen, keine Baupatente oder Integrationsrezepte liefern. Denn die (notwendigen ebenso wie die bereits existenten) Räume des Ankommens sind vielgestaltig, situationsbezogen und amorph. Sie changieren zwischen Utopie und Dystopie, zwischen Eingliederung und Ausgrenzung, zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, Hoffnung und Resignation. Die Lektüre der hier versammelten topografischen Perspektiven auf Migration und Flucht, helfen ein wenig, in diesem Koordinatennetz der Gegensätze zu navigieren.

Tom Bieling, Februar 2017

             

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Amalia Barboza / Stefanie Eberding / Ulrich Pantle / Georg Winter (Hg.)
Räume des Ankommens – Topographische Perspektiven auf Migration und Flucht 240 Seiten; 29,99 €, Transcript Verlag, ISBN 978-3-8376-3448-8

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How do artists „read“ a semi public research space? How can artists convey that which they find in the gap between knowledge and experience in medical research? Starting point for these explorations was a network of research, science and higher education found on the premise of the Charité Campus (Berlin) Mitte as well as related research of scholars, performance artists, theoreticians, architects, within existing systems of classification.

The course “Tasten, Riechen, Hören” of the Institut für Kunst im Kontext at UdK – initiated by Lisa Glauer in connection with the interdisciplinary Projekt-Forum (IP-F) by Wolfgang Knapp, in cooperation with the “GeDenkOrt.Charité – Wissenschaft in Verantwortung” has been dealing with these questions.

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The artists developed presentations for an exhibition space based on temporary interventions and explorations produced in the scientific realm of medical science. Visual signs pointing to a strict hierarchical demarcation between the knowledge of the medical experts, with its historically shaped aspiration to objectivity and universality and the subjective experience of human beings that move through the space as patients, relatives of patients and generally interested public. The artists dealt with the question of how the physical and semantic boundaries interact with the bodies moving through this space. The artists explored the location via movement exercises, performative talks, experimental painting, and/or drawing.

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19 January – 5 February 2017
With works by: Hasan Aksaygın (in Kollaboration mit Yener Bayramoğlu), János Brückner, Tina Griffith, Gözde Güngör, Carsten Lisecki, Maria de Sande, Ultraviolett und Hanwen Zhang

Opening: Wednesday, 18 January, 19h

“The works are developing into space. Corporeal encounters in between. Collective explorations and joint discussions ahead. Somewhere there is a place they are bending over and away from: tactile, olfactory, and auditive experiences are constructing the terrain on which they are moving. Time is movement in space. From A to B it makes for the past to be recalled and forms our perception of what is possible. The works speculate, remember and remind us. But they prefer to whisper, disagree or laugh, and only sometimes do they cry over themselves. When they are in a good state, they are inviting the other bodies in space or form a conglomerate supporting one another, overlap, superimpose and stumble apart: this into that corner, to the left-hand wall or to the center. Together, they hold responsibility for themselves. Not one but many.”

via ngbk

 

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Building Gravity: On Gravity in Architecture, Urban Development and Utopia

PROTOCOL Magazine’s recent issue (No. 8) showcases a variety of original works brought together under the theme of “the ground”. In their contribution “Building Gravity” Fernando Luiz Lara* (Austin University of Texas) and Tom Bieling** discuss the concept of “gravity” not exclusively related to the fields of architecture and urban planning, but open the discussion towards social and political issues, as well as other related fields, such as arts, technology or Utopia …

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[Tom Bieling:] Ground – not least through its gravity – is one central point of reference for us. When Felix Baumgartner jumped from Stratosphere 135,890 feet above ground, he landed on the ground straightaway. Gravity can also be regarded a fundamental component of architecture. Things tend to fall down, if not prevented by certain (e.g. constructional) forces. What other roles does gravity play, not only in an architectural context?

[Fernando Luiz Lara:] In Portuguese and Spanish we use gravidade/gravidad to imply both the relationship between the masses (Newton’s first law) and the idea of urgency, importance. In English it would be as if the words grave and gravity were spelled the same. In fact, they are the same in their latin root gravitas. Departing from this play with words we recently discussed – with a focus on Latin America – the provocation that architecture in that part of the world is both urgent as an act against grave inequalities and a reaction against gravitational forces[1]. For the sake of clarification let’s call them social gravity and material gravity.

This perspective becomes especially interesting if we keep in mind that “ground”, as well as its artificial, constructional interventions, often defines a certain notion of “border”, “limit” or “boundary”. Nevertheless or even because of that, it serves as an initial point for cultural spheres of activity. Would you say that gravity is also a substantial metaphor regarding the role of the artefact related to the social structure?

I love to think that architecture was born when the first humans started to modify their environment. Or in a more profound way, we became humans when we started to modify our natural surroundings. In our contemporary culture, saturated with visual impulses and excessive representation, we tend to relate this moment to the cave paintings. But the act of lining up stones, placing bolders upright or, most importantly, modifying the ground, is equally important, if not more. Jorge Luis Borges wrote a poetic line that synthesizes that. When visiting the Pyramids of Egypt, Borges, who was already blind by then, moved a scoop of sand a few steps and declared: I am modifying the desert. To do architecture is to modify the desert, and it is, above all, to change the ground plan?. It is not opposite to the social structure. On the contrary, it both allows the social structure to flourish and follow its course. Two sides of the same coin: the social structure and its material manifestation.

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[“Modifying the desert”. Riot in Santiago de Chile, June 2012. © Eduardo Pavez Goye]

I remember one day in New York in 2004 when we had a black-out. Suddenly the ground, 20 floors and 320 steps below, was far from us. Home was seven kilometers and two hours away, not 30 minutes by subway. Once you remove the gadgets that mediate our relationship with the world, the ground becomes much more relevant. Perhaps we should do this every once in a while. Shut down our machines and experience the city, and its ground, directly.

What does that mean for spatial, regional planning and urban development?

It means that space matters. The design of the ground – sidewalks, parks, public space, ground floor lobbies and entrances – are the most important programs of architecture and urbanism. Like gravity and its double meaning, the word matter allows us to play with the tension between materiality and importance. Right now I am working on a book that will stitch together one century of urban plans and one century of urban protests in Brazil. It is provisionally entitled Street Matters.

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[“Street Matters”. Student Protests in Brasil © Tom Bieling]

Which brings us to the political dimension of design and architecture: It becomes tricky when public design acts in an overly prescriptive way by not allowing people to act freely in their environment and on the ground, thus suppressing them in their role as active and creative members of society. So, in terms of architecture, design and urbanism, the interdependence with gravity is plausible. The Arts however have often been dealing with gravity in a transcendent, sometimes utopian way. How could the idea of gravity be transferred into other fields?

I wish I had the experimental freedom of the arts. In architecture we don’t have a choice: things cannot fail the tests of gravity. That said, the arts are crucial to the development of architecture precisely because they have this experimental freedom, they can test concepts and push the boundaries of what is possible or acceptable in a way that architecture cannot. Let’s think of the challenge of housing one billion people in times of climate change. We can design the most sustainable buildings and cities, but if societies continue consuming irresponsibly we will have failed. The arts have a major role on showing the way towards a better future. In this regard I would say that social gravity can also be tackled by the arts. Should be tackled by the arts.

The urgency of climate change adds an important dimension to this challenge. I was talking earlier about the challenge of housing one billion people in times of climate change. One billion people: It means, 30% of our planetary urban population lives with deficient housing, be it lack of infrastructure, lack of property rights or overcrowding, meaning a lack of privacy. Business as usual is not a solution, we need to think way outside the box and imagine a better city for the near future. The elements are taking revenge on our fossil fuel splurge. In the long future the 21st century will be remembered by how well (or how poorly) we responded to this challenge.

The reference to gravity is also important in terms of the different approaches to material and technology used over time. Where do you see the most striking differences between the twentieth and the twenty-first century approach to technology?

Exactly! There is a shift in how to deal with the double challenge of social gravity and material gravity. In the mid 20th century architects like Oscar Niemeyer in Brazil and Raul Villanueva in Venezuela were trying to make their buildings look lighter, designing large complexes in response to the challenges of urbanization. I love to show how in my hometown of Belo Horizonte, Niemeyer was hiding heavy concrete beams above a thin shell in the roof of the dancing hall of the Pampulha casino.

Today, architects are still struggling with the same challenges but design modest structures that express their heaviness – I am thinking here of Angelo Bucci in Brazil, Rafael Iglesia in Argentina and Cecilia Puga in Chile. Bucci has a house in which he added a heavy water tank above the entrance to solve a structural problem. Iglesia was a master of stacking large components (wood over masonry for instance) and allowing them to express their weight, how they pressure one another. And Puga goes as far as placing an upside-down house on top of another one to achieve the maximum effect of heaviness.

So, the twentieth century was more about defying gravity with lightness, whereas the twenty first century expresses the weight—tectonically and materially—and the effort it makes to hold up structures. Now, if you had to abstract the concept of gravity, what would be your future perspective in terms of our changing society?

It is hard to be optimistic in 2016. We had a coup in Brazil, Donald Trump in the USA, Brexit, ISIS activity spreading into Europe as in Nice or Munich. The pessimist in me thinks we are entering a long dark winter of intolerance, xenophobia, and conflict escalation. The optimist in me thinks we are reaching a paradigm change and something better will erupt. In either case, the present is the gravest moment of our generation. How we respond to those challenges will, again, define our place in history.

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[Blockupy Frankfurt © Colin Derks Fotografie]

Maybe a more democratic kind of architecture could be a part of the solution. Let’s talk about the user’s role! You have been investigating on different participatory models for urban interventions in Brazil[2], especially concerning the favela upgrade[3]. What’s your interim conclusion so far?  

I believe we have a dilemma that positions planning and participation in opposing camps. Brazil experienced two decades of growing participatory models (1985-2005) with little money to support it, followed by almost a decade (2006-2014) with plenty of money and decreasing participation. There was a moment around 2005-2008 in which the plans discussed extensively in the previously decade were implemented. But shortly after, the “urgency” of the 2014 World Cup and the 2016 Olympics took over. It is now clear that both mega-events created several opportunities for speculative capital to insert itself into the fabric of the city, steamrolling or dismissing decades of efforts to foster inclusive practices and participatory processes. Recent relocations (or plain expulsions) in Rio de Janeiro have reverted decades of more progressive policies.

Undoubtedly, the framework of participatory governance installed in Brazilian re-democratization (after 1985) was a major breakthrough for public policies, but other issues need to be addressed to ensure the continual process of improving public management so as to be able to face increasingly greater challenges and threats. As I write these lines, the country is going through the largest institutional crisis since its re-democratization, with institutions and procedures related to public infrastructure construction at the centre of the problem. The dilemma we identified between planning and participation is unfolding at various levels, from the lack of participation/citizenship to a culture that, by inertia and all kinds of voices in the decision-making and execution process, perpetuates the old practices instead of embracing daring and innovation.

Overcoming the compartmentalization of urban planning management and organizing a “participatory structure” within the government at the local, municipal, state and national scales seems to be part of the solution to the current difficulties facing urban policy in Brazil.

Matters of ultimate gravity.

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[Informal architecture. Favela in Brasil. View of Beco São Vicente, design by Maculan & Ianni; Photo by F.Lara]

References: 

[1] The discussion took place in the conclusion of the book “Modern Architecture in Latin America. Art, Technology, and Utopia“ by Luis E. Carranza and Fernando Luiz Lara (University of Texas Press, 2015)

[2] Lara, Fernando Luiz (2010): “Beyond Curitiba: The Rise of a Participatory Model for Urban Intervention in Brazil,” Urban Design International, Vol 2/15, Summer 2010, pp. 119-128.

[3] Lara, Fernando Luiz (2013): “Favela upgrade in Brazil: a reverse of participatory processes”, Journal of Urban Design, 18/4, September 2013, pp. 553-564.

 

 

——————————
* Fernando Luiz Lara
, PhD, ist Architekt und Associate Professor an der University of Texas in Austin und Vorsitzender des Brazil Center am Lozano Long Institute of Latin American Studies. Er arbeitet zu den Themen Raumplanung und Stadtentwicklung. Publikationen (Auswahl): Lara/Carranza (2015): Modern Architecture in Latin America: Art, Technology and Utopia; Lara/Marques (Hg.) (2015): Quid Novi, architectural education dillemas in the 21st century; Lara (2010): Favela Studio: Investigations on Informality; Lara (2008): The Rise of Popular Modernist Architecture in Brazil.  

** Tom Bieling ist Designforscher, Interaction Designer und Autor. Er promoviert am Design Research Lab der Berliner Universität der Künste, ist seit 2011 Gastprofessor an der German University in Cairo (GUC) und ist aktives Gründungsmitglied des Design Research Networks sowie Leiter des Instituts für angewandte Fantasie und Initiator von Designabilities.org

This text has previously been published in: PROTOCOL Magazine, No 8 (118), 2016.

 

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Material and Knowledge

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International Symposium within the Framework of the Exhibition
Object Lessons. The Story of Material Education in 8 Chapters
January 13, 2017, from 9 am until 6 pm.

Object Lesson Nr. 9 – the symposium – brings together international experts, who explore the place of materials and material knowledge in institutions devoted to collecting, learning, and creating in close dialogue with the objects on view and against the background of theories of the material turn.

Knowledge about materials, their origins, properties and possibilities is in high demand. And material knowledge is hard to come by: traditionally considered the domain of highly skilled experts in craft, industry, art, and sciences, it is not only kept secret, but also perceived as tacit rather than explicit.

Today, industrialization, globalization, and digitalization have further limited direct contact with materials and processes of production. Attempts to recapture material knowledge for the public domain on the other hand appear limited, as the Do-It-Yourself movement is confined to niches and sustainability written off as a marketing hype and discredited as “greenwashing”. How then is material knowledge made accessible to the public on a large scale; and how can one become materially literate?

There has been, in fact, an explicit education about, with, and through materials since at least the 18th century. It propagated materials as a condition to understand the world yet its history and objects are little known. The Exhibition Object Lessons. The Story of Material Education in 8 Chapters reconstructs the story of material education in science, craft, and industry, at home, in literature and popular culture, in the archive, and the museum for the first time.

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Programm/Programme

09:00 Kaffee & Tee/Coffee & Tea

09:30 Begrüßung/Welcome
Ann-Sophie Lehmann (Groningen) & Imke Volkers (Berlin)

10:00 “What Not to Collect? Materials, Objects, Stories…”
Sharon Macdonald (York/Berlin)

10:45 “Muster & Wissen. Materialsammlungen und Materialbildung im Museum der Dinge”
Imke Volkers (Berlin)

11:30 “Die Stoffe vergangener Lebenswelten.
Referenzmaterialien und deren Bedeutung als Quelle für Lehre und Forschung in der Konservierung und Restaurierung”
Ruth Keller (Berlin)

12:15 Mittagspause/Break
Rundgang durch die Ausstellung/Visit the Exhibition

13:30 “Words on Things. The Red Thread Through the History of Material Education”
Ann-Sophie Lehmann (Groningen)

14:15 “Object Lesson und bürgerlicher Realismus. Stifters Nachsommer”
Christian van der Steeg (Zürich/Wien)

15:00 Kaffee & Tee/Coffee & Tea

15:30 “Josef Albers, Material Instruction, and the Development of Intuitive Perception”
Jeffrey Saletnik (Indiana/Berlin)

16:15 “Von Bezoar bis Kunstharz. Materialbildung im Materialarchiv”
Franziska Müller-Reissmann (Zürich)

17:00 Diskussion/Discussion

Lectures in English or German (see title).

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senseAbility – Mediale Praktiken des Sehens und Hörens (#BookReview, german)

Wer Hören und Sehen als zwangsläufig natürlich gegebene Fähigkeiten interpretiert, geht unweigerlich auch davon aus, dass als „unnatürlich“ gilt, wer nichts hört oder sieht. Was aber, wenn wir beides als Praktiken begreifen, die sich eher als Effekte technologisch bedingter Handlungszusammenhänge ergeben?

Im historischen Verlauf haben sich visuelle und auditive Wahrnehmungstechniken stets auch im Kontext der zur Verfügung stehenden Werkzeuge und Medien entwickelt und verändert. Im digitalen Zeitalter wird dies noch einmal besonders deutlich.

In dem jüngst erschienenen Band senseAbility – Mediale Praktiken des Sehens und Hörens versammeln Beate Ochsner und Robert Stock (Universität Konstanz) eine Reihe von Fallbeispielen, anhand derer sich die enge Verzahnung sinnlicher Wahrnehmungen und technologischer Umwelten exemplifizieren und diskutieren lassen. Im Buch geschieht dies aus verschiedenen, vorrangig medien-, kunst- und kulturwissenschaftlichen, sowie medienhistorischen und soziologischen Perspektiven.

Deutlich wird dabei auch, dass die Bandbreite (und auch die Deutungsweise) von „Fähigkeit“ und „Unfähigkeit“ sensorischer Wahrnehmung sehr divers ist, zumal dann, wenn man sie in Relation zum komplexen Geflecht aus menschlichen und materiellen Objekten, Techniken und Körpern untersucht.

Dass dies auch einen anderen Umgang mit dem Begriff „Behinderung“ ermöglicht, wenn nicht gar erfordert, wird besonders deutlich im Zusammenhang mit so genannten assistiven Geräten, wie z.B. dem Hörgerät oder dem Cochlea Implantat, jener Hörprothese für Gehörlose, die mittels Mikrofon, Sprachprozessor, Magnetspule und Elektroden das Hören für Menschen möglich macht, deren Hörnerv nicht gänzlich funktionsbeeinträchtigt ist. Aus kulturwissenschaftlicher Perspektive arbeitet Karin Harrasser heraus, dass ein solches Implantat natürliches Hören nicht einfach nur ersetzt oder kompensiert, sondern dass man mit solch einem Gerät „anders hört“. Anders, als es die Mehrheitsgesellschaft womöglich gewohnt ist. Dass eine wie auch immer geartete Hörerfahrung durch den Einsatz von Technologie allerdings überhaupt möglich ist, erzeugt noch einmal einen verstärkten Druck auf diejenigen, die diese Technologie nicht nutzen können oder sie ablehnen.

Technologie kann vor diesem Hintergrund somit häufig beides sein: Eine Technologie der „Ermöglichung“ oder eine Technologie der „Ausgrenzung“ und „Behinderung“. Die Lektüre von senseAbility „ermöglicht“, darüber genauer, vielleicht anders als bisher, nachzudenken.


Tom Bieling
, Dezember 2016

             

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Beate Ochsner, Robert Stock (Hg.)
senseAbility – Mediale Praktiken des Sehens und Hörens
Transcript Verlag ISBN 978-3-8376-3064-0
448 Seiten, 34.99 EUR

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Beseelte Dinge – Design aus der Perspektive des Animismus (#BookReview, german)

Der Titel kommt als vermeintliches Oxymoron daher. Seele und Ding? Das will nicht recht zusammen passen. Seele, das steht für Lebendiges, verweist auf den Bereich der Psyche, des Geistigen oder der Magie. Sie ist mit rationalen Mitteln nicht zu fassen, und schon gar nicht erst für die Wissenschaft greifbar. Dinge hingegen gelten als konkret, als haptisch und materiell. Im Gegensatz zum seelischen ist das dinghafte greif- und somit auch begreifbar.

Dass Dinge jedoch auch aktiv in unsere Handlungsprozesse eingreifen und dass vieles von dem, was wir glauben zu sein, mit der Welt des Gegenständlichen verknüpft ist, wird nicht erst seit Bruno Latour’s Akteur-Netzwerk-Theorie heiß diskutiert. Als Jean Piaget sich in seiner entwicklungspsychologischen Forschung mit dem Thema „Animismus“ beschäftigt, ist er vor allem an der damit verbundenen Vorstellung einer „beseelten Dingwelt“ interessiert. Für Kinder im präoperationalen Stadium (zweites bis siebtes Lebensjahr) ist diese Vorstellung ganz selbstverständlich. Sie nehmen an, dass (eigentlich ja unbelebte) Dinge lebendig sind, und schreiben ihnen menschliche Eigenschaften zu.

Wann immer sich Forschung und Wissenschaft freilich mit dem Seelenbegriff auseinandersetzen, laufen sie stets auch Gefahr, schnell ins Esoterische abzudriften. Jedoch im zunehmenden Verlauf der technologischen Entwicklungen und gerade auch im Angesicht der fortschreitenden Digitalisierung gewinnt der Seelenbegriff in Bezug auf die Dingwelt wieder an Bedeutung. Und sei es als Repräsentant des Unbeschreibbaren, des nicht Fassbaren, dem zugleich eine Handlungsfähigkeit inne zu wohnen scheint.

Wie aber nun diesen beseelten Dingen auf den Grund gehen? Die Anatomen des 15. Jahrhunderts trennten auf der Suche nach dem sogenannten Seelenorgan leblose Menschenkörper auf, legten Organe frei und sezierten Gehirne. Jedoch vergeblich. Mit rein wissenschaftlichen Mitteln ließ und lässt sich die Seele und deren Verbindung zum menschlichen Leib nicht lokalisieren.

Zu Beginn des 21. Jahrhunderts stellt sich eine ähnliche Herausforderung: „Durch die zunehmende Vernetzung von Artefakten im sogenannten Internet der Dinge entstehen technologische Umwelten, die nur relational und nicht von Endgeräten aus begriffen werden können. Das Internet der Dinge ist durch Emergenz, Interdependenz und untereinander kommunizierende Artefakte bestimmt. Damit erinnert es an das seit der Antike bestehende Konzept einer Weltseele. Gemeint ist die Vorstellung eines beseelten Kosmos, in dem alles mit allem verbunden ist.“ (Dörrenbacher/Plüm S.11/12) Und tatsächlich scheinen im Internet of Things die Dinge – ähnlich wie Bestandteile eines lebendigen, evolutionären, miteinander verwobenen Organismus – eigenaktiv und autonom, also unabhängig vom Menschen zu existieren.

Das wirft Fragen auf. Wo verlaufen die Grenzlinien zwischen Mensch und Artefakt? Worin genau unterscheiden sie sich? Und worin bestehen ihre Gemeinsamkeiten? Die Suche nach Antworten stellt uns vor ganz neue, ethische, politische und nicht zuletzt gestalterische Herausforderungen. „Von der Angst vor einem Kontrollverlust über die Dinge, über die Sorge der Aufgabe menschlicher Subjektivität, bis hin zu der Frage, ob Artefakte rechtlich- moralisch verantwortet werden können“. (ebd.)

Denn soviel scheint klar: Von den Dingen selbst geht immer auch eine machtähnlicher Handlungsdruck aus, der mitunter schon in ihrem Herstellungsverfahren eingeschrieben ist. „Dinge bestimmen Haltungen, Vorstellungen, Gebrauchsweisen oder Gewohnheiten. Sie tun etwas, während man etwas mit ihnen tut“ (S.16)

Dass wir es also keineswegs mit einem passivem Werkzeug zu tun haben, scheint häufig weder den Nutzer/innen, noch den Gestalter/innen dieser Dinge bewusst zu sein. Sollte es aber.

Den Dingen auf den Grund zu gehen, ihre sozialen Funktionen und die mit ihnen einhergehenden Rollenbilder genauer zu inspizieren, könnte Aufgabe einer „Autopsie der Dinge“ (S. 153) sein, die nicht die menschliche Anatomie seziert, sondern die dingliche zu verstehen versucht.

In ihrem Sammelband greifen Dörrenbächer und Plüm Kontroversen über die Handlungsfähigkeit von Dingen aus sozial- und kulturwissenschaftlichen Perspektiven auf und konfrontieren sie mit solchen der Designtheorie und –forschung. Denn die Frage, inwiefern ein Ding als beseelt verstanden werden kann, ist nicht zuletzt eine Gestaltungsfrage. Ist Beseeltheit gestaltbar oder vielmehr eine situative Erscheinung, die ereignisbezogen im Handeln zwischen Mensch und Artefakt entsteht? Fragen, die sich aus Perspektiven untersuchen und adressieren lassen.

Hartmut Böhme etwa spricht von einem „kulturellen Mechanismus“ als tradierten Handlungselementen, die diese Magie der Dinge überhaupt erst hervorrufen. Andreas Muxel ist aus der Perspektive der Medienkunst und des Interaction Designs vor allem an der Unberechenbarkeit und Widerständigkeit der Dinge interressiert, denen er einen häufig produktiven Effekt zuspricht.

Bei alldem wird auch deutlich: Eine Forschung nach der Seele der Dinge kann nicht über, sondern muss vielmehr in direkter Interaktion mit Dingen stattfinden. Denn ähnlich wie schon die Anatomen des 15. Jahrhunderts durch ihre Eingriffe in den menschlichen Körper keine Objektivierung der Seele erzielen konnten, muss die Annäherung an das nicht greifbare der Dingwelten womöglich gerade eben auf der subjektiven Ebene passieren.

Design und eine mit ihm einhergehende Forschung bietet sich hier unweigerlich als Medium an, in dem Fragen nach einer beseelten Umgangsweise mit Unbelebtem, im Unterschied zu anderen Disziplinen, zumindest angefasst werden können. Und vielleicht kommt es dabei ja einer neuen Form von Animismus, einem Techno-Animismus auf die Schliche.


Tom Bieling
, Dezember 2016


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Judith Dörrenbächer, Kerstin Plüm (Hg.)
Beseelte Dinge. Design aus der Perspektive des Animismus
Transcript Verlag ISBN 978-3-8376-3558-4
168 Seiten, 26.99 EUR

 

 

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On the Organization of Products in German Design

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Our latest Editorial Board Member Prof. Dr. Marion Godau discusses the interconnections between Design and Organisation from a German Design History Perspective…

For sociologist Elfie Miklautz, objects are important for understanding the world. She writes: “Communal reality is produced and judged with the help of products. They contribute to the construction of an ordered, comprehensible world and offer orientation”(1).

German design is often described as especially functional, clearly structured and orderly. It could be said that German design is acutely organized. In general Design is closely connected to:

  • the organization of production sequences in manufacturing,
  • the organization of the public perception of companies and products,
  • the organization of the usage of objects and
  • the organization of objects themselves.

My essay provides various historical examples from German design. As a product designer, my focus is on product design. We will begin by travelling through time to the United States at the beginning of the 20th century, because it is there that modern product design gets its start.

Organization of Work

In 1880, the Americans Frederick Winslow Taylor and Lillian and Fred Bunker Gilbreth conducted separate studies of factory operations. They found that unnecessary movements and badly arranged tools caused unnecessary strain on the worker thus resulting in inefficient production. They argued that tools should never cause injuries, workers should be well trained and the organization of work should be planned better.

Although Frederick Taylor first published his “Principles of Economic Organization” in 1911, his theses and the investigations of the Gilbreths were already known at the turn of the century. Businessman Henry Ford was also aware of the studies by Taylor and the Gilbreths when he began his work constructing the automobile at the beginning of the 20thcentury. Representing a break from prior practice, the automobile was not intended exclusively for the wealthy. Instead, his vehicle was to be produced as a mass automobile for everyone (2). The Ford Motor Company, established in 1903, wanted its first finished product to be low-priced and outfitted with a sufficiently powerful motor. The material was to be of suitable quality and hardiness so that America’s car could survive, as long as possible, the roads of the day, which were as a rule still quite rough.

In 1909, Ford produced the first version of the “Model T” without a roof or side panels. It had two forward gears and one reverse gear. Ford’s development was an immediate sensation. The original “Model T” was soon joined by convertible and sedan versions and even a spacious touring car. “Lizzy,” as the “Model T” was also known, was extremely popular.

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[The 1914 Ford Model T touring car was the first version built on
Henry Ford’s moving assembly line; 
Ford Motor Co./AP]

In order to satisfy exploding demand, Ford drew on Taylor’s research and in 1913 introduced the assembly line, at first only in targeted areas and then throughout the wider businessUp to that point, groups of workers had assembled the car in one area. Now, the individual parts passed by workers on the line and were assembled piece by piece. The entire production process was now be subjected to the desire for stagnation-free circulation. Effectively, the assembly line represented an enormous uptick in productivity. At the same time, the sale price could be lowered ever further.

Conditions for Problem-free Assembly

Together with more efficient production methods, the standardization and high manufacturing accuracy of the materials were further preconditions for Ford’s mass production. Without the established, normalized measurements of the tools and machines and a consistent quality of material, there could be no guarantee that the constituent parts, which were often produced separately, would fit together. As a result, they could also be exchanged for replacement parts at a later date. This principle survives to this day.

Henry Ford understood that customer desires could be fulfilled with relatively little effort by establishing just a few product types (convertible, sedan, etc.) varying only in single elements. It took decades, however, for the principles of streamlining, normalization, standardization and categorization to become common property of production technology. Still today, there are elements of this trend requiring a great deal of refinement. Nevertheless, following Henry Ford, product designers now have to include the production processes within the companies for which they work in their plans and sketches.

The Organization of Modernity – Peter Behrens and the AEG

We will return to Ford’s assembly line later, but first, I would like to discuss the world’s first example of a unified corporate design.

Between 1907 and 1914, Peter Behrens, a German autodidact, completed his efforts to give AEG, then an electrical company in its infancy, a unified image and appearance. He redesigned the entire product range and also designed factory buildings and showrooms. Not only was Behrens’s accomplishment in design impressive, but also his analytic and organizational work as well.

AEG was founded in 1883 by Emil Rathenau and was originally named the German Edison-Society (Deutsche Edison-Gesellschaft). Four years later, in 1887, the company’s name became “General Electricity-Society” (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft or AEG).

By the end of the 19th century, the fledgling electrical industry was booming. AEG provided pioneering work in the area of alternating current transmission systems; it expanded and soon produced many types of electrotechnical investment and consumer goods, such as light bulbs, home appliances, street lighting, trams and turbines for power plants. Though these technologies and the organization of production are impressive, design was a completely separate issue.

Founder Emil Rathenau recognized this and invited Peter Behrens to Berlin in 1907. Within seven years, Behrens reinvented the entire product range, designed catalogs, advertisements and new company buildings.

He modernized obsolete forms by creating a new, unadorned design. He slimmed down the product range and streamlined individual equipment component parts. Behrens thought in building blocks or components, that is, interchangeable forms, materials and surfaces.

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[Montagehalle AEG-Turbinenfabrik in Berlin-Moabit (1927); ©Siemens.com]

AEG managed to achieve a modern aesthetic and not only for isolated products, but for everything. The modernity of technology and modes of production were to be expressed through a design that was correspondingly advanced. This advanced design was then in turn supposed to reverberate back to the company.

Through Behrens’s systematic and modern aesthetic, AEG achieved a significant image advantage over its competition. Despite new products, the latter’s products suddenly came off as dated and retrograde. Following this digression into corporate design, let us now take up Taylor’s assembly line once again.

The Assembly Line at Home – the Frankfurt Kitchen

Around 1880, Frederick W. Taylor and Lillian and Fred Bunker Gilbreth, working in the USA independently of one another, explored factory work and thus paved the way for both the mechanized assembly line and contract work. In the 1920s, the Viennese architect Grete Schütte-Lihotzky applied this principle to the residential sphere. She understood living and cooking as a production process operating within the division of labor. Her so-called “Frankfurt kitchen” was organized like a factory workplace in which various task sequences were arranged efficiently. These innovations brought Schütte-Lihotzky world renown. As described in American studies on operational economics, the Viennese architect created work areas oriented along the walls of the kitchen. The floor space of the room measured no more than 6.65 square meters. The kitchen table disappeared. The then newly developed gas oven arrived and saved space. Every corner was used for specific functions in a specific order. Consider, for example, dishwashing: “take from the left, wash on the right, deposit to the left.” Schütte-Lihotzky’s kitchen organization was well thought-out down to minute details. There were easily cleanable work surfaces, a space-saving swivel chair, an unfolding ironing board and an oak drawer intended for protecting bread from worm infestation. Everything was covered in whites and blues, intended to come off as hygienic. The blues were also supposed to deter flies.

To this day, in Germany Schütte-Lihotzky’s elaborate kitchen unit workplaces have remained the model for built-in kitchens in public housing.

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[Frankfurter Küche, 1926 (links), Margarete Schütte-Lihotzky und Kollegen (rechts);
© Universität für angewandte Kunst Wien, Kunstsammlung und Archiv]

The Component Principle and Bauhaus

Similar to Grete Schütte-Lihotzky, numerous artists, designers and architects in Germany around 1920 cultivated a zeal for machines. Industry stood for progress and many saw the machine as a possibility for providing the lower classes with affordable goods. An example of this phenomenon is the still legendary Bauhaus, established in Weimar in 1919. As was the case with Ford, its focus was on production for mass demand.

Around 1922, teachers and students at the Bauhaus experimented in the ceramic workshop, which had traditionally been oriented towards handcrafts, with possibilities for efficient production, e.g. in modular design. Individual components were to be combined in various ways in order to achieve a wealth of variants with only a few parts.

Examples of this can be found in the work of Theodor Bogler and Marianne Brandt (3). Bogler visited the “Velten-Vordmann” earthenware factories near Berlin in 1923 and became acquainted there with the industrialized ceramic production process. He was inspired to create what is probably his most famous design series: the various models of his combination teapot. Bogler dissected the archetype of the teapot down to its constituent elements: body, opening, spout and handle. He reduced them to basic stereometric forms. Then, for a “manufactured mass molding,” (4) he systemically went through all the various combinational possibilities of the created components. All elements were not rotated on a wheel as had previously been the norm at Bauhaus, but were instead individually molded and then, in a further step, assembled in various combinations. Thus, with only a few basic elements, numerous teapot variations were created.

Bauhaus teacher Marianne Brandt in turn applied this component concept to numerous projects, namely to pitchers and lights.

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[Herbert Lindinger: Hifi-Baukastensystem, 1958 (Diplomarbeit); Hansgugelot.com]

System Design at the Ulm School of Design

Barely 30 years later, the positive possibilities of technological advancement had become the guiding principle for the new and mostly young generations of designers. Among those affirming the industrial production process was the legendary Ulm School of Design (Hochschule für Gestaltung or hfg Ulm), which dedicated itself to the preliminary work for the industry. Students were supposed to learn how “to incorporate their own work into the larger economy and form it according to their economic functions” (5). It is not surprising that, like their instructors, the students focused on the question of how mechanical serial production could be further perfected through corresponding design. The favored solution was referred to as system design. An example of this can be found in the school’s “Industrial Construction” division, which turned out prefabricated structural shells and standardized connecting elements. The “Product Design” division crafted furniture systems in the fashion of prefabricated constructions, high fidelity modular design systems and even sanitary blocks, all following from the premise of efficient production and the most boundless variance possible. Hans (Nick) Roericht, a student at the school transferred this systemic thought to the design of dishware in his 1958-59 dissertation. He accomplished this by creating a stackable hotel dishware set, something previously uncommon. Roericht reduced the dish set down to only a few pieces and assigned them multiple functions:

coasters could also be used as lids, salad bowls could double as sugar bowls or soup bowls. Roericht’s design thereby simplified the organization of food service, the operation of which had previously been quite time consuming.

Up to this point, we have seen examples of the organization of families and systems of products.

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[Nick Roericht: Hotel-Stapelgeschirr TC 100, 1958/1959 für Fa. Thomas / Rosenthal AG]

Dieter Rams’s Radio “RT 20”

The textbook examples for the organization of various functions within the product emerged at the same time, namely, the electrical appliances of Braun AG. Dieter Rams, the factory designer for Braun, was heavily influenced by the ideas of the Ulm School of Design, notably by the ideas in product systems, categorization, modular designs and system design. As in Ulm, Rams understood function and beauty as measurable quantities. That which could be mathematically defined and clearly outlined and arranged counted as beautiful by default (per se). Rams reduced his drafts to the absolute necessities like the students and teachers of the Ulm School of Design. He also made use of the methodology developed in Ulm of focusing on the presentation of a problem and not, at least at first, on how the product was to look. Ulm’s methodology also comprised methods of analysis and the logical justification of design solutions.

All of this can be recognized in Dieter Rams’s “RT 20” radio:
The radio is divided into two symmetrical halves. On one side is the speaker “trellis” and on the other the controls and dial. The speaker openings on the left are made up of thin parallel beam openings. There are cut in such a way that their overall form results in a circle. A strip in the middle serves to stabilize the opening.

The radio’s dials and controls are on the right side of the front. They are arranged at right angles to one another and are made up of rows of knobs of various sizes that follow a clear operational hierarchy.

The Organization of Switches – GIRA

The streamlining of the industrial production process through standardized components or modules for product systems has had a long tradition in Germany. The simplification of components still continues to be perfected today. An example of this is GIRA, a producer of electrical installation systems.

Founded in 1905, GIRA at first produced toggle switches and safeguarding elements. Today, GIRA’s offerings range far beyond simple light switches and grounded electrical sockets. With the advent of image transmission, microelectronics has made it possible to know who is standing outside the front door. With a smartphone, one can access home technology while in transit.

In 1998, the company revised its product offerings along the lines of consistent system design. The goal behind this was both, to save costs for storage and logistics as well as to be able to offer a large selection of products. The individual apparatuses each consist of an interior part and a covering. The interior disappears in conventional concealed junction boxes and the covering can be combined with various frames. They can be disposed of in single-stream recycling systems. GIRA concentrates on only a few product programs that are integrated into product systems. The company refers to this system design as the platform strategy. Similar to current automobile construction, various program variants can be subsumed under a single basic platform.

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[GIRA, Switch, System 55; Gira.com]

GIRA’s “System 55,” newly introduced in 1998, served as a platform for four distinctly designed switch programs with its more than 180 different central elements in a choice of three colors. These switch lines are called “Standard 55,” “E2,” “Event” and “Esprit.” The selection ranges from grounded electrical sockets as well as integrated childproofing and telephone connections to concealed radios. The four program lines are available in diverse material and color variations. In total, GIRA has produced several thousand different products that can be freely combined through the “System 55” operational system, together with “Standard 55,” “E2,” “Event” and “Esprit.” In this way, a huge number of aesthetic solutions is made possible by organizing and combining only a few standardized components.

If the context is changed at a later day, for example out of issues of taste, the corresponding frames and covers are easily exchangeable.

In comparison, non-compatible model-series would demand more machines, more logistical expenditure and also more storage space than would an intelligent platform or system structure.

In 1995, GIRA developed a new generation of switches concurrently with a new switch assembly line. The number of switch components was reduced yet further, so that it now functioned even more efficiently. The principle of variant reduction is driven ever forward. Currently, GIRA is aiming to offer various materials for its frames in order to achieve a larger selection with the same design and the same components. Thus there are frames made of linoleum, shale, glass and concrete.

As the examples have shown, organizing design is of great importance and will be driven forward and ever more sophisticated. This happens mainly on account of economical reasons. In addition, rationalization, standardization and system design are helping us, according to Elfie Miklautz’ reckoning at the outset, to organize and control our often chaotic world, and offer us orientation. Given today’s degree of organization we ought to feel quite secure indeed…

Marion Godau*, November 2016

 

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References:

(1) Elfie Miklautz: Die Produktwelt als symbolische Form. In: König, Gudrun M. (Hg.): Alltagsdinge. Erkundungen der materiellen Kultur. Tübinger Vereinigung für Volkskunde, Tübingen 2005, S. 43.

(2) Adrian Forty: Objects of Desire. Design and Society since 1750. New York 1992, S.122f.

(3) Klaus Weber (Hg.) für das Bauhaus-Archiv: Keramik und Bauhaus. Berlin 1989, S. 60.

(4) ebd., S. 61

(5) Eva von Seckendorff: Die Hochschule für Gestaltung in Ulm. Gründung (1949-1953) und Ära Max Bill (1953-1957). Marburg 1989, S.44

 

Further Literature (Selection):

Volker Albus, Reyer Kras, Jonathan M. Woodham (Hg.): Design! Das 20. Jahrhundert. München, London, New York o.J.

Bauhaus-Archiv Museum für Gestaltung (Hg.): Experiment Bauhaus. Berlin 1988

Bauhaus-Archiv Museum für Gestaltung (Hg.), Magdalena Droste: Bauhaus 1919-1933. Köln 1990

Jeannine Fiedler, Peter Feierabend (Hg.): Bauhaus. Köln 1999

FSB, GIRA, KEUCO, SSS Siedle (Hg.): Berührungspunkte. Dortmund 2000

Raymond Guidot: Design, Stuttgart 1994

Herbert Lindinger (Hg.): ulm… Die Moral der Gegenstände. Berlin 1991, 2. Aufl.

Monte von DuMont (Hg.): Auf einen Blick: Design: Von der industriellen Revolution bis zum 21. Jahrhundert. Köln 2001

Wolfgang Schepers, Peter Schmitt (Hg.): Das Jahrhundert des Designs. Geschichte und Zukunft der Dinge. Frankfurt am Main 2000

Penny Sparke: Design im 20. Jahrhundert. Die Eroberung des Alltags durch die Kunst. Stuttgart 1999

 Translation german -> english: John Benjamin:

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* Prof. Dr. Marion Godau
, is a german Design Historian and a Professor for Design-, Culture- and Art History at the University of Applied Sciences Potsdam (FHP). She joined the DESIGNABILITES Family in 2016.

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Der rote Faden – Gedanken Spinnen Muster Bilden (Book Review, german)

Wer beim Versuch, im World Wide “Web” neue Gedanken zu “verknüpfen” schon einmal den “Faden verloren” hat, weiß: Textiles Denken prägt unsere Kommunikationswelt, unseren Sprachgebrauch und unsere Weltsicht. Wir denken und handeln in Texturen, was sich im gleichen Zuge auch in unseren Erzählungen und Alltagsmythen niederschlägt.

Und auch die physischen Techniken rund ums Textil – das Häkeln, Sticken, Nähen, Weben – dienen immer schon als Ausgangspunkt für unser Wissen und Handeln. Sie fordern und fördern ein mathematisches Verständnis, ein Gefühl für Raum und Geometrie, und verdeutlichen, was der Neurowissenschaftler Manfred Spitzer als Repräsentation der Hand im Hirn bezeichnet. Denn im (regelmäßigen) Gebrauch der Hand entstehen „gebrauchsabhängige Spuren“ im Gehirn, welche wiederum die Bildung neuer neuronaler Verknüpfungen ermöglichen. Bei der Fertigung ebenso wie beim Tragen von Textilien geschieht dies zwangsläufig.

In mexikanischen Maya-Communities fußt das Erlernen des Webens auf konkreten, nachhaltig tradierten Wissenstheorien und wird mit gezielten Lernstrategien vermittelt. Vermittlung und Aneignung von Handwerk gehen hier auf prägnante Weise einher mit einer kulturellen Identitätsstiftung. Sie umfassen das Denken und Kalkulieren ebenso wie das Erinnern und den Umgang mit Symbolik.

Das Frankfurter Weltkulturen Museum widmet sich diesem Themenkomplex seit heute mit der umfangreichen Ausstellung „Der rote Faden – Gedanken Spinnen Muster Bildern“, dessen kurzweiliger Begleitband einen Thementeppich aus kulturwissenschaftlichen, ethnologischen, philosophischen Perspektiven und solchen der zeitgenössischen Kunst und Poesie verknüpft. Beim Lesen einstweilig den Faden zu verlieren: unbedingt empfohlen!

Tom Bieling, November 2016

 

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Vanessa von Gliszczynski, Eva Ch. Raabe & Mona Suhrbier (Hg.):
DER ROTE FADEN – Gedanken Spinnen Muster Bilden.

Kerber Verlag ISBN 978-3-7356-0267-1
288 Seiten, 29.95 EUR

 

 

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relationShips (Beziehungskisten) – Sociality and Sociability through Things.

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Within the contexts of debates on economic and social sustainability and of a sociology and cultural studies that increasingly explore things in their relation to social processes, design research is focusing more and more on the social dimensions of product design. While these debates are taking more of a macrosociological perspective, this conference is less concerned with such topics as the role of things in society as a whole, or how things initiate entire milieus and social mass phenomena, or investigating the source of social contexts, than with asking a micro-sociological question that is more moderate and more concrete: how things structure and constitute interpersonal relationships. How do things shape and regulate relationships? To what extent are they part of the sociality of human beings and support their sociability?

Sociality and Sociability through Things

By addressing sociality and sociability through things, the conference aims to put a narrower focus on the topic “social design”. Within the design discourse “social design” is often used in a colloquial sense, whereby “social design” either has as its object the welfare of certain groups, or concentrates on the design of intangible relationship structures and behaviour patterns in terms of services. While the former approach understands “social design” as ethically oriented or charitable design – and therefore includes far more than just the social dimensions of things (Papanek’s “Design for the Real World”, Human Centred Design, Universal Design) – the latter approach follows the notion that the social aspect can be found solely beyond the world of things, making the social dimensions of things become obsolete as an issue.

Unlike this common understanding of “social design”, the conference investigates the active role of things in the shaping and constitution of social relations. To what extent do they have a share in the sociality of human beings and support their sociability? While the concept of “sociality” rather refers to the dependence of the subject on social structures, the term “sociability” refers more to the ability of subjects to establish social relationships. How does the constitution of things thus stabilize interpersonal relationships (sociality) and enable their formation (sociability)?

In order to diversify the topic of the conference as broadly as possible, the conference sets three theoretical focal points that are nevertheless interwoven with each other in practice: communicative, aesthetic and performative sociality and sociability through things. This structure reflects three competencies, which are relevant for the sociability of subjects, in other words the ability to constitute social relations: 1. the cognitive ability of interpersonal cognition, 2. the perceptual or emotional ability of interpersonal experience, 3. the performative ability of interpersonal acts (see Paul Ekman’s distinction between “cognitive empathy”, “emotional empathy” and “compassionate empathy” that leads to social action). Since social relations always take place in a tangible world, the question arises as to how things co-constitute and mediate interpersonal cognition, experience and action.

I. Communicative relationShips
In the second half of the twentieth century the social efficacy of products was debated under semantic and wider linguistic aspects (Baudrillard, Barthes, the Offenbacher Approach based on a product language). Products have the function here of symbolizing social affiliations and differences. This focus questions how things intervene in cognitive sociability, enable or disable interpersonal knowledge, thus what role they play for the communicative aspect of social relations.

II. Performative relationShips More recently an approach has been established with the Actor-Network-Theory (Latour et al.), which seems particularly suitable for considering the performative role of things within social relations. This approach is methodologically useful, because it does not make a preliminary decision about the entities that need to be taken into account for understanding social processes. The conference aspires to take on the performative and objectoriented focus of the ANT, but does not require networks of any type, apart from those that apply to the constitution of human relationships. How do things change our acting, interpersonal relationships? How do they enable or disable the competence of performative sociability? How do things regulate interpersonal behaviour? And might this starting point even be suitable for generating a concept of Interaction Design that deals not so much with the interactive relationship of people to things as the interpersonal interactions with and through things?

III. Aesthetic relationShips
This focus is based on the assumption that not only a cognitive interest but also a perceptive interest is important for the constitution of social relations. Although the design discourse rarely distinguishes between symbolic and 4 aesthetic aspects of things, this focus emphatically requires product aesthetics based on social relationships. The theory of an event society (Gerhard Schulze “Erlebnisgesellschaft”) diagnoses a general orientation towards experience – can this be completed and expanded to include concrete contents of experience: for example the question whether things play a role in the awareness of our fellow subjects? How do things engage with our perception and experience of interpersonal relationships, how do they enable or disable the competence of perceptual-emotional sociability?

Johannes Lang & Dr. Martina Fineder

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The interdisciplinary Conference of the Department of Product Design, Bauhaus-University Weimar* on November 11–12 (2016) is open to the public. Free entrance!

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[Plakat: Moritz Ebeling]


PROGRAMME:

FR, 11. November 2016:

14:00
Reception: Wolfgang Sattler (Dean of the Faculty Kunst und Gestaltung)
Introduction: Johannes Lang and Martina Fineder

I. SOZIALES KOMMUNIZIEREN DURCH DINGE

14:30
Herbert Fitzek: Dinge sind asozial!?

15:15
Kathrina Dankl: Shared Medical Decision Making – Der Versuch Entscheidungen greifbar zu machen

16:30
Anamaria Depner: Von diskreten Dingen und aufsässigen Artefakten – Zur Mensch-Ding-Mensch-Beziehung in Pflegesettings

17:15
Alexander Hagner: Beziehungskiste Memobil und andere soziale Objekte

18:00
Final Diskussion: moderated by Martina Fineder und Johannes Lang

II. SOZIALES HANDELN DURCH DINGE

20:00 Evening Keynote
Peter-Paul Verbeek: Socializing Materiality: Mediation Theory and the Social Life of Things

SA, 12. November 2016:

10:00
Judith Seng: Choreografien des Alltags – oder kann die Gestaltungsdisziplin von den performativen Künsten lernen?

10:45
Albena Yaneva: Things that Make Us Move: Design and the New Regime of ‘Social’ and ‘Political’

11:30
Final Discussion: moderated by Jan Willmann

III. SOZIALES ERLEBEN DURCH DINGE

13:30
Adam Drazin: Sense and Sensation – The Material Politics of Openness in Post-Cosmopolitan Homes

14:00
Annette Geiger: Geschmacksbeziehung – Über den Gemeinsinn im Design

14:30
Martina Fineder: Von gemeinsam genutzten Dingen zu einer Ästhetik des Kollektiven

15:00
Final Discussion: moderated by Esther Cleven

* Bauhaus-Universität Weimar, Fakultät Kunst und Gestaltung, Geschwister-Scholl-Straße 7, Raum HP05

via Beziehungskisten (Bauhaus Uni Weimar)

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Künste lehren

Martin Rennert, seines Zeichens Präsident der Berliner Universität der Künste, initiierte im Jahr 2010 die Symposionreihe „Künste lehren“, in der sich die Fakultäten seitdem fortlaufend reflektieren und mit ihren Fragen und Antworten der Öffentlichkeit zeigen. Zum Abschluss der Reihe veranstaltet die Fakultät Gestaltung ihr Symposion „Künste lehren_Gestaltung lehren“ am 10. und 11. November 2016.

Die Fakultät Gestaltung umfasst eine große Breite an Fachdisziplinen und transdisziplinären Studiengängen. Gemeinsam ist diesen diversen Fachrichtungen und Studiengängen ein Ringen um die Frage: Was heißt Gestaltung heute? Und in welcher Tradition? Die Standortbestimmung dessen, was unter Gestaltung aktuell zu verstehen ist, führt zur Frage der Vermittlung: Was heißt Gestaltung lehren? Wozu und wie? In der Breite und Unterschiedlichkeit der fachlichen Perspektiven lassen sich ganz unterschiedliche, spannende und originelle Vermittlungsideen und -praktiken, aber auch Problemreflexionen finden. Von manchen erfährt man etwas unter Kollegen und Studierenden, von vielen aber auch nichts.

Im Rahmen eines zweitägigen Symposiums sollen Ideen der Gestaltungslehre gezeigt und diskutiert werden. Im Austausch zwischen Lehrenden und Studierenden, im Austausch von und nach außen. Tag zwei ist als öffentliche Veranstaltung für Studierende vorgesehen:FR, 11.11. (Programm offen für Studierende):

10.00 AM ANFANG: Eintreffen

10.15 BEGRÜSSUNG

10.45 KEYNOTE I Karmen Franinović: „Forschende Lehre”

11.30 IMPULSREFERATE I: aus den Studiengängen

12.00 WORKSKOPS inkl. Mittagspause c. 13.00-14.00

15.30 AUS DEN WORKSHOPS

16.30 IMPULSREFERATE II: aus den Studengängen

18.00 KEYNOTE: Siegfried Zielinski: „Visionen zur zukünftigen Gestaltungslehre”

19.00 AM SCHLUSS: Gespräche / Bar / Musik

ORT: Medienhaus der UdK Berlin, Grunewaldstr. 2-5, 10823 Berlin
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Dementia Lab – The Role of Design: Reflections on Design Education, Research and Practice.

Without doubt, design today has to respond to the growing need of the elderly population and specifically those with dementia. Central to this is the question on how to include the person with dementia, their family and (in)formal caregivers in the design process. Designing for and together with persons with dementia poses challenges for design educators, designers and researchers as traditional design approaches are sometimes not appropriate and may need adjustment. The Dementia Lab 2016 at Folkwang University of the Arts offered a perfect setting to discuss this. Rita Maldonado Branco took part…

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Last month I had the pleasure of having been invited to speak at a two-day event about design and dementia. The common interest in what design can do for people with dementia and how to involve them in the design process brought together several design practitioners, researchers, educators and design students to the two-day event Dementia Lab: The Role of Design. Organised by Niels Hendriks and Andrea Wilkinson, from LUCA School of Arts, Belgium, and supported by the Robert Bosch Stiftung, the event was hosted by the Folkwang University of the Arts, in Essen, Germany, on the 14th and 15th September 2016. The two days balanced lectures from a varied range of speakers and case-study presentations in the morning with small workshops in the afternoon, to listen, share and discuss the challenges outlined in the call for participation: the involvement of people with dementia in the design process, design education focusing on designing for (and with) people with dementia and the reflection on the personal and professional impact of working for and with people living with this condition.

Lectures

The event opened with a presentation by the organisers of the event, Andrea Wilkinson and Niels Hendriks, about some of the challenges and their approach to involving people with dementia in the design process, based on four years of experience in working and guiding students to design for and with people with dementia. In their vivid talk, Wilkinson and Hendriks shared their way of working through clear key learnings, illustrating them with several anecdotes of what went right or wrong. In their approach, the person with dementia is central. There is an effort on developing an empathic, personal connection with the person, trying to step into the person’s reality, and to respond to it. This requires the acceptance that results are unpredictable, and therefore a flexibility to change one’s role, the project scope and set up, so that is possible to find ways to involve the person with dementia, where objects and actions are crucial to communicate. Although focusing on the individual living with dementia, they have also stressed importance of considering and involving the ones around them (family and formal caregivers), and to make design happen in the context of care.

Helma van Rijn introduced the idea of creative understanding – the information, empathy and inspiration – which emerges from the direct encounters with people. Although empathy can be generated indirectly through literature or other references and imagination, the direct contact with people is more meaningful and allows collaboration to happen with non-designers. She reflected on the value of enjoying and getting inspired by the context of care, being open to what emerges from it, from funny mismatches or unexpected reactions, but also the importance of demonstrating the potential of design and the experiences it is able to provide in a context of care. According to van Rijn, it is essential to allow time to get familiar in the context, to observe and generate empathy, which also ensures ethics in practice.

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Andrea Wilkinson & Niels Hendriks (Social Spaces, LUCA School of Arts, KULeuven, Belgium): „Why/How we design for and together with persons with dementia“. 

John Vines’ lecture focused on the work with communities of care. Through the presentation of three projects that involved different communities of care, Vines discussed the role of the researcher in these project, both as a facilitator to trigger discussion within a community, as well as a resource that brings expertise and support on producing something that can enable necessary actions in a community. No toolkits or methods apply when working in these scenarios. The effort should be put in finding and building relationships with partners, engaging and taking the most out of the encounters with others, respecting their pace, as well as to think of the sustainability beyond the project.

The potential of objects as things to speak through was highlighted in Jayne Wallace’s talk. In her Personhood Project, probes became opportunities to enable participants to reflect, share their stories and their views, namely to the person with dementia. Inversely, objects or activities can be also important to allow participants to remain silent when needed. The very personal engagement with the participants made them feel at ease not only to respond to the exercises but to also comment on and evaluate them. This effort to give voice to people with dementia and their carers was also implicit in Wallace’s presentation, where several quotes from participants appeared to illustrate the projects.

Tommy Dykkes spoke about his undergoing PhD project and reflected on the role of befriending when designing for dementia. He shared his experience about his personal engagement with Jim, and how trying to take people with dementia out of their ‘loops of thought’ can become moments of meaning in their day. The use of artefacts can also have this ability to generate meaning for people with dementia in a context of care, which Dykkes demonstrated with two of his digital artefacts—the Paper Street View and the Digital Scrabble. His work brought questions about the impact of these experiences for a designer both professionally and personally, as well as the value that design can bring to contexts of care, suggesting that designers could be embedded in these settings.

Case Study presentations

Workshops conducted by Andrea Wilkinson and Niels Hendriks, on working for and with people with dementia, in three German design schools, were presented as case studies. Nina Pillen (Folkwang University of the Arts), Stefanie Schwartz (Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart) introduced their design education context, interests and approaches practiced in their schools, and how engaging in such workshop enriched and opened what they can offer to students. They highlighted the importance the input of Hendriks and Wilkinson. Their personal stories and guidance were crucial lower the fear and inspire the students. Pillen and Schwartz have also exposed some of the challenges of embedding this kind of projects in a more traditional design curriculum: the complexity and extra time of organising these projects, finding, dealing, meeting with partners and participants; the difficulty to guide students and specifically of working and teaching towards and open-ended outcome, since the commonly the format is given up-front in the design brief (for instance, students need to design a poster). Schwartz also pointed out that, mainly in more traditional design schools, there is a general lack of awareness of what design can do in the context of dementia, and other contexts of healthcare or social design, which hinders the engagement in such topics. These kind of projects could be better communicated and shared, so they can be examples and inspiration for new designers to work on these topics. In addition to these accounts, it was very interesting to hear from Lasse Rosenfeld, a student at the BTK University of Art and Design, who spoke about his own experience in participating in this project, the initial fear of being ‘dropped’ at the institution, what triggered his attention to inspire and influence design ideation and how his idea evolved into a prototype, the results and reactions from trying them at the care institution and possibilities of being further developed into a product.

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„The Designer of the Future / What does the designer of the future need to respond to real-world-relevant (social design) topics such as designing for and together with persons with dementia?”
(Workshop)

Workshops

In both afternoons, we were invited to participate in brief workshops that addressed issues of design education such as what characteristics should future designers have to respond to social topics such as dementia or what the design course of the future would be. In here, it was curious to see a focus on the human qualities and values, whereas more traditional design skills were slightly overlooked. Another workshop, as well as a funny ‘speed-dating’ activity, revolved around personal stories. These moments represented an important space to learn and bond with other participants, through sharing experiences and anecdotes of working with people with dementia. The last exercise proposed was to look at the sustainability of these projects that seem to happen frequently in academic contexts, where results and outcomes rarely evolve to become accessible, distributed or used. During a short-time, we had to think of how a business plan could work in this context, considering all the elements for its success (money, partners, resources, distribution, costumer segments and relationships, etc.) – which are left out of research projects concerns.

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“The Sustainable Future / What kind of system enables the designer of the future to work in a sustainale context?” (Workshop)

Round table

To finish the event, Catherine Stones moderated a round table with all the speakers. Stones made a thought-provoking summary of what have been discussed on these two days: we spoke a lot of empowerment, play, conversation, stimulation, we brought our personal stories out, we mentioned the possibilities of generalisation and reproducibility, as well as the idea of personalisation, but we did not touch on more specific questions related to these like cost, durability, hygiene, etc. She drew attention to the need of rigour, and questioned about measurement and evaluation, and impact. This specific aspect generated an interesting discussion about the use of quantitative and qualitative evaluation. On the one hand, looking at these projects quantitatively will not reveal the richness of the work, the interactions, the meaning, thus a qualitative analysis, through elaborated case studies for instance, seems to be more appropriate for these cases. On the other hand, this makes it challenging to communicate and to make these projects sustainable and accessible to people. It seems to be a delicate balance, and we should find suitable ways to evaluate and reveal the value of our work and, in this way, have an impact.

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Going back to the main points for reflection of Dementia Lab, design education focusing on designing for (and with) people with dementia was discussed by Niels Hendriks and Andrea Wilkinson who presented their approach, but mostly during the case study presentations, where the values and challenges of engaging students in such projects were highlighted, and in the two of the workshops, where the designer and the design course of the future were brought to debate. The challenge to involve people with dementia, as well as their communities of care, was primarily addressed by the speakers, mostly from a design research perspective. Although a wide variety of approaches, methods and results from several projects were presented, the respectful and open attitude, the emphasis on empathy and personal engagement, the effort to find ways to communicate through the use of objects and activities seem common aspects in the different ways of working. Many of the speakers also reflected on the professional and personal impact of working with and for people with dementia, but this was also the common theme of informal conversations during breaks, through sharing impressions, stories, projects, which was one of the most interesting aspects of Dementia Lab. This brings me to reflect on the fact that this event was so specific. Usually, in design research, but also in more commercial contexts, we attend conferences that are within our field, but still quite broad. In this case, participants were committed, had plenty to share, common views and approaches. The specificity of Dementia Lab permitted this rapport to happen.

A publication about Dementia Lab is expected to be published in early 2017 and more information about the event can be found at http://www.dementialab.com

Rita Maldonado Branco*, October 2016

 

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————————————————–
* Rita Maldonado Branco is a communication designer currently undertaking a PhD in Design at the University of Porto, in partnership with University of Aveiro and the Research Institute for Design, Media and Culture (ID+), Portugal. She graduated with distinction in MA Communication Design from Central Saint Martins, University of the Arts London (2012) with a project that explored communication design contributions to dementia. She is now taking this research forward through her PhD, using codesign to explore ways to enable people with dementia and their families to develop personalised communication strategies. She joined the DESIGNABILITES Family in 2016.

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Gender in Aktion: Interdisziplinäre Perspektiven und technologische Interaktionen

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“Technik ist aus unserem Leben nicht mehr wegzudenken. Sie durchdringt heute alle Lebensbereiche. Sie tritt uns als intelligente Akteurin zunehmend ebenbürtig gegenüber, denkt mit, unterstützt, bevormundet oder entmündigt. Dabei fließen in Gestaltungsentscheidungen immer auch – bewusst oder unbewusst – geschlechtliche Vorstellungen über die Nutzer_innen und Nutzungskontexte ein: In Gestaltungs-, Nutzungs- und Aneignungsprozessen entscheidet sich im und am Artefakt, was wir sind und wie wir handeln – als vergeschlechtlichte Subjekte und Objekte.
Die Konferenz „Gender in Aktion: Digitale Perspektiven von Gender & Design“ will diese bisher immer noch „peripheren Randbezirke“ des digitalen Designs ins Zentrum der Diskussion rücken. Technologie als männliche Kultur, Erfahrungen von im(materieller) Körperlichkeit, Gender-Positionierung sind Fragen, die in vier intensiven Workshops mit unterschiedlicher thematischer Fokussierung adressiert werden sollen.

Gender und Interaction Design Research

Interaction Design ist ein sehr gutes Beispiel für „moving in-between“-Aktivitäten:  Die Beweglichkeit zwischen Designforschung, Designpraxis und Gender ergibt Trajektorien, deren Laufbahnen nicht in eine Richtung zeigen, sondern hin- und her-oszillieren. Mit der rasanten Ausweitung von Technologien auf alle Lebensbereiche gewinnt die Diskussion um die Einbeziehung von Gender-Perspektiven an zunehmender Relevanz: Der Fokus liegt nicht mehr nur auf den Analysen der  unterschiedlichen geschlechterspezifischen Verständnisse und Umgangsweisen von digitaler Interaktion; genauso wichtig ist ein Verständnis dieses Bereichs hinsichtlich Gender-Identitäten: Für wen und in welcher Form werden Technologien gestaltet, die als gender-sensibel zu bewerten sind.
Moderation: Jennifer Schubert, Designforscherin, Doktorandin am Design Research Lab, UdK, Berlin & Dr. Arne Berger, Designer und Designforscher, Leiter Forschungsprojekt „miteinander“, TU Chemnitz.

User Experience als Gender Experience

Hierbei geht es nicht allein um die unmittelbare UX / HCI, sondern auch um die genaue Erfahrung, wie Menschen (und damit unterschiedliche Genders) im Alltag physikalische und immaterielle Artefakte gebrauchen und benutzen.
Moderation: Claudia Herling, Designerin, Mitinhaberin Designbüro „digitale frische“, Köln, Lehrbeauftragte FH Aachen & Kevin Lefeuvre, Produktdesigner, wissenschaftlicher Mitarbeiter im Forschungsprojekt „miteinander“, TU Chemnitz.

Demographischer Wandel unter Gender-Perspektiven

Gegenläufiger könnte die demografische Entwicklung in unterschiedlichen Regionen der Welt nicht sein: Während Afrika weiterhin der Kontinent mit dem größten Bevölkerungswachstum ist, verlangsamt sich das Wachstum in den sogenannten (post)industriellen Ländern geradezu dramatisch.
Fakt: Frauen werden a. im Durchschnitt älter und sind b. aktiver und interessierter als Männer. So macht es Sinn, Frauen in Co-Creation und partizipative Prozesse/Projekte intensiver mit einzubeziehen, mit ihnen gemeinsam lebenswerte Aktionen und ggf. auch finanzielle Potenziale zu erschließen. Bezüglich interaktiver Technologien werden hier Überlegungen zum Tragen kommen, die der Erleichterung des Alltags dienen, aber auch die kontinuierliche Partizipation an kulturellen und anderen „outdoor“-Aktivitäten bis ins hohe Alter ermöglichen.
Moderation: Dr. Sandra Buchmüller, Designforscherin und ­Designerin, Köln 
& N.N.

Demokatisierung von Technologien – Demokratisierung von Gender

Vernetzte Technologien und Daten sind für immer mehr Menschen zugänglich, etwa durch Open Source, Rapid Prototyping, DIY-Techniken.
Dies wirft die Frage auf, inwieweit die zunehmend vernetzte Welt gesellschaftliche Ordnungen auch hinsichtlich vergeschlechtlichter Macht und Ohnmacht reproduziert oder verändert.
Moderation: Michelle Christensen, Soziologin und Designforscherin, Florian Conradi, Designer und Designforscher, beide Design Research Lab, UdK Berlin & Dr. Albrecht Kurze, Informatiker, stellvertretender Leiter des Projekts ­„miteinander“.”

Die Konferenz des international Gender Design Networks / iGDN in Kooperation mit dem Forschungsprojekt “miteinander” findet am 30.11. und 1.12.2016 an der TU Chemnitz statt. Den Abendvortrag hält Prof. Dr. Shaowen Bardzell (Human-Computer Interaction Design, Indiana University Bloomington, USA).

via iGDN

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Ene Mene Muh und welche Stadt willst Du? (Contribution to the Berlin state election 2016)

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“The debates and struggles in Berlin for civic involvement in urban development arise from an increasingly urgent desire for genuine participation. Ene Mene Muh und welche Stadt willst Du? poses questions regarding the theory and practice of participation and paths to social change in representative democracy.

Using Sherry Arnstein’s “Ladder of Citizen Participation” (1969) as a starting point, interviews were conducted with members of the initiatives Stadt von Unten, 100% Tempelhofer Feld and Kotti & Co. The ensuing conceptual fields of “empowerment”, “eye level”, “control of politics (by the general population)” and “self-administration” house a subjective arrangement of historical and contemporary photographs, videos and publications in the exhibition space.

This spatial diagram accompanied by documentary films is grasped as a discussion offer and reference system for the project’s event programme comprising radio readings, lectures and talks on the topics of urban commons, public property, housing policies, community organizing and direct democracy.

Beiträge zum Berliner Wahlherbst 2016
Contributions to the Berlin state election 2016
Spatial diagram, Films, Events, Publications

10 September – 3 October 2016 with contributions by:
Sandra Bartoli, Niels Boeing, Daniela Brahm, Ascan Breuer, Irene Bude & Olaf Sobczak & Steffen Jörg, Frauke Burgdorff, Robert Burghardt, Paola Castillo & Tiziana Panizza, Gerd Danigel, Tashy Endres, Valeria Fahrenkrog, Joerg Franzbecker, Erik Göngrich, Ulrike Hamann, Anna Heilgemeir, Mathias Heyden, Renate Hildebrandt, HK Bast & Leut’Werk, Andrej Holm, Claudia Hummel, Sandy Kaltenborn, Jan Kuhnert, Heimo Lattner, Judith Laub, Johannes Ludwig, Annette Maechtel, Robert Maruschke, Kerstin Meyer, Susanna Raab, Elske Rosenfeld, Andreas Rumpfhuber, Ines Schaber, Enrico Schönberg, Boris Sieverts, Stavros Stavrides, Rouzbeh Taheri, Fabian Thiel, Florian Wüst u. a.

Ene Mene Muh und welche Stadt willst Du? is a project of the initiators of the Berlin Journals—On the History and Present State of the City. The ongoing series of small publications combines artistic, essayistic and activist practices. The journals address the social, cultural and economic changes in Berlin and other cities, and intervene in the urban political debates by historical reflection as well as by information on current affairs. After the exhibition, new issues of the Berlin Journals will be co-produced with the publishing house of the nGbK.

Friday, 9 September 2016, 19h
Opening

Saturday, 10 September 2016, 18h (de)
Von Wegen. Überlegungen zur freien Stadt der Zukunft
Lecture and talk with Niels Boeing (Hamburg)
Moderated by Mathias Heyden

Wednesday, 14 September 2016, 19h (de)
IBID – Szenische Lesungen aus politischen Dokumenten
Zwei Welten? TUNIX, Mescalero und die Folgen, 1978
Edited by Heimo Lattner & Annette Maechtel
Live broadcast on reboot kotti.fm 99.1

Friday, 16 September 2016, 19h (de)
Wünsche an die Demokratie: Basis- und direktdemokratische Ansätze vom Verfassungsentwurf des Runden Tisches der DDR zur Gesamtberliner Verfassung
Open talk with Bernd Gehrke (Berlin), Jürgen Tallig (Berlin) u.a.
Moderated by Kerstin Meyer & Elske Rosenfeld

Saturday, 17 September 2016, 18h (en)
Common Space: The City as Commons (In Common)
Lecture and talk with Stavros Stavrides (Athen)
Moderated by Ulrike Hamann & Mathias Heyden

Based on his book Common Space: The City as Commons (Zed Books, London 2016) published as part of the series In Common, we talk with Stavros Stavrides (architect, activist, author and professor at the National Technical University of Athens) about his understanding of threshold and border spaces as spatial commons and their potential for urban-communal action to reclaim public space. His global engagement with social housing construction and informal settlements additionally prompts us to grasp Berlin’s housing stock as spatial commons. His work on commons and communing refers to multifaceted processes, in which spaces, usage subjects (residents) and usage rules (institutions) have the same qualitative features. Space is therefore not only a product based on sharing, co-operation and solidarity, but also the means with which egalitarian social relations are established, formed and shaped – living environments ruled by everyone and accessible for all.

Sunday, 18 September 2016, from 17h
Election gala at Südblock
Südblock, Admiralstraße 1–2, 10999 Berlin

Wednesday, 21 September 2016, 19h (de)
IBID – Szenische Lesungen aus politischen Dokumenten
Forum Stadtpolitik: Wohnungsnot–Instandbesetzung?, Institut für Stadt- und Regionalplanung der TU Berlin, 12. Februar 1981
Edited by Florian Wüst
Live broadcast on reboot kotti.fm 99.1

Thursday, 22 September 2016, 19h (de)
Mitmachstadt trifft Kalkberg
Performative lecture by Claudia Hummel (Berlin) & Boris Sieverts (Köln)
Moderated by Erik Göngrich

Saturday, 24 September 2016, 18h (de)
Der Boden gehört uns allen! Öffentliche Liegenschaften und sozial gerechte Bodennutzung
Lecture and talk with Frauke Burgdorff (Bonn/Krefeld), Enrico Schönberg (Berlin), Fabian Thiel (Frankfurt am Main)
Moderated by Daniela Brahm & Mathias Heyden

Wednesday, 28 September 2016, 19h (de)
IBID – Szenische Lesungen aus politischen Dokumenten
Die Mauerpark-Affäre: Protokoll der 70. Plenarsitzung des Abgeordnetenhauses von Berlin, 17. Wahlperiode, 8. Oktober 2015
Edited by Heimo Lattner & Judith Laub
Live broadcast on reboot kotti.fm 99.1

Friday, 30 September 2016, 19h (de)
Community Organizing. Zwischen Revolution und Herrschaftssicherung
Lecture and talk with Robert Maruschke (Berlin)
Moderated by Tashy Endres & Mathias Heyden

Monday, 3 October 2016, 16–20h (de)
Wohnen als Gemeingut: selbstverwaltet und kommunal! Von der Parzelle über das Quartier in die Stadtregion?
Lecture and talk with Anna Heilgemeir (Berlin), Andrej Holm (Berlin), Jan Kuhnert (Hannover), Johannes Ludwig (Hamburg), Susanna Raab (Berlin), Andreas Rumpfhuber (Wien), Rouzbeh Taheri (Berlin)
Moderated by Ulrike Hamann & Mathias Heyden

nGbK Project group: Joerg Franzbecker, Erik Göngrich, Heimo Lattner, Katja Reichard, Ines Schaber, Florian Wüst. With the collaboration of Valeria Fahrenkrog. Curator of lectures and talks: Mathias Heyden

via ngbk

 

 

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Das Echo der Utopien – Tanz und Politik

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Kunst ist immer politisch! Nur der Tanz nicht? Zu Unrecht steht der Tanz in dem Ruf, eine unpolitische Kunst zu sein, der reinen Form, oft sogar dem puren Vergnügen verpflichtet, ohne politischen Inhalt, ohne politische Aussagekraft. Mit der Ausstellung “Das Echo der Utopien” geht das Tanzmuseum des Deutschen Tanzarchivs Köln den mannigfaltigen Spuren, Spielarten und Verbindungen von Tanz und Politik in Geschichte und Gegenwart nach.

Und ja: Tanz ist politisch. Allein mit seiner Körperlichkeit und seiner Ausdruckskraft ist er in der Lage, gesellschaftlich-moralische Ordnungen zu bestätigen oder sie nachhaltig infrage zu stellen. Allzu oft waren und sind es Verbote, die dem Einhalt gebieten können. Folgerichtig begegnen sich in der Ausstellung des Deutschen Tanzarchivs Köln u. a. Tanzverbote durch kirchliche und weltliche Obrigkeiten aus dem 16. sowie dem 21. Jahrhundert.

Auch kann Tanz Ausdruck politischen Engagements sein. Die Ausstellung veranschaulicht dies beispielsweise anhand filmischer Aufzeichnungen aktueller Formen öffentlicher Performances und Happenings aber auch anhand von Dokumenten über den Widerstand von Tanzkünstlern zur Zeit des Nationalsozialismus.

En passant stellt “Das Echo der Utopien” dem Betrachter dabei auch die Frage nach den Chancen und den Orten von künstlerischen, sozialen und politischen Utopien in unserer Zeit.

Die Ausstellung wurde verlängert und läuft noch bis zum 29.1.2017.
Täglich (außer Mittwochs) von 14–19 Uhr im Deutschen Tanzarchiv Köln / SK Stiftung Kultur. Im Mediapark 7, 50670 Köln.

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Design and Organisation 2.0: From „Design for Life“ to „Design Your Life“

Looking at society as the embodiment of a living environment, which is constituted of social, cultural, mental and material components, raises the question about how this is (or should be) actually organised.

In the summer semester 2015, a new issue of the “Design & Organisation” lectures started at GUC Berlin Campus. During the whole semester, a group of 23 (Graphic-, Product- and Media-) design students has been exploring the links, tasks, parallels and potentials between design and organisation(s). The course was complemented by a series of lectures that dealt with the organisational dimensions of design.

The exploration started with a historical introduction into System Design, discussing insights from the HfG Ulm, exemplifying the ‘Frankfurt Kitchen’ as an approach for a taylorist assembly line in home environments, or investigating the works of Hans Roericht in terms of a “Design as Organisation of Food Services” (Marion Godau).

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[Marion Godau]

For sure, designers can also benefit from non-structure or even chaos. Yet, thin is the line between open and closed structures within the design process. This challenge was contrasted in the following sessions with Juli Gudehus (“The better the rules, the more fun are the games!”), Uwe Kuckertz (“The Architecture Perspective”) or Anja Rosendahl (“The Brand Perspective”).

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[Juli Gudehus]

Together with Christoph Fleckenstein (iondesign), the students moreover explored how “shaping needs” can include both addressing needs and creating them. Including an intense discussion on the sustainable dimensions of design, e.g. in terms of local production, or creating and sustaining regional jobs.

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[Christoph Fleckenstein]

In regard to conceive design as an epistemic, analytical tool, e.g. for understanding place or life, the topic area was then broadened towards considerations about “Urban Organisms” (Ares Kalandides) as well as “human and cybernetic Organisms” (Stefan Greiner). The former showed how our understanding of a city actually changes the planning of a city, which does both have a strong link to design. Referring back to Norbert Wiener, the latter explicated the closed loop between technical and human systems: Both work as regulatory systems, which are based on feedback loops. From a cyborg point-of-view, this helps a lot to understand the human relation to tools: Being used to use and learn tools and techniques, we can somehow externalize what used to be limited to our brain or body beforehand.

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[Stefan Greiner]

This understanding again opens up the field to “hack” these tools and techniques. Hacking is nothing more or less than modifying an original meaning and transforming it into something completely new or different. Thus the cyborg perspective entails, that this does not only mean to experiment with technology but also with our bodies (e.g. in terms of broadening our senses).

Undoubtedly this raises some fundamental, ethical questions. Not only in terms of how we can create a more open access to technology in future, and create processes in which everybody can participate. But also in terms of how we define the boarders of “human” and “technology”!

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[Ares Kalandides]

The multiperspective input of this course, was taken as a basis for design-argumentative short texts, in which the students would approach general or specific perspectives on the “Design & Organisation” complex. Diverse points of view were possible and being discussed differently: How can design (help to) inform an organisation. How can it trigger the processes with or within an organisation? What role can design play in institutional organisation(s)? What about organisations that deal with design topics? This led to a broad spectrum of diverse derivations, suggestions, opinions and proposals that aim at designing organisation(s) and organising design.

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[Design and Organisation 2.0 | Tom Bieling, Ares Kalandides (Guest) and Group]

Twenty-three short essays were compiled in a booklet. Fortunately the narrative styles are as broad as the topics being discussed: From rather subjective or anecdotic stories to abstracted or generalizing papers, the authors have been dealing with the links or parallels between design and organisation; all considering limits as well as chances and potentials for design in terms of organisation, and vice versa. Often revealing a critical and reflected thinking about design. And occasionally – maybe unconsciously – opening the field of discussion towards an almost heideggerian understanding about the “presence-at-hand” versus the “readiness-to-hand”, or even the “being-in-the-world” in general.

Tom Bieling | Berlin, Mai 2016

 

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[Poster | Programme: Click to enlarge!]

 

 

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Design and Time

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There has been sustained research and debate across a number of disciplines recently about different global perspectives on time, the rhythms of work and time and the increasing speed of life and communication between different communities. In what ways can the discipline of design history respond to these challenges? How can the past inform the present and the future in terms of design? How has time been designed?

The Design and Time Conference at the School of Art & Design, Middlesex University, London takes the theme of the temporal turn and addresses theses issues. Keynote speakers include Elizabeth Guffey (State University, New York), Jeremy Till (University of the Arts, London) and Leslie Atzmon (Eastern Michigan University).

The conference will take place from 8th – 10th September 2016

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Living Objects

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Und noch eine Ausstellung im Designtransfer Berlin:

[German:]
Mit den Ergebnissen des UdK Workshops von Gosia Lehmann und Valerian Blos wird in spekulativen Szenarien und durch die Gestaltung von weiterführenden Anwendungen für synthetisch erschaffene Organismen eine kritische Debatte angeregt: Wo liegt die Grenze zwischen toter und lebender Materie im Kontext von industrieller Produktion und Alltag? Wie nehmen Bio-Engineering und synthetische Biologie Einfluss auf unsere Ethik, Moral oder Verhalten?

[English:]
Results from the workshop by Gosia Lehmann and Valerian Blos initiating a critical debate through speculative scenarios and the design of further applications for synthetically created organisms: Where lies the border between dead and living matter in the context of industrial production and everyday life?

Ausstellung: 22. Juli– 24. Juli, 10:00–18:00
Einsteinufer 43, 10587 Berlin-Charlottenburg

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HACKING UTOPIA – Designkonzepte für soziale Transformation

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Im Rahmen des Forschungsprojektes #OpenCare zeigt der Designtransfer Berlin Arbeiten interdisziplinärer Teams aus den UdK Studiengängen Produktdesign und Gesellschafts- und Wirtschaftskommunikation: Neue Strategien und Lösungen für die Zukunftsfähigkeit unseres Sozial- und Gesundheitssytems in unserer demographisch sich wandelnden Gesellschaft. Das experimentelle Projektformat definiert Probleme dieses komplexen Kontextes, die kollaborative und partizipative Designstrategien erfordern und für die neue Prozesse, Methoden und Rollen im Design entwickelt werden müssen.

Ausstellungseröffnung: Mittwoch 20. Juli, 19:00
Ausstellung: 21. Juli– 24. Juli, 10:00–18:00

Einsteinufer 43, 10587 Berlin-Charlottenburg

 

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Wessen Wissen?

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Das Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste” der UdK Berlin lädt zur Jahrestagung über die Wissenspolitiken der Künste und deren Erkenntnisansprüche. Dem diesjährigen Motto ‘Wessen Wissen?’ sind dabei folgende Leitfragen vorangestellt:

“Welche Positionen beanspruchen die Künste im umkämpften Machtfeld des Wissens? Wie greifen sie in die Aufteilungen des Epistemischen ein? Lässt sich ein Wissen der Künste als situiertes Wissen begreifen, insofern es anfechtbare, partikulare und parteiliche Perspektiven einnimmt? Welche Akteur_innen und Institutionen haben einen privilegierten Zugriff auf Wissen in der Kunst? Welche Positionen im Feld der Kunst neigen dazu, ihre Situiertheit zu leugnen?

Dies wirft freilich auch die Frage nach den “Akteur/innen, den Körpern, Materialien und Technologien auf, die in künstlerischen Produktions- und Wissensprozessen miteinander interagieren. Diese lassen sich als Übersetzungen und Transformationen beschreiben, in denen Künstler/innen längst nicht mehr die einzigen Subjekte des Wissens sind. Denn in den künstlerischen Praktiken des Entwerfens, Skizzierens, Improvisierens, Modellierens, Probens und Experimentierens entfalten Medien und Materialien ihre je eigene agentielle Kraft. Und doch hat die Wissens- und Wissenschaftsgeschichte in ihren Herausarbeitungen der Situiertheit und Historizität der Wissenschaften die Künste bislang wenig berücksichtigt. Was also können diese epistemologischen Überlegungen für die Künste bedeuten, oder weiter gefragt:

Wie lässt sich über Kunst nachdenken, wenn ihre Produktion als epistemische Praxis aufgefasst wird? Wie greifen künstlerische Subjektivität, spezifische Materialien, Technik und Settings bei künstlerischen Produktionsprozessen ineinander? Haben die Künste aufgrund ihrer Aufmerksamkeit für visuelle, auditive und materiale Prozesse das Vermögen, die impliziten medialen Bedingungen von Wissensgenerierungen zu explizieren? Auf welche Weise bauen Künste neue Wissensordnungen auf, die z.B. als Gegenarchive andere Formen des Zugangs und der Teilhabe ermöglichen, mithin andere Wissensbestände erzeugen?”

Die Tagung finde vom 21. bis 23. Juli in der Alten TU-Mensa, Hardenbergstraße 34–35, 10623 Berlin statt. Die Veranstaltung ist öffentlich und kostenfrei. Voranmeldungen sind nicht notwendig.

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Komplettes Programm (PDF) downloaden!

Programm

Donnerstag, 21. Juli 2016

14:00 Empfang

14:30–15:00
Begrüßung durch die Vize-Präsidentin der UdK Prof. Dr. Ulrike Hentschel und die Sprecherin des Graduiertenkollegs Prof. Dr. Barbara Gronau

Einführung

15:00–16:00
Astrid Deuber-Mankowsky
Zwischen Apokalypse und Sympoiesis. Neue Materialismen und Situiertes Wissen
Respondenz: Constance Krüger

16:00–17:00
Helmut Draxler
Das Wissen der Spaltung
Respondenz: Susanne Hauser

17:00–17:30
Pause

17:30–19:00
Arbeitsgespräch mit Merle Kröger und Philip Scheffner über filmische und erzählerische Räume
Migration und die Frage der Perspektive
Moderation: Kathrin Peters

ab 19:00
UdK-Rundgang und Gartenfest
UdK-Hauptgebäude, Hardenbergstraße 33, 10623 Berlin

Freitag, 22. Juli 2016

10:30–11:30

Sabine Ammon
Denken mit B6 (und Skizzenpapier). Reflexionsmilieus und zeichnerisches Schlussfolgern in Architektur und Produktentwicklung
Respondenz: Ralf Liptau, Robert Patz

11:30–12:30
Knut Ebeling
Das überwucherte Monument. Zu David Claerbouts Olympia-Projekt
Respondenz: Dennis Pohl

12:30–14:00
Mittagspause

14:00–15:00
Arbeitsgespräch mit Sebastian Döring und Jan-Peter E. R. Sonntag
Hardware-Anatomien an der Schnittstelle von Wissen(schaft), Medienkunst und Bastelei
Moderation: Christina Dörfling

15:00–16:00
Ute Holl
Hybride Körper: das Tonstudio als Laboratorium
Respondenz: Felix Laubscher

16:00–16:30
Pause

16:30–17:30
Katja Eydel
Engagement für Darstellungen oder das Wie des Sehens
Moderation: Renate Wöhrer

17:30–18:30
Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Notes on Epistemic Disobedience
Moderation: Barbara Gronau

ab 21:00
An evening with the Society for Nontrivial Pursuits Live Image, Moving Sound
Audiovisuelles Konzert der Klassen GenComp von Alberto de Campo und Bewegtbild von Anna Anders
Medienhaus, Grunewaldstraße 2–5, 10823 Berlin

Samstag, 23. Juli 2016

10:30–12:30
Simone Dede Ayivi
Performing Black – Strategien der (Selbst-)Dekolonisierung im Theater
Moderation: Lisa Großmann

Podiumsgespräch mit Simone Dede Ayivi, Therese Kaufmann und Azadeh Sharifi
Situiertes Wissen in der Kulturproduktion
Moderation: Ildikó Szántó, Ina Driemel

12:30–13:30
Mittagspause

13:30–14:30
Stephan Trinkaus
“Into the Chthulucene” – Fiktion, Wissen, Materialität
Respondenz: Georg Dickmann

14:30–15:30
Michaela Melián
Electric Ladyland
Moderation: Kathrin Busch

15:30–15:45
Pause

15:45–16:45
Simon Sheikh
Situating Curatorial Knowledge and Power
Respondenz: Judith Siegmund

16:45–17:00
Schlusskommentar

via Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste”

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CAMÉRA(AUTO)CONTRÔLE

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Here we are in the era of “happy-selfexploitation” observed by philosopher Byung- Chul Han, who suggests that cognitive capitalism has brought about a paradigm shift. He replaces Michel Foucault’s bio-politics with the concept of psycho-politics, in which we, the “users”, participate with our own consent, not to say enthusiasm, in our own exploitation, by giving our images and other personal informations willingly to the giants of the Internet. Our information is what forms their capital.

The exhibition Caméra(Auto)Contrôle at the Centre de la Photographie de Genève is the core of the 50JPG—50 Days for Photography in Geneva 2016. It takes us right into the burning issue of drones and all other monitoring systems that use photo and video cameras. We can indeed “celebrate” a quarter of century of the monitoring of public space by automated cameras worldwide. These cameras quite often bear a sticker with a smiley asking those being recorded, whether in a car park, at a supermarket check-out, or on public transport, to smile.

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[La reconnaissance faciale de Sebastien Laseigneur’s Iphone s’active sur une photo de Hiromi Tsuchida, Fukui/Japon, 1939, WHEN WE SHARE MORE THAN EVER]

A number of artists, hackers and political activists have refused to smile, instead appropriating these surveillance devices momentarily. Their actions have remained isolated, because never before has a grassroot movement fought against the increasingly invasive presence of depersonalised cameras in public spaces. It has also been a quarter of a century in which street photographers, both amateur and professional, have met with hostility, or even aggression from citizens, the same citizens who submissively accept being recorded 24 hours a day, wherever they may be.

This schizophrenic attitude might be interpreted as an internalisation of the passive acceptance of one’s image being monitored by unknown agents. The master stroke of this internalisation might well be the Selfie, where the citizen willingly smiles in front of his smartphone and shares this image of himself on social networks, and, in doing so, subjects himself to the most obvious social monitoring.

The exhibition is still running untill 31.7.2016

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Die Welt als Modell | Andres Janser und Tom Bieling über Modelle als epistemische Praxis.

AndresGanser_TomBieling 

Modelle können vieles (sein): Sie fungieren als Referenzobjekt für Bestehendes oder noch nicht Existentes, sie dienen der Veranschaulichung, sind haptisch oder visuell, detailgenau oder abstrakt. Wir sprechen von Modellen im Zusammenhang mit theoretischen Konzepten und wir kennen praktische Modelle in Form von Architekturmodellen. Schaltpläne, Diagramme, Skizzen, Versuchsaufbauten, aber auch die Eisenbahn im Spielzimmer und das Mannequin für die neue Modekollektion: Sämtlich Modelle in diesem Sinne.

Anlässlich der morgen eröffnenden Ausstellung Welten Bauen — Modelle zum Entwerfen, Sammeln, Nachdenken am Zürcher Museum für Gestaltung*, sprach Tom Bieling mit Andres Janser, Kurator der Ausstellung, über das Wissen im Entwurf und über die reflexive Praxis des Modellhaften.

[Tom Bieling:] Das „Modell“ ist seit jeher, nicht nur für Gestalter, ein nutzbringendes Hilfs- und Planungsmittel, um mögliche Zukünfte in die Gegenwart zu befördern und dort (be-)greifbar zu machen. In gestaltungsrelevanten Disziplinen dient das Modell beispielsweise als Speichermedium oder als Instrument zur Formfindung und Konzeptentwicklung. Es kann dabei Erkenntniswerkzeug sein, und birgt zugleich didaktisches und kommunikatives Potenzial, kann also der Distribution von Wissen dienen. Was wäre die Welt ohne die Möglichkeit des Modellierens?

[Andres Janser:] Das Modell ist ein unerlässliches Arbeitsinstrument beim Entwerfen in sämtlichen Massstabsbereichen und gestalterischen Disziplinen. Der Weg zur definitiven Form und Konstruktion kann ja sehr gewunden verlaufen. Beim leichtgewichtigen Sperrholz-Stuhl „Houdini“ von Stefan Diez etwa, oder bei der Isolierkanne „Thermos“ von Jörg Boner war es wesentlich, den Entwurf nach der Konzeptphase, in der auch die gewählte entwerferische Problemstellung hinterfragt wurde, die heraus gearbeiteten Lösungsansätze sowohl in Originalgrösse als auch im Originalmaterial zu prüfen und zu konkretisieren. In der Regel folgt auf das Modell der Prototyp und letztlich das Serienprodukt.

Stuhl Houdini_Entwurfsarbeit im Atelier_Stefan DiezStuhl «Houdini» für e15: Entwurfsarbeit im
Atelier, 2009, Stefan Diez, München, Foto: anonym

Modelle werden aber auch gerne als Medien eingesetzt, um die Ankündigung von etwas Kommendem zu unterstützen: In der Tradition von Stifterfiguren stellen sich Politiker und andere Initianten auch heute noch neben Modelle von grossen Vorhaben, um in entsprechenden Foto- und Videoaufnahmen festgehalten und veröffentlicht zu werden. Das Modell behauptet dann Zukunft: es steht sowohl für die Konkretheit und Ernsthaftigkeit des Vorhabens als auch für seine Überblickbarkeit und damit Machbarkeit. Gerade angesichts der bildhaften Entschlossenheit sind bisweilen Zweifel angebracht — etwa in den Aufnahmen von Abdel Fattah al-Sisis kürzlicher Ankündigung einer neuen Hauptstadt für Ägypten.

dsgnblts_egypt_tunePräsident Abdel Fattah al-Sisi kündigt
eine neue Hauptstadt für Ägypten an, 2015,
Foto: Mohamed Samaaha, © AFP Photo / Egyptian Presidency

In bemerkenswerten Ausnahmefällen wird die Ästhetik des Arbeitsmodells zum zentralen Thema des Entwurfs wie bei Thomas Dreissigackers Bühnenbild zu „Die Physiker“ am Deutschen Schauspielhaus Hamburg. Die Beschäftigung mit den Eigenheiten des abstrakten Modells — als Arbeitsmodell weist es keine Details auf und verweist weder auf ein bestimmtes Baumaterial noch auf eine bestimmte Epoche, zudem hat Dreissigacker den typischenn dicken weissen Karton nur mit Stecknadeln zusammengehalten — führte zur Entscheidung, es telquel hochzuskalieren zu einem ebenso abstrakten Bühnenbild, bei dem die räumliche Beziehung der Etagen und Zimmer zueinander im Vordergrund steht.

Führt man diesen Gedanken weiter, so kommt man zu jenen zahlreichen Modellen, die eine ausgewählte, interessensgeleitete Essenz der Wirklichkeit verkörpern, gerade weil sie sie in einem reduzierten Detaillierungsgrad darstellen. Solche Komplexitätsreduktion ist zweifelsohne eine wesentliche Kulturtechnik.

Thomas DreissigackersThomas Dreissigacker (Leiter Bachelor Szenografie, ZHdK),
Bühnenbild zu «Die Physiker» für das Deutsche Schauspielhaus Hamburg,
Beginn des Stücks 2015, Video-Dauer: 0′ 59“

Wenn man „Modell“ sagt, denkt man häufig an Gegenstände und Konzepte der Architektur, des Designs oder des Kunsthandwerks. Auch in der Wissenschafts- und Alltagsterminologie findet ein reger Umgang mit Modellen statt. Es liegt auf der Hand, dass es dabei auch zu begrifflichen Ungenauigkeiten kommt. Als kleinster gemeinsamer Nenner könnte gelten, dass ein Modell eigentlich nur in Beziehung zu einem bereits vorhandenen oder angedachten Referenzobjekt – dem „Original“ – existiert. Welche Rolle spielt in dieser Konstellation der Mensch, der ja sowohl als Modellentwickler als auch als Rezipient das Modell überhaupt erst in Relation zum Original setzen muss? 

Modelle beziehen sich immer auf eine physische oder ideelle Wirklichkeit. Das Modell ist nie die «eigentliche» Wirklichkeit. Es beeinflusst aber unser Verständnis dieser Wirklichkeit. Und hat dabei seine eigene Wirklichkeit. Dieser paradoxe, mediale Charakter des Modells macht es zu einer konzeptionellen und gestalterischen Herausforderung. Jedes Modell ist ja selber das Resultat eines Entwurfs. Bei einer Modellbahn-Lokomotive oder einem Spielzeugtier steht die Frage im Vordergrund, wie die stark verkleinerte Replik mit ihren reduzierten Details das Vorbild möglichst gut wiedergeben kann. Wenn dabei grobkörnige Modul-Bausteine wie Lego verwendet werden, ist umso mehr Einfallsreichtum gefragt — nicht nur vom Erbauer, sondern auch vom Betrachter.

Planspiele am physischen Modell gelten als längst nicht überholt. Denn Lernen hat viel mit Erlebnis und Involviertsein zu tun. Dass vergleichbar gute Computersimulationen teuer sind, tut sein Übriges. Ein alltägliches Beispiel für Probehandeln sind Zahnbürsten, die als hoch skaliertes Demonstrationsmodell in doppelter Grösse existieren. Zusammen mit einem entsprechenden Demonstrationsgebiss kann das Zähneputzen durch spielerische Veranschaulichung vermittelt werden.

In den Naturwissenschaften geht es bisweilen darum, eine Idee von etwas zu visualisieren, das so klein ist, dass es mit blossem Auge nicht erfasst werden kann. Modelle dienen dann ebenfalls der Skalierung nach oben, wobei oft nur Spezialisten gedanklich in der Lage sind, die (Grössen-)Relation zum Original herzustellen. Kurt Wüthrich erforscht an der ETH Zürich die molekularen Strukturen von Proteinen und deren Rolle bei der Entstehung von Krankheiten. Weil Proteine aus hunderten, ineinander verschachtelten Atomen bestehen, war ihre Strukturbestimmung lange schwierig. In den 1970er-Jahren waren es abstrakte Drahtmodelle, mit denen Wüthrich seine Erkenntnisse visualisierte (2002 erhielt er dafür den Chemie-Nobelpreis). Mittlerweile werden Proteinstrukturen virtuell mit dem Computer generiert. Indes nutzt man in der Lehre weiterhin auch die Anschaulichkeit haptisch erfahrbarer Modelle, die heute oftmals aus dem 3D-Drucker stammen.

12_Welten_bauenKurt Wüthrich (Nobelpreis für Chemie 2002),
Drahtmodell eines Pferde-Cytochrom C, 1973-78 (o.) und
Schematische Darstellung eines Maus-Prions, 1996 (u.),
© ZHdK (o.) / Kurt Wüthrich (u.) 

Das menschliche Gehirn vollständig zu verstehen und nachzubauen, ist eines der unerreichten Ziele der Wissenschaft. Forscher um Henry Markram von der Eidgenössischen Technischen Hochschule in Lausanne versuchen seit einigen Jahren, mit Supercomputern und mathematischen Algorithmen ein Gehirn-Modell zu bauen, und erhalten dafür im Rahmen des «Human Brain Project» seit 2013 Fördermittel der EU. Die Frage der Modellierbarkeit des Gehirns hat zu einem Methodenstreit unter Forschenden geführt, der Grundsatzfragen wissenschaftlicher Erkenntnis aufgreift. Kann man ein mechanisches Funktionsmodell von etwas bauen, von dem man erst einen Bruchteil verstanden hat? Modelle beruhen oftmals auf Mutmassungen und liefern dennoch Erkenntnis. Angesichts der Komplexität des Gehirns muss sich noch zeigen, ob und wann man den Erfolg dieses Modell-Vorhabens beurteilen kann.

Die Fähigkeit, Modelle zu entwickeln, aber auch die Fähigkeit Modelle zu lesen, zu dechiffrieren und anzuwenden, ist eine Kulturtechnik, die sich immer auch im Beziehungsgeflecht aus sozio-materiellen und sozio-kulturellen Verknüpfungen entwickelt. Das technische Können spielt dabei eine ebenso wichtige Rolle, wie der technische Gegenstand selbst. Im Grunde haben wir es dabei mit einem zweigleisigen Gestaltungs- und Entstehungsprozess zu tun, der immer auch kontextgebunden ist: Die Intention des Modellentwicklers muss dabei nicht zwangsläufig mit der Interpretation des Betrachters übereinstimmen. Handelt es sich bei der Anwendung und der Nutzung eines Modells, etwa durch Betrachter und Adressaten, möglicherweise um eine abermals eigenständige Art der Modellgestaltung?

Die Aneignung durch die Betrachter ist ein zentraler Moment. Dabei spielt auch eine Rolle, ob das Modell als solches erkennbar ist. Diese Transparenz der eigenen Modellhaftigkeit ist bisweilen nur in geringem Umfang gegeben — ein Aspekt, der in der Ausstellung anhand von Werken der Fotokünstler Aydın Büyüktaş, Philipp Sidler und Clement Valla zur Diskussion gestellt wird.

04_Welten_bauenClement Valla, Postcard from Google Earth
(46°42’3.50″N, 120°26’28.59″W), 2010, © beim Künstler

In „Postcards from Google Earth“ beschäftigt sich Valla mit den virtuellen Reliefkarten, für die bei Google Satellitenfotografien der Erdoberfläche auf ein topografisches Landschaftsmodell „gespannt“ werden. Die Räumlichkeit der Fotografien führt bei der Verrechnung mit den Modell-Daten in seltenen Fällen zu Verzerrungen: wir sehen bizarr verformte Landschaften und Strassenzüge. Valla sucht den Google-Globus nach solchen Anomalien sucht ab, nicht weil es Fehler wären, sondern weil sie die Funktionsweise des zugrunde liegenden Systems offenlegen. Und er archiviert die poetisch anmutenden Landschaftsverzerrungen, denn der Hersteller entwickelt das Programm stetig weiter, weshalb sie vom Verschwinden bedroht sind.

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Philipp Sidler, Untertorbrücke Bern, 2012,
© beim Fotografen

Beim Betrachten der Fotografien von Philipp Sidler hingegen stellt man sich unwillkürlich die Frage, von welchem meisterhaften Modellbauer diese Miniatur-Landschaften wohl gebaut worden sind. Tatsächlich handelt es sich um Aufnahmen realer Orte und Sehenswürdigkeiten in der Schweiz. Sidler nutzt den Effekt des «Tilt-Shift»-Verfahrens, das einen für Nahaufnahmen typischen Schärfenverlauf erzeugt. Die für Modelllandschaften charakteristische Farbigkeit wird durch Erhöhung der Farbsättigung und des Bildkontrasts erreicht. Aber es ist besonders die geringe Tiefenschärfe, die wir unbewusst mit geringer Grösse assoziieren.

Büyüktaş wiederum erschafft vertraute und doch irritierende Bildwelten, in denen die physikalischen Gesetze scheinbar ausser Kraft gesetzt sind. Als Ausgangsmaterial für die Serie „Flatland“ realisiert er Drohnen-gestützte Fotos von Bauwerken in seiner Heimatstadt Istanbul. Mit einem 3D-Bildbearbeitungsprogramm baut Büyüktaş daraus in aufwendiger Detailarbeit eine „unmögliche“ Modellwelt, bei der die Frontalansicht nahtlos in die Vogelperspektive übergeht. Diese Bildmanipulation wird offen zelebriert und bricht mit unseren Sehgewohnheiten. Die spektakulären Stadtansichten regen zum Nachdenken über die eigene Erwartungshaltung an ein fotorealistisches Bild an.

02_Welten_bauenAydın Büyüktaş, Yeni Cami (Neue Moschee),
Istanbul, 2015, aus der Serie „Flatland“, © beim Künstler

In Anbetracht des mitunter überinflationär verwendeten Begriffs des „Design“ wurde mit Hilfe des deutschsprachigen Begriffs „Entwurf“ ja immer wieder auch der Versuch unternommen, eine bestimmte Art der gestaltungs-originären Denk- und Handlungsweise zu beschreiben, die den Natur- und Geisteswissenschaften gleichermaßen abgrenzend aber auch integrativ gegenübersteht. Otl Aicher spricht von der Welt als Entwurf, Sie rücken das „Welten Bauen“ ins Zentrum des Interesses. Wo liegen die größten Herausforderungen beim Umgang mit Modellen, die ja letztlich immer auch eine Abstraktion bedeuten?

Ich ziehe den deutschen Begriff „Gestaltung“ vor, der auch den Namen unseres Museums prägt. Er enthält das Konstruktiv-Aufbauende der Gestalt-Gebung, welches wiederum im aktuellen Ausstellungstitel aufscheint, ebenso wie die fassbare, durch Entwurfsprozesse definierte Gestalt.

Eine aktuelle Herausforderung liegt in jenen digitalen Simulationen, die mittlerweile eine sehr hohe visuelle Realitätsnähe erreicht haben. So sind in der Werbung CGI-Darstellungen etwa von Autos, die in gegebene Szenerien montiert werden, mittlerweile die Regel. Noch vor wenigen Jahren waren für solche wirklichkeitsgetreue Bilder aufwendige und entsprechend teure Foto-Aufnahmen mit stundenlangen Strassensperrungen notwendig. Die Motivation dabei ist also eine primär ökonomische, das Verfahren bietet aber auch die Möglichkeit von Manipulationen: Bisweilen wird ein Produkt optisch so aufgebessert, dass es mit der physischen Realität nur noch wenig gemeinsam hat.

Umgekehrt lässt sich fragen, ob die Darstellungsqualität heutiger Architektur-Renderings nicht dazu verleiten kann, Bauprojekte so zu realisieren, dass sie der Ästhetik des Renderings möglichst gut entsprechen. Was zu irritierenden Verwischungen im Verhältnis von (Vor)Bild und Wirklichkeit führen kann. In ihrem Essay „Hey, ich steh im Rendering!“ (Wespennest, Nr. 169) hat Andrea Roedig dazu kürzlich anregende Gedanken formuliert.

Eine Herausforderung ganz anderer Art stellt schließlich die Archivierung von digitalen Modellen dar. Schon heute sind manche Werke, die ja einen wichtigen Fundus sowohl für die Kulturgeschichte als auch für die Arbeit in den einzelnen Ateliers darstellen, nicht mehr konsultierbar, weil die notwendige Computerumgebung schlicht nicht mehr existiert und auch nicht mehr simuliert werden kann.

Unzählige Formen der Sammel-Leidenschaft zeugen davon, dass von Modellen bisweilen eine größere Faszination auszugehen scheint als von der Wirklichkeit auf die sie sich beziehen. Warum ist das so?

Wir unterscheiden zwischen zwei Arten des Sammelns. Manche sorgfältig realisierte und entsprechend kostspielige Replik entsteht einzig, um von Sammlern erworben werden zu können. Die Eisenbahnmodelle aus dem Nachlass von Claude Nobs, dem Gründer des Montreux Jazz Festivals, stehen für die oft lebenslange Leidenschaft des Sammelns durch Ankaufen, mit dem man sich Ausschnitte der Welt nach Hause holt. Nobs verstand sie als halböffentliche Objekte, die zum Ambiente seines Chalets gehören, in dem die Gäste des Festivals auch heute noch empfangen werden. Andere hochkarätige Modell-Sammlungen sind rein privater Natur, bei denen der Besitz und damit die persönliche Verfügbarkeit im Vordergrund steht. In beiden Fällen ist die Miniaturisierung wesentlich, also jene Form von Skalierung, die schon durch ihre Machbarkeit einen Ausdruck von Verfügung über das Original darstellt. Oft handelt es sich um mehr oder minder ausgeprägt historische Objekte, also um vergangene Welten — da mag auch Nostalgie mitspielen.

Themenparks hingegen setzen auf die menschliche Faszination für Simulationen und Kopien ebenso wie für Abenteuer auf Verlangen: Sehenswürdigkeiten sind dort in Gehdistanz versammelt, als meist verkleinerte und damit gut überblickbare Touristenattraktionen. Genügen dafür bei Swissminiatur im schweizerischen Dorf Melide 14’000 m2, belegen die immer zahlreicheren Parks der rasant gewachsenen chinesischen Grossstädte gerne gegen 500’000 m2. Solches Sammeln durch Nachbauen kann weite Reisen ersetzen. Fotos und Videos wie die in der Ausstellung gezeigten ersparen wiederum das Reisen zu diesen nachgebauten Welten.

Die Ausstellung Welten Bauen — Modelle zum Entwerfen, Sammeln, Nachdenken ist vom 15.07.2016 bis zum 08.01.2017 im Museum für Gestaltung – Schaudepot* zu sehen. (Vernissage: Donnerstag, 14. Juli, 19 Uhr).

__maquette KopieAusstellungsplakat, Gestaltung: Ralph Schraivogel

* MUSEUM FÜR GESTALTUNG – SCHAUDEPOT
Toni-Areal, Pfingstweidstrasse 96, CH-8005 Zürich

Symposium und weitere Informationen:
Zur Bedeutung, Funktion und Ästhetik von Zeichnung, wissenschaftlicher Illustration und Visualisierung als Instrumente in Design- und Forschungsprozessen. Organisation: Fachrichtung Knowledge Visualization, ZHdK, in Zusammenarbeit mit dem Museum für Gestaltung:

http://www.museum-gestaltung.ch/de/ausstellungen/jahresprogramm-2016/welten-bauen/symposium/


Andres Janser
, Kunsthistoriker und Filmwissenschaftler. Kurator der Ausstellung. Seit 2003 Ausstellungs-Kurator am Museum für Gestaltung Zürich. Seit 2008 Dozent an der ZHdK. Ausstellungen und Publikationen zu Kunst, Film, Architektur und visueller Kommunikation. Foto: © ZHdK

Tom Bieling, Designforscher und Autor, forscht, lehrt und promoviert am Design Research Lab der Berliner Universität der Künste über die soziale und politische Dimension von Gestaltung. Seit 2011 Gastprofessor an der German University in Cairo (GUC). Aktives Gründungsmitglied des Design Research Networks, internationale Ausstellungen und Lehrtätigkeit.  Foto: © Matthias Steffen


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Surveillance, Perception and Deception.

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[Rafael Lozano-Hemmer, “Pulse Index”, 2010. Photo: Kate Russel]

Cameras, tracking systems and biometric techniques have now transformed the public space into a metered matrix where every activity can be registered, stored and analyzed. The mexican-canadian artist Rafael Lozano-Hemmer makes use of this technology, but instead of tracking for pre-emptive control he uses it for connecting disparate planes of experience. By creating platforms for participation and self-representation he offers critical, playful and poetic installations that seek complicity and that by definition are out of control, ambiguous and indeterminate.

With “Preabsence”, the HeK (Haus der elektronischen Künste, Basel) presents the latest projects of  Lozano-Hemmer. The show focuses on works dealing with the complex interrelationship between presence and absence, motifs usually understood as mutually exclusive or opposites, but here presented as echoes of each other within the tangible traces that data, memory and visitor interaction leave behind.

The show includes poignant political works such as “Level of Confidence” (2015) a face-recognition camera that constantly searches for the missing 43 students kidnapped by the Mexican government in Ayotzinapa, Guerrero. In the piece, military and police identification algorithms compare the image of the public with those of the students, finding which student’s facial features look most like the participant’s and giving a “level of confidence” on how accurate the match is, in percent. The project aims to make visible the tragic disappearance of the students, creating empathic links and, crucially, to generate income for the affected community, as Lozano-Hemmer directs all proceeds of the project to them.

Also on display will be “Pulse Room” (2006), an installation where hundreds of incandescent light bulbs blink to the heart rate of participants who hold a pulse sensor. In “Pulse Room” the visitors leave their digital traces behind in the installation and their presence lingers even when they are already absent. The technology makes them accomplices in a game comprising recording and playback, presence and absence.

Likewise, the sound piece “Microphone” (2008) consists of a vintage microphone that has been modified so that inside its head is a tiny loudspeaker and a circuit board connected to a hidden control computer. When a public member speaks into the microphone, it records his or her voice and immediately plays back the voice of a previous participant, as an echo from the past.

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[Rafael Lozano-Hemmer, 1984×1984, 2015, screenshot]

The piece “1984×1984” was conceived as an homage to George Orwell’s dystopian novel, 30 years after his predicted date for the collapse of privacy, the work shows a grid of hundreds of thousands of random numbers extracted from addresses photographed by Google Street View. As the viewer walks in front of that immense variety of images, his or her silhouette is prepresented within the display and all the numbers inside it count down to the number 1984.

The show features eleven pieces in a variety of media, from sound-sculptures to data-driven displays. Many of the pieces depend on participation to exist and their content is entirely “crowdsourced”. “PREABSENCE” includes the World premiere of “Redundant Assembly” a reactive display which creates a composite portrait of up to nine public members, and also the European premiere of three other works. Lozano-Hemmer perverts the intended application of technologies and with them transforms the supposedly neutral exhibition space into a place of social interaction.

The exhibition is still running until 28.08.2016. 

via HeK

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Between digital commons, urban struggles and local self-organization

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[German below!]

 

MAZI* – Open night with discussions, presentations, food and DIY networks:

Social and political processes are becoming increasingly digitized and restructured by and through digital aspects. Beyond the various narratives about the “hybrid” or “smart” city, between dystopian visions and cyberromantic ideals we are looking at the certainty of a rising significance of technological mediation and transformation of our urban realities.

Terms such as DIY networking, Offline Networing or Community Wireless Networking refer to possible alternatives to popular narratives about our urban-technological futures, about the tales told predominantly by a handful of multinational tech companies. These alternative systems unfold their agency outside the commercial internet paradigm and are owned by their potential users. They can be set up in a DIY manner and are often constrained in their reach to a local space,connecting only those in physical proximity, thus unfolding novel possibilities to think and to perform hybrid public spaces.

On July 15th, Neighborhood Academy,  the Design Research Lab and the MAZI project invite the public to get to know their first prototype of a possible DIY network. With invited speakers from Switzerland, Greece, England, Scottland and Berlin, they will talk about the relationships between network technologies, civic action and digital commons.

Can we own and manage our data ourselves? Can neighborhoods entertain their own networks to support local needs and ideas? Can local DIY networks lead to new, local economies? Can we conceptualize an everyday live without Google and Facebook? Can I take part without having to be an expert?

Participating organisations/individuals:
Activists of Stadt von Unten (inquired), Mietshäusersyndikat, Kotti&Co, University of Thessaly, Neighborhood Academy, Design Research Lab/Universität der Künste Berlin, INURA Institute, Angelica Levi (Artist), Michelle Teran (Artist), Veronica Steininger (Artist/L.A.Müller), Wachter & Jud, Napier University Edinburgh, UnMonastery, Tactical Tech, Open University, Slacktivist/SPC, Nethood

*Mazi means “together” in Greek

WHEN: July 15th, 5-8pm (afterwards open end with food and drinks)
WHERE: Neighborhood Academy in Prinzessinnengarten, Moritzplatz, Berlin – Kreuzberg
Mazi-Logo

 

[German]

 

MAZI* – Zwischen digitalen Gemeingütern, städtischem Kampf und lokaler Selbstverwaltung 

Ein offener Abend mit Diskussion, Präsentation, Essen und Kennenlernen von DIY-Netzwerken

Soziale und politische Prozesse werden zunehmend digitalisiert und von technologischen Aspekten durchzogen. Zwischen den verschiedenen Narrativen zur hybriden oder „smart city“, zwischen dystopischen Visionen und cyber-romantischen Heilsversprechen offenbart sich die Gewissheit der rasant steigenden Bedeutung der technologischen Vermittlung und Transformation unserer urbanen Wirklichkeiten.

Begriffe wie DIY Networking, Offline Networks oder Community Wireless Networks verweisen auf mögliche Alternativen zu den populären Erzählformen über die Stadt der Zukunft, welche maßgeblich von einigen wenigen, globalen Technologieunternehmen geprägt werden. Diese Systeme agieren außerhalb des Internets und sind im Besitz und in der Kontrolle ihrer jeweiligen Nutzerinnen; sie sind einfach zu errichten und eignen sich aufgrund ihrer lokalen Begrenzung zur virtuellen Verbindung von Individuen und Gruppen, die sich in physischer Nähe zueinander befinden.

Am 15. Juli laden die Nachbarschaftsakademie, das Design Research Lab und das MAZI Projekt ein, ihren ersten Prototypen von einem DIY-Netzwerk kennenzulernen. Mit Gästen und Partnern aus der Schweiz, Griechenland, England, Schottland und Berlin, will man über die Zusammenhänge von Netzwerktechnologien, zivilgesellschaftlichem Handeln und digitalen Gemeingütern diskutieren.

Können wir unsere Daten selbst besitzen und verwalten? Können Nachbarschaften eigene Netzwerke betreiben, um lokale Bedürfnisse besser miteinander abzustimmen, können diese Netzwerke zu neuen nachbarschaftlichen Ökonomien führen? Ist ein Alltag ohne Google möglich? Kann ich daran teilhaben, ohne Spezialwissen haben zu müssen?

*Mazi bedeutet „zusammen“ auf Griechisch

WANN:  15. Juli von 17:00-20:00 Uhr (abklingen mit Speis und Trank)
WO:  Die Laube im Prinzessinnengarten, Moritzplatz, Berlin Kreuzberg

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Reflecting Research (DGTF Tagung 2016)

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Die diesjährige DGTF-Tagung findet am 18. und 19.11. an der Hochschule Anhalt, Fachbereich Design in Dessau statt. Aktuelle Ansätze und Praktiken der Designforschung wollen dort anhand konkreter Beispiele aus der Forschungslandschaft diskutiert werden.

Zum einen soll es dabei um inhaltliche Problemlagen und Fragestellungen gehen: Welche Themen haben aktuell Konjunktur und warum? Welche spannenden und visionären Forschungsprojekte gibt es aus Sicht der Theorie, der Praxis und der Lehre?

Zum geht es um die Reflektion von Methoden und Herangehensweisen: Welche neuen Zugänge und Entwicklungen sind erkennbar? Wie forschen wir in der Zukunft? Und welchen Herausforderungen müssen wir uns stellen?

Im Anschluss an die Tagung, am 20. November, findet zudem wieder das Kolloquium Design Promoviert statt.

 

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Dementia Lab – The Role of Design

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Call for Participation (Essen, Germany – 14 and 15 September, 2016):

Design educators of all disciplines, design researchers and designers are
invited to attend this two-day event on designing together with people with
dementia. Design in all of its forms, from graphic and product design to
industrial design and interactions, is putting more focus on becoming
socially meaningful. One way that design is responding to this is by
working with the growing need of the elderly population and specifically
those with dementia.

Central to this is the question on how to include the person with dementia
their family and (in)formal caregivers in the design process.

In this two day event design educators, designers and
researchers are invited to come and be inspired about how to work with people with
dementia in their own practice. Next to that, those are invited who have
experience in setting up design courses or research projects on designing
for and together with persons with dementia to bring to the table their own
failed and successful approaches.

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The two-day event will focus on three central issues:

(1) how to facilitate design education focusing on (participatory)
designing for persons with dementia,

(2) the challenge for design students, practitioners and researchers to
involve persons with dementia in the design process.

(3) reflections on the ways in which working with individuals with
dementia impacts a designer’s current and future way of working.

There will be speakers, presentations and workshops.
Full schedule and speaker list can be found on http://www.dementialab.com

 

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Ausgezeichnete Mit-Mach-Stadt

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»Das Sächsische Staatsministerium des Innern hat mit der Innovationskommune Brandis und dem kommunalen Innovationsnetzwerk den 1. Platz des internationalen eGovernment-Wettbewerbes in der Kategorie „Bestes Kooperationsprojekt“ gewonnen.

Die Schwerpunkte des Projekts „Innovationskommune“ liegen im Bereich des Prozessmanagements zur Verbesserung von Verwaltungsabläufen und bei der „Mit-Mach-Stadt“. Hier probt Brandis neue digitale Verfahren für Bürgerinformation.«

www.stadt-brandis.de
www.mit-mach-stadt.de

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Internationalising Design History: Facing the World Differently.

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In 1946 the exhibition, Britain Can Make It, was held at London’s Victoria & Albert Museum. The exhibition reflected a desire to reaffirm Britain’s global position in design and manufacturing after World War Two.

The symposium “Internationalising Design History: Facing the World Differently. Seventy years on from the Britain Can Make It Exhibition” on Friday 7 October 2016 examines this desire in the context of colonial legacies and the parallel ambitions of its former allies and enemies to capitalise on the potential of design to make a difference.

How could Britain make it as the world realigned and reconfigured politically, economically and culturally? What were the implications of its imperial models of design practice, education, exhibition and professional organisation? And what of now and the future: can Britain still make a distinctive and ethical contribution? These are some of the questions that will be discussed.

Programme

09.50 Introduction: Professor Cheryl Buckley
10.00 Keynote: ‘Britain Couldn’t Make It – From Empire To Island, The Collapse Of British Industry’, Professor Jonathan Woodham and Dr Paddy Maguire,
(Chaired by Professor Catherine Moriarty)

Beyond Britain Can Make It:  Adaptation and Interpretation 
(Chaired by Dr Harriet Atkinson)

11.30 Dr Eleanor Herring, ‘BCMI and Government-Sponsored Design Today’?
11.55 Mary Ann Bolger, ‘Ireland Can Make It?’
12.20 Dr Paddy O’Shea, ‘Business by Air: The BOAC’
12.55 Discussion

Design and Anxiety? New Readings of Britain Can Make It 
(Chaired by Elli Michaela Young)

13.50 Liz Tregenza, ‘Clean, Uncluttered and in Good Taste?’
14.15 Kevin Guyan, ‘Locating Masculinities at Britain Can Make It, Seventy Years On’
14.40 Dr Christine Atha, ‘Class Anxieties at the Britain Can Make It Exhibition: The Uses of (Design) Literacy* (*with apologies to Richard Hoggart)
15.15 Discussion

Re-claiming, Re-imagining and Re-presenting: International Scopes and National Preoccupations in Design 
(Chaired by Zeina Maasri)

15.45 Professor Lou Taylor, ‘Paris v London: Summer 1944 – Summer 1947: the Struggle for Domination of Couture, Fashion Textiles and Ready to Wear in the Aftermath of World War 2’
16.10 Dr Rikke Jacobsen, ‘Britain Can Make It and the Danish Design and Cabinetmakers’ exhibitions’
16.35 Dr Yasuko Suga, ‘Adopting the Language of Britain Can Make It: Industrial Display at Kobe Fair, 1950’
17.00 Discussion
17.10 Final remarks: CB, HA, ZM, EMY

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Hackerethik – Zwischen schwarz und weiß.

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Podiumsdiskussion in Kooperation mit der Friedrich-Naumann-Stiftung

Früher dachte man, dass Hacker in dunklen Kellern sitzen, die Hoodies tief ins Gesicht gezogen, und von dort versuchen, sich in fremde Unternehmen einzuhacken oder gar die (digitale) Weltmacht an sich zu reißen. Heute ist klar, dass viele Hacker ihre Fähigkeiten nicht für die dunkle Seite nutzen, sondern Unternehmen sogar helfen, Sicherheitslücken ausfindig zu machen. Etablierte Vereinigungen – wie der Chaos Computer Club – berufen sich auf eine Hackerethik. Schutz der Privatsphäre, Offenheit und Hackingskills sollen demnach keine Gegensätze darstellen, sondern zum Nutzen aller eingesetzt werden können. In diesem Spannungsfeld laden die Friedrich Naumann Stiftung und das Berliner Museum für Kommunikation zu einer Podiumsdiskussion: Hackerethik zwischen schwarz und weiß.

Am 5. Juli 2016, von 18.30 bis 21 Uhr im Museum für Kommunikation (Aktionsraum)
Leipziger Straße 16, 10117 Berlin, Teilnahme kostenfrei, Anmeldung erforderlich (hier).

 

Programm

Kay Heinz Ehrhardt, Foren- und Seminarleiter der Friedrich-Naumann-Stiftung für die Freiheit

Impuls: Keep Calm and Hack On – Warum Hacken nicht gleich Straftat bedeutet
Leonie Maria Tanczer, Expertin für Internet Governance Strategien

Life-Hack
Juliane Hüttl, Netzpolitikerin und Beisitzerin im FDP-Landesvorstand Berlin

19:15 Uhr

Buzz-Session – die Richtung der Diskussion bestimmen Sie!

19:45 Uhr

Podiumsdiskussion
Juliane Hüttl, Netzpolitikerin und Beisitzerin im FDP-Landesvorstand Berlin
Leonie Maria Tanczer, Expertin für Internet Governance Strategien
Jan-Tilo Kirchhoff, Country Manager, Compass Security Deutschland GmbH
Prof. Dr. Wolfgang Coy, emeritierter Professor f. Informatik in Bildung & Gesellschaft, Humboldt-Universität Berlin

Moderation: Julia Hesse

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Präsentische Demokratie

 

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Wenn repräsentative oder direkte Demokratien an ihre Grenzen stoßen, was dann? Die Jour Fixe Initiative Berlin lädt am Sonntag den 3. Juli 2016 (18 Uhr) zu einem Vortrag der Politologin Isabell Loray (eipcp/European Institute for Progressive Cultural Policies) ein.

Loray widmet sich dem Thema “Präsentische Demokratie” als möglichem Alternativmodell im Angesicht der aktuellen Krisen: “Zur Zeit werden erneut „Werte“ der Demokratie gegen ihre Feinde verteidigt und Kriege zur Konsolidierung von Staatlichkeit geführt. Die entleerte liberale Demokratie versucht sich zu relegitimieren. Doch diese vermeintlich alternativlose Form von Demokratie zeigt im normalisierten Ausnahmezustand lediglich ihr autoritäres Regieren durch soziale Unsicherheit. Gegen diese Rückkehr zu Angst- und Sicherungsdiskursen wollen jedoch immer mehr Menschen am alten Namen der Demokratie festhalten und sie ihrer Geschichte entreißen, sie einer anderen Bewegung der Wiederkehr anvertrauen; einer ausgedehnten Gegenwart, in der Praxen präsentischer Demokratie aktualisiert werden: ohne homogenisierte Berechenbarkeit, in radikaler Inklusion der unberechenbaren und heterogenen Vielen – eine zunehmend entgrenzte Demokratie. Aber ist sie im Kommen, wie Jacques Derrida vorgeschlagen hat? Oder müssen wir uns auch von einer solchen Zukünftigkeit verabschieden, um das Präsentische der Demokratie zu denken?” (Loray)

Der Vortrag ist Teil der unregelmäßig fortlaufenden Reihe “Revolutionierung der Demokratie”. Ein Auszug aus der Ankündigung: “Nach dem Frühling kam der Herbst. Unter der Restauration autoritärer Herrschaft, Bürgerkriegen, Grenzenkrise und Islamismus scheinen die Hoffnungen der Arabischen Revolten verschüttet. Ebenso prallte die globale Occupy-Bewegung am harten Gehäuse der Herrschaft ab. Doch gegen das Narrativ des Scheiterns müssen die gemeinsamen Erfahrungen dieser Rebellionen in die Gegenwart gerettet werden. „Ihr repräsentiert uns nicht! Dies ist keine Demokratie!“ scholl es nicht nur über die Plätze Madrids. Demokratie wurde wiederbelebt als Anspruch, dass eine Bevölkerung  gemeinsam und direkt die Gestaltung des gesellschaftlichen Zusammenlebens übernimmt. In den Laboratorien direkter, präsentischer oder liquider Demokratie wurde Repräsentation in Frage gestellt, unmittelbare Demokratie erprobt und das Feld des Politischen über das Staatliche hinaus ausgedehnt.”*

Diese und andere Erfahrungen soll die Vortragsreihe der jour fixe initiative berlin reflektieren.

So auch am Sonntag, 3. Juli 2016, 18 Uhr mit Isabell Loray Präsentische Demokratie – Warum diese andere Demokratie nicht im Kommen ist und auch die Zukunft nicht begehrt.

 

* via neue gesellschaft für bildende kunst (ngbk) und jourfixe

 

 


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Zum Wandel der Kommunikation im Zeitalter der Digitalisierung

Am Donnerstag (23. Juni 2016) startet eine zweitägige, interdisziplinäre Konferenz über die fortlaufenden Transformationsprozesse von Sprache, Literatur, Medien, Kunst und Alltagskultur am Beispiel der kleinen, heimlichen Globalisierungsgewinner digitaler Kommunikation: den Emoji und Emoticons. Tom Bieling sprach mit Elena Giannoulis (FU Berlin), der Organisatorin der Veranstaltung.

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[Bild Quelle: Tweaking4All.com]

[Tom Bieling] Emoji und Emoticons scheinen (nicht nur) in der digitalen Kommunikationskultur allgegenwärtig. Sie sind somit längst fester Bestandteil unserer Alltagskultur. Die Formen und Funktionen dieser Piktogramme und Ideogramme sind dabei mindestens ebenso vielfältig wie ihre sprachlichen und kulturellen Funktionen. Wie kam’s?

[Elena Giannoulis] Der Terminus „Emoticon“ setzt sich aus „Emotion“ und „Icon“ zusammen und kann als ein – oft aus mehreren Zeichen bestehendes – „Zeichen“ verstanden werden, das in Instant Messaging, Social Networking Services (Facebook, Twitter), E-Mails oder Blogs verwendet wird. Vorläufer der Emoticons, so genannte „Strichmännchengesichter“, die aus Satzzeichen und Buchstaben zusammengesetzt wurden, existieren bereits seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Zwar waren Emoticons im analogen Zeitalter eine Randerscheinung, jedoch wurden sie bereits damals verwendet, um verbale Kommunikation humorvoll und erklärend zu ergänzen. Das am häufigsten eingesetzte Emoticon ist ein Smiley. Werden Smileys aus mehreren Zeichen zusammengesetzt, sind sie meist um neunzig Grad gedrehte, also liegende, Strichbilder von Gesichtern.

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[Smiley Emoticon]

Emoji („Bildschriftzeichen“) gelten als eine Weiterentwicklung von Emoticons und wurden Ende der 1990er Jahre von dem Japaner Shigetaka Kurita erfunden, der für den Mobilfunkanbieter NTT DoCoMo an dem „i-mode Project“ gearbeitet hatte. Mit Beginn der digitalen Kommunikation durch SMS und E-Mail ab etwa der zweiten Hälfte der neunziger Jahre fanden Emoticons auch in die Kommunikation breiter Bevölkerungsschichten Einzug. Ihren weltweiten Siegeszug verdanken Emoji dem Unicode-Konsortium, dem zahlreiche Softwarefirmen wie Apple, Microsoft und Google angehören, denn dieses verwaltet Emoji und den zu den Emoji gehörenden Computercode, damit diese auf den Endgeräten überall auf der Welt gleich aussehen. Laut der Webseite „emojitracker.com“ sind weltweit seit Sommer 2013 mehr als acht Milliarden Emoji allein auf Twitter verschickt worden.

Eine kreative japanische Sonderform der Emoticons heißt Kaomoji (Gesichter aus Schrift- und Satzzeichen, die Emotionen ausdrücken). Während bei „konventionellen“ westlichen Emoticons das Bild um neunzig Grad gedreht ist, ist dies bei Kaomoji meist nicht der Fall. Da sie nicht nur aus Zeichen des American Standard Code for Information Interchange bestehen, sondern auch aus der zweiten japanischen Silbenschrift „Katakana“, erweitern sie die Ausdrucksformen des westlichen Zeichensystems. Diese japanischen Versionen von Emoticons sind aufgrund ihrer Darstellungsweise für westliche Betrachter, die nicht mit deren Gebrauch vertraut sind, teilweise kaum zu verstehen. Es scheint also universal verständliche und kulturell kodierte Emoticons zu geben.

Inzwischen findet das ja nicht mehr ausschließlich nur im Kontext der digitalen Kommunikation statt, sondern auch in anderen Bereichen.

Seit Mitte der 2000er Jahre sind Emoji, Emoticons und Kaomoji nicht mehr nur Bestandteil digitaler Kommunikation, sondern auch zunehmend in den Medien Literatur oder Kunst von Bedeutung. Vor allem Emoji und Kaomoji werden immer öfter Bestandteil von digitaler Literatur, Handyromanen aber auch konventionell publizierten Texten. Der Bestsellerroman Densha Otoko (2004) (Englisch: Train Man, 2006) von Nakano Hitori, der ursprünglich auf dem berühmten Internetforum „Nichanneru“ (Kanal 2) veröffentlicht wurde, enthält auf fast jeder Seite Kaomoji und ASCII-Art. 2014 veröffentlichte der chinesische Künstler Xu Bing das erste belletristische Werk nur aus Emoji. Book from the Ground schildert einen Tag im Leben eines typischen städtischen Angestellten. Ferner werden auf dem Blog „Narratives in Emoji“ Klassiker wie Herman Melvilles Moby Dick oder die Geschichte um den Untergang der Titanic in Emoji nacherzählt. In die Kunst haben Emoji im Rahmen so genannter ASCII-Art Einzug gefunden, die wiederum ASCII Comics entstehen ließ. In New York City fand 2013 die „Emoji Art and Design Show“ statt, worüber das Wall Street Journal berichtete.

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[Emoji: Heul-vor-Glück-Smiley]

Ein Teil des „Erfolgsgeheimnisses“ der Emoji, scheint darin zu bestehen, dass sie auf sehr plakative, kaum missverständliche und somit universal handhabbare Weise zu leisten im Stande sind, was Sprache allein nicht immer vermag: z.B. die direkte Übermittlung von Emotion oder Ironie. Eine Bereicherung der schriftsprachlichen Ebene? Oder deren Verkümmerung?

Das Heul-vor-Glück-Smiley ist laut Oxford Dictionaries das Wort des Jahres 2015. Begründet wurde dies mit der Tatsache, dass Emoji sprachliche Grenzen überwinden und eine universale Sprache seien. Für die einen war das ein Grund zur Freude und für die anderen – ihreszeichens  Kulturpessimisten – ein Zerfall oder Bedeutungsverlusts von Sprache. Ich denke nicht, dass Emoji und Emoticons Sprache verstümmeln, sondern diese von Fall zu Fall sinnvoll ergänzen können. Im Zusammenspiel mit Textnachrichten verstärken, neutralisieren oder schwächen Emoticons das Geschriebene ab oder interpretieren den Text im Hinblick auf Ironie und geben ihm so eine bestimmte Melodie. Sie sind eine Hilfe für den Leser, den Text im Hinblick darauf zu interpretieren, was der Linguist John Haiman als „un-plain speaking“ bezeichnet hat, zum Beispiel Sarkasmus, Höflichkeit, Codes, Euphemismen oder Pathos.

Wobei dies ja auch immer kontextgebunden ist. Ironie, Humor, Höflichkeit oder Kränkung wird ja nicht immer überall gleich verstanden.

Richtig, das heißt nämlich nicht gleich, dass etwa durch Emoji ergänzte Kommunikation in jedem Falle der Überbrückung kultureller Missverständnisse dienlich wäre, denn Emoji werden in verschiedenen Kulturen mit unterschiedlichen Konnotationen aufgeladen.

Der direkte Einfluss auf Sprache und Literatur, sowie der unmittelbare Bezug zu Kultur liegen auf der Hand. Erfüllen Emoji und Co darüberhinaus noch weitere gesellschaftliche Funktionen?

Das Thema „Emoji“ wird zunehmend in soziokulturellen und politischen Debatten relevant. Man denke etwa an die Diskussion um mögliche Diskriminierung, die zur Einführung unterschiedlicher Hautfarben von einzelnen Emoji geführt hat.

Oder nehmen wir das Beispiel der App „Abused Emojis“, die es Kindern ermöglichen soll, leichter auf häusliche Gewalt aufmerksam zu machen, wenn sie nicht in der Lage sind, die Ereignisse zu verbalisieren. Weitere solcher Beispiele würden für einen gesellschaftlichen Nutzen von Emoji sprechen.

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[Abused Emojis]

Die comicartige, verspielte Anmutung von Emoji mag bisweilen darüber hinweg täuschen, dass oft knallharte Marktmechanismen mit ihnen in Verbindung stehen.

Sicherlich sollte man Emoji z.B. stärker auf ihr Potential im Rahmen von affective labor untersuchen und ihren Marktwert erforschen. Hersteller von Chat-Programmen wie Line in Japan oder Kakao Talk in Korea verdienen Millionen mit dem Entwerfen eigener „Emoji“ oder Sticker. Viele dieser Ideogramme und Piktogramme werden dann zu Merchandising-Artikeln.

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*****************************

Die Konferenz Emoticons, Emoji und Kaomoji findet statt am Donnerstag, 23. Juni und Freitag 24. Juni 2016 im Henry-Ford-Bau der Freien Universität Berlin, Garystraße 35, Raum B und D, 14195 Berlin.

Beginn jeweils um 10.00 Uhr. Programm unter: www.geschkult.fu-berlin.de/e/oas/japanologie/files/ProgrammAnkuendigungEmoji.pdf

Die Veranstaltung ist öffentlich, der Eintritt frei. Die Konferenzsprache ist Englisch.

 

 

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Angewandte Moderne.

 

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Mit der Ausstellung Große Pläne! Moderne Typen, Fantasten und Erfinder. Die Angewandte Moderne in Sachsen-Anhalt 1919–1933 widmet sich die Stiftung Bauhaus Dessau im Verbund mit zahlreichen Orten in Dessau, Magdeburg, Halle, Leuna, Merseburg, Quedlinburg und Elbingerode der Zeit der Aufbruchsstimmung nach dem ersten Weltkrieg in Sachsen-Anhalt.

Jene Jahre von 1919 bis 1933 waren trotz politischer Unruhe und ökonomischer Instabilität von Experimentierfreude und Tatendrang geprägt. Eine Zeit der “modernen Typen: Künstler und Architekten, Techniker, Unternehmer und Politiker entwarfen als Fantasten und Erfinder neue Welten, die mehr verhießen als nur die bestmögliche großindustrielle Verwirtschaftlichung des Landes”.*

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[Die sogenannte Reklameburg, provisorische Messehalle auf dem Leipziger Markt zur Herbstmesse, 1921, © Stadtgeschichtliches Museum Leipzig, Foto: Eduard Krömer]

Neunzig Jahre nach der Eröffnung des Dessauer Bauhauses zeigt dieses Projekt, dass das Bauhaus als Forum internationaler Avantgarden kein Solitär war, sondern Teil einer großen Utopie zur Moderne, die mit Orten, Institutionen und Menschen verbunden war. Als aufstrebende Industrieregion erwuchs im Mitteldeutschland der 1920er und frühen 1930er Jahre eine Industrieregion, die eng verunden war mit jenen visionären und ideellen Plänen zu einem Menschenbild, wie sie im Bauhaus thematisiert, und schließlich in realen Konzepten der Architektur, der Pädagogik, dem Städtebau bis hin zur visuellen Kommunikation, der Werbung und der Raumfahrt umgesetzt wurden.

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[Der Transport des „Tschudi“ von der Halle zum Aufstiegsplatz, 1909, Leibniz-Institut für Länderkunde, Archiv für Geographie, Foto: Ernst Wandersle]

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein gleichnamiger Band (Herausgeber Claudia Perren, Torsten Blume und Alexia Pooth), der neben knappen Portraits einiger damaliger Protagonisten (Walter Gropius, Bruno Taut, Gertrud Arndt…), erhellende Beiträge u.a. von Beat Wyss (“Kunst an die Macht”), Christiane Keim (“Systematisch siedeln”) und Patrick Rössler (“Universal Kommunikation”) beinhaltet.

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Die Ausstellung ist noch bis zum 6. Januar 2017 zu sehen. Der Begleitband erscheint im Kerber-Verlag (ISBN 978-3-7356-0184-1) und kostet 39,95 EUR.

[Trailer zur Ausstellung]

* via Große Pläne

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Weltdesign – Als Konstruktion und Destruktion. Über das Politische im Design

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Ja, Design changiert irgendwo zwischen Weltverbesserung und Weltverschlechterung. Und ja, dies ist sehr häufig auch eine Frage der Deutungs- und Betrachtungsweise. Über die politische Wirkung von Design lässt sich daher immer noch trefflich streiten. Und richtig langweilig wird es dabei nie.

Bereits im 19. Jahrhundert und 20. Jahrhundert gingen Vorstellungen von ästhetischer Erziehung mit gesellschaftlichen Reformansprüchen einher: Arts and Crafts etwa wollte – in seiner Losgelöstheit von industriellen Prozessen – den Menschen zu sich selbst führen. Es war dies eine Kritik am Materialismus, der Industrialisierung und auch an Urbanisierung, wie sie auch bei der parallel aufkeimenden Lebensreformbewegung zu finden war.

Das Bauhaus akzeptierte dann – nach einer durchaus esoterisch angehauchten Findungsphase – ein neues Verhältnis von Industrie und Kunst, Technik und Gesellschaft. Der Nachkriegsfunktionalismus strebte nach Sinnhaftigkeit durch den Fokus auf den reinen Gebrauch der Dinge. Und im Übergang von Moderne zu Postmoderne entwickelten sich unterschiedliche Formen aufklärerischer Gestaltungsuniversalität, bei der es nicht selten auch um eine “Weltgesellschaft” als Zielgruppe ging.

“Spätestens im 21. Jahrhundert ist man kritischer geworden, was eine solche Konstruktion von Gesellschaft durch globales Design betrifft. Schon längst zeigte sich dessen Kehrseite. Nicht nur ästhetisch, angefangen bei einer reinen Funktionsarchitektur, die zu weltweit immer gleichen, seelenlosen und sozial […] problematischen Plattenbausiedlungen führte, sondern auch in einem weiteren kulturellen Horizont.

Es scheint, als wäre das heraufziehende Weltdesign in die Rolle eines Hegemons gerückt, der von Verhaltensweisen im Alltag bis hin zu Fragen des Sozialprestiges Vorgaben macht, die man in der Praxis nicht wirklich wollen kann. […] Je länger die Debatte währt, umso deutlicher wird es, dass Design als die besondere Form der Dinge längst zum Politikum geworden ist und zwar im weitest denkbaren Sinne. Es geht darum, wie wir grundsätzlich zusammenleben wollen und wie Design dazu beiträgt, unsere Lebensformen mitzubestimmen”.*

Am 17. Juni 2016 findet im Museum Angewandte Kunst in Frankfurt das Symposium »Weltdesign. Als Konstruktion und Destruktion. Über das Politische im Design« des Fachbereichs Design der Hochschule für Gestaltung Offenbach statt.

Drei aufeinanderfolgende Panels widmen sich dabei dem “Weltdesign” als “philosophische” (Panel 1: Prof. Dr. Martin Gessmann, Dr. Florian Arnold, Prof. Dr. Marc Rölli, Dr. Julia Meer, Prof. Dr. Melanie Kurz), als “praktische” (Panel 2: Prof. Dr. Klaus Klemp, Prof. Johannes Bergerhausen, Boris Kochan, Pia Scharf, Janina Anjouli Schmidt) und als “konzeptuelle Konstruktion und Dekonstruktion” (Panel 3: Dr. Florian Arnold, Prof. Dr. Cees de Bont, Dr. Yu Feng Li, Dr. Rael Futerman, Prof. Dr. Kai-Uwe Hellmann).

Der Eintritt ist frei, die Plätze sind limitiert.

Am 17. Juni 2016 von 9–17:30 Uhr im
Museum Angewandte Kunst, Schaumainkai 17, D-60594 Frankfurt am Main

* Via Weltdesign

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GOOD SPACE – politische, ästhetische und urbane Räume

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Noch bis zum 21. August ist in der Villa Merkel der Stadt Esslingen die Ausstellung GOOD SPACE zu sehen, in der verschiedene Aspekte des öffentlichen Raumes beleuchtet werden.

Zukunftsgestaltung unter der Prämisse eines gelingenden gesellschaftlichen Lebens: Das beinhaltet heute nicht nur die Auseinandersetzung mit (städte-)baulichen, sondern auch mit informationsstrukturellen Architekturen.

Wobei Konfliktpotenzial – etwa in Bezug auf Sicherheit und Überwachung, Sichtbarkeit und Anonymität, Teilhabe und Ausgrenzung – sowohl im analogen, als auch im virtuellen Raum, und schließlich in den dazwischen befindlichen Hybridräumen besteht.

Mit Arbeiten von Wachter & Jud, Martin Creed, Jasper Niens oder dem raumlaborberlin umfasst die Ausstellung gleichermaßen Perspektiven aus Gegenwartskunst, Architektur und Wissenschaft, die sich mit Fragen des Real-räumlichen ebenso wie mit Herausforderungen des Digitalen beschäftigen.

Die Ausstellung wird flankiert von einem umfangreichen Begleitprogramm aus Vorträgen, Workshops, Konzerten und so genannten “Forschungsspaziergängen”.

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Methodologien künstlerischen Handelns

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Anlässlich der Buchveröffentlichung “Kunst und Handlung. Ästhetische und handlungstheoretische Perspektiven” (Hrsg. von Daniel Martin Feige und Judith Siegmund) findet am 31. Mai eine öffentliche Podiumsdiskussion am Institut für Geschichte und Theorie der Gestaltung (UdK) statt. Es diskutieren Niklas Hebing (“Zur Selbsterkenntnis geschichtlichen Handelns durch künstlerische Praxis”), Eva Schürmann (“Sagen, Zeigen, Handeln”), Anke Haarmann (“Praxisästhetik”) und die Mitherausgeberin Judith Siegmund. Moderation: Michael Lüthy. Begrüßung durch den Dekan Prof. Dr. Thomas Düllo.

Am Dienstag, dem 31. Mai um 19 Uhr in der Universität der Künste Berlin, Hardenbergstraße 33, Raum 102.

 

 

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DEMO:POLIS – Das Recht auf Öffentlichen Raum

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Am Sonntag, den 29.5.2016 endet die Ausstellung DEMO:POLIS – Das Recht auf öffentlichen Raum an der Akademie der Künste, Berlin. Mit Plänen und Modellen, Entwürfen und Konzepten, Fotografien und Filmen, veranschaulicht die Ausstellung, wie Architekten, Stadtplaner, Künstler, Studierende und Bürger den Öffentlichen Raum gestalten und nutzen (können). Denn längst ist der öffentliche Raum zum politischen Spannungsfeld geworden, seine Nutzung und Gestaltung zur Verhandlungssache der Zukunft. Die Öffentlichkeit stellt neue Ansprüche an die Grundprinzipien der Demokratie und an die Gestaltung des Öffentlichen Raums. Die Ausstellung veranschaulicht dies, und stellt dabei die Vielschichtigkeit der heutigen Bedeutung von Öffentlichem Raum, und dessen Potenziale für die Zivilgesellschaft vor. Kuratiert wurde die Ausstellung von Wilfried Wang (Akademie der Künste) und O’Neil Ford (University of Texas at Austin).

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Textile Studien: Über die Formen, Metaphern, Theorien und Geschichte der Kleidung

 

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Die Bedeutung des textilen Mediums als Technik, Material und Metapher hat seit den 1990er Jahren an Präsenz gewonnen. Sei es in den Diskursen der zeitgenössischen Kunst, der Architektur und ihrer Kritik, sei es in kulturgeschichtlichen oder bildwissenschaftlichen Auseinandersetzungen, oder auch in Teilbereichen der Designforschung.

Theoretische und historische Reflektionen bezüglich des Textils als Medium innerhalb und außerhalb der Kunst existieren gleichwohl in überschaubarem Maße. Umso erfreulicher, dass die Reihe Textile Studies im nunmehr achten Band dazu beiträgt, diese Lücken zu schließen.

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Den aktuellen Band (8) Clothing the Sacred: Medieval Textiles as Fabric, Form, and Metaphor von Mateusz Kapustka und Warren T. Woodfin (Hg.) haben wir uns noch nicht genauer angesehen. Bereits im vergangenen Jahr kompilierte Kapustka (Hg.) jedoch mit Band 7 Bild-Riss: Textile Öffnungen im ästhetischen Diskurs eine aufregende Bandbreite an kulturtheoretischen, kunst- und bildwissenschaftlichen Beiträgen über textile Repräsentationen und Metaphern.

 

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Zuvor hatten Anna-Brigitte Schlittler und Katharina Tietze (Hg.) einen bemerkenswerten 5. Band über die Komplexitäten der textilen Materie, sowie über deren symbolische Funktionen und sinnliche Wirkung abgeliefert. Wobei es neben mode- und kunstgeschichtlichen, ästhetischen und philosophischen, insbesondere auch auch um medientheoretische und  (geschlechter-) politische Dimensionen ging.

 

Die Textile Studies Reihe ist erschienen im Reimer Verlag (Edition Imorde).

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Changing Worlds – Ideologies, Utopias and Ambitions in Science and Technology

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The latest issue of the Graduate Journal of Social Sciences (GJSS) has a strong focus on Science and Technology Studies (STS) topics. Its title “Changing Worlds” alludes to multiple meanings as not only are we changing the world – or worlds –, but they are simultaneously changing us, and are never stagnant in the first place. This issue (Volume 12, Issue 2 – April 2016) has been edited by a promising group of international STS scholars: Marlene Altenhofer (Institute for Advanced Studies, Austria), Leo Matteo Bachinger (Rensselaer Polytechnic Institute, US), Mercedes Pöll (University of Leeds, UK) and Boka En, Jasmin Engelhart, Victoria Neumann, Nikolaus Pöchhacker and Angela Prendl (all from University of Vienna), who managed to assemble an exciting and interdisciplinary range of papers.

To examine the interconnectedness of this field – particularly in its relations to science and technology, Altenhofer et al. claim, that “Science – as well as knowledges more generally – and technology have enormous impacts on the ways our societies are structured and function on an everyday level. […] this impact is both shaped by and, in turn, shapes the ideological foundations of these societies. Finally, it seems equally fair to say that the outcomes of particular technoscientific practices are not predetermined: knowledges and artefacts alike can both oppress and liberate.” (Altenhofer et al. 2016, 10)

The articles include views on “The Valuable Citizens of Smart Cities” (Olesya Benedikt), “Risks, norms and optimisation in self-quantifying practices (Boka En and Mercedes Pöll), or on “Digital ways of knowing and epistemic walks with methods-as-prototypes (Chiara Carrozza and Andrea Gaspar”. Asking for whom the world should be actually changed, Andrea Ida Malkah Klaura discusses some “Thoughts about trans*disciplinarity,
feminist epistemologies and Participatory Design.

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In their article “Internet of Everyone – Tools for Empowerment” (pg 96–108) Tom Bieling, Tiago Martins and Gesche Joost approach participatory work from the angle of attempting to work towards greater inclusivity. “They argue that the concept and demands of diversity offer both challenges and opportunities particularly for designers, paying close attention to how different perspectives can be reflected in artefacts and design practices. Describing their experiments with designing for empowered interaction (including the participation of deaf-blind people in the design process), Bieling, Martins, and Joost argue that design should emphasise diversity and its strengths. Their Lorm Hand is a case in point for how attentive design of assistive technologies for deaf-blind individuals can emphasise talents and strengths rather than correcting ‘disabled’ or ‘handicapped’ bodies. Instead of taking for granted standardised, able-bodied users, the authors bring bodies with their different abilities into the focus of design. Equally an assistive device and outreach instrument for deaf-blind activists, the Lorm Hand becomes an interesting experiment for how design in society can become generative for societal change – particularly in regards to what can be accomplished through invitation and encouragement instead of adjustment and top-down intervention.” (Altenhofer et al. 2016, 12)

The whole Journal issue can be downloaded here.
The article mentioned above, can be downloaded here. 

 

Graduate Journal of Social Science April 2016, Vol. 12, Issue 2, pp. 96–107 is licensed under the Creative Commons Attribution-NoDerivs 3.0 Unported License. ISSN: 1572–3763

CCommons

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Die Zeitlichkeit des Entwerfens

Hörsaal 207 – Dorotheenstraße
Dorotheenstr. 26 – Berlin
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The Knowledge of the Future – From Oracle to Prognostics

 

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[English:]

When Future no longer indicates the final judgement of the world, or the lapse of time until its arrival, then our vision of the time to come has changed profoundly. Future then, as Reinhard Koselleck has pointed out, can only be projected as an “empty space of time”, and that means that a great number of institutions and practices make their appearance, promising to make safe with their scientific models the journey into the unknown, possible shifts and formations: demographic development, climate change, energy supply, technological and geopolitical impact assessments, prospects for the  stock market.

Prognostics if not prophecies of the Future are the result of the changing world of today, often experienced as insecure and menacing. We have to realize, that the Futureswe have are nothing but social constructions, a texture of the presence. Even in antiquity the divinatory knowledge of the oracle was not meant to “really see” the future reality. Nonetheless mights and morals and their perspectives could well be named and judged from the currently visible, from recognition and plausibility. Future knowledge is orientation knowledge, relevant in any policy advising.

In this program of the Mosse-Lectures the scientific and imaginary knowledge of the Future in different disciplines, in the arts and religions will be negotiated, also the unknowing we have to admit. From the art of fortune telling in the Ancient Orient up to the present time of Big Data’s future viability the genesis and legitimacy of prognostics will be discussed. What does the reference of the future tell about the self conception of society? What are the rhetorical, technical und media means and tools to shape and perform the knowledge of the future?  Beyond the classical apocalypse, how can collective desires and anxieties coin our notion of an ultimate future?

Programm: 

28.4. 2016
Stefan Maul (Heidelberg)
»Wahrsagekunst im Alten Orient«
Einführung und Moderation: Ethel Matala de Mazza (HU Berlin)

12.5.2016
Bruno Latour (Paris)
»On a possible difference between Earth and the Globe.«
Kommentar und Gespräch: Wolfgang Schäffner (HU Berlin)

19.5.2016
Viktor Mayer-Schönberger (Oxford)
»Big Data. The Future of How We Live«
Einführung und Moderation: Hendrik Blumentrath

16.6.2016
Kathrin Röggla (Berlin)
»Zukunft als literarische Ressource«
Einführung: Ulrike Vedder (HU Berlin)

7.7. 2016
Joseph Vogl (Princeton / HU Berlin)
»Das seltsame Überleben der Theodizee in der Ökonomie«
Kommentar und Gespräch: Sahra Wagenknecht

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[Deutsch:]

Wenn Zukunft nicht mehr gleichbedeutend ist mit dem Weltgericht oder der Zeitspanne bis zu seinem Eintreffen, so ändert sich der Blick auf Kommendes entscheidend. Zukunft kann nur mehr als „leerer zeitlicher Raum“ (Koselleck) entworfen werden, was eine große Zahl von Institutionen und Praktiken auf den Plan ruft, die mit ihren wissenschaftlichen Modellen in Aussicht stellen, das Ungewisse möglicher Ereignisse und Entwicklungen in Planbarkeiten zu überführen: die demographische Entwicklung, den Klimawandel, die Energieversorgung, die Abschätzung von technischen und geopolitischen Folgeerscheinungen, nicht zuletzt die Ökonomie an der Börse.

Die Vorhersage möglicher Zukünfte entsteht aus einer sich ständig verändernden und oft als bedrohlich empfundenen Gegenwart. Zukunft haben wir nur in ihren sozialen und gesellschaftlichen Konstrukten. Schon das divinatorische Wissen der Alten Welt mit seinen Orakelsprüchen hat niemals behauptet, eine zukünftige Wirklichkeit „wirklich zu sehen“, wohl aber das Sichtbare, Erkennbare und Plausible zur Perspektivierung von Macht und Moral benannt und beurteilt. Zukunftswissen ist Orientierungswissen. Das gilt bis heute für jederlei ‚Politikberatung‘.

In den Mosse-Lectures soll das in verschiedenen wissenschaftlichen Disziplinen, in den Künsten und Religionen erforschte und imaginierte Zukunftswissen, auch das einzugestehende Nicht-Wissen, verhandelt werden: seine Herkunft, Geltung, Legitimierung und sein Einfluss: von der Wahrsagekunst im Alten Orient bis zu Big Data. Welches Selbstverständnis einer Gesellschaft zeigt sich in ihren Bezugnahmen auf die Zukunft? Welche rhetorischen, technischen und medialen Mittel zur Modellierung und Inszenierung von Zukunftswissen sind zu beobachten und zu analysieren? Welche kollektiven Wünsche und Ängste prägen seit der klassischen Apokalypse die Vorstellungen des ultimativ Zukünftigen?

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Grow | Degrow. Design zwischen Exzess und Kalkül (KISD Conference)

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Am 20. Mai 2016 lädt die KISD zum interdisziplinären Symposium „Grow | Degrow. Design zwischen Exzess und Kalkül“ ein. Aus verschiedenen Perspektiven tauschen sich Wissenschaftler/innen und Gestalter/innen an diesem Tag über die Bedeutung von Nachhaltigkeit und Postwachstumsökonomie aus und diskutieren gestalterische Positionen und spekulative Projekte zum Umgang mit endlichen Ressourcen.

Im Kern soll es darum gehen: Die Wirtschaft lebt strukturell von Maßlosigkeit, die sich in der hochspekulativen Finanzwirtschaft, der Notwendigkeit eines stetigen Wachstums, der Forderung nach steigenden Gewinnen und dem immensen Konsum zeigt. Längst nicht mehr nur die westlichen Gesellschaften werden durch ihren hohen Verbrauch von Gütern und Ressourcen mit einer enormen Umweltbelastung konfrontiert, die weitgehend ohne Kontrolle oder Steuerung ihres Ausmaßes und ihrer Folgen voranschreitet. Die Hoffnung, dass wirtschaftliches Wachstum durch technischen Fortschritt nachhaltig oder klimafreundlich gestaltet werden kann, schwindet.

Zugleich kündigen sich gewaltige systemische Veränderungen an, die mit dem Ende der historisch einmaligen Wachstumsepoche verbunden sind, welche vor 200 Jahren als Folge der Industrialisierung begann. Vor allem Klimawandel, Verknappung fossiler Energien, demografische Alterung und Rationalisierungen im Dienstleistungssektor gelten als Ursachen für aktuelle und zukünftige Schrumpfungsprozesse, die unmittelbar Einfluss auf Politik, Wirtschaft und Gesellschaft nehmen.

Dennoch wird scheinbar ungebrochen an der für alternativlos gehaltenen Wachstumslogik festgehalten. Wachstum scheint ein Dogma und Versprechen zu sein, das mit dem Primat der Leistung einhergeht und Erfolg an der Fähigkeit bemisst, sich immer wieder selbst zu übertreffen. In diesem Sinne werden alle Akteure der Gesellschaft fortlaufend zu neuen Höchstleistungen und steigender Rentabilität angehalten.

Proteste gegen die permanente Forderung nach Wachstum werden lauter und richten sich gegen das Prinzip der anhaltenden Wertsteigerung, gegen die Auswüchse des Massenkonsums, gegen Materialverschwendung, gegen Umweltverschmutzung. Seit den Auseinandersetzungen der Umweltbewegungen in den 1970er und 80er Jahren ist nicht mehr in solcher Intensität über den richtigen Umgang mit vorhandenen Ressourcen debattiert worden wie in den vergangenen Jahren. Ansätze und Konzepte für alternative Formen des Wirtschaftens und Nutzens werden wieder verstärkt nachgefragt und entwickelt.

Die Frage nach Lösungsmöglichkeiten richtet sich dabei längst nicht mehr nur an Natur- und Technikwissenschaften, sondern vermehrt auch an die Gestaltungsdisziplinen. Welche Rolle kann Design in diesem strukturellen ökonomischen Wandel spielen? Wie lässt sich Design im „Zeitalter des Menschen“ – des „Anthropozän“ – verstehen, das als eigene von der Industriegesellschaft geprägte geologische Schicht verstanden wird?

Versuche, der Forderung nach ökonomischen Wachstum und technologischer Innovation zu entkommen, sind spätestens seit der Veröffentlichung des kritischen Berichts Limits of Growth des Club of Rome (1972) und der ersten Ölkrise (1973) auch ein Thema der Gestaltung. Im Zuge von Globalisierung und Digitalisierung hat die Idee der Wachstumsrücknahme aber deutlich an Schärfe gewonnen. Dies nährt nicht zuletzt die Frage, wie Gestaltung zu neuen Entwürfen von Gesellschaft und Stadt beitragen kann, die nicht auf zunehmende Produktion und steigenden Konsum ausgerichtet sind. Wie lassen sich Prozesse, Situationen und Systeme denken, die neue Handlungs- und Gestaltungsspielräume jenseits des Wachstumsparadigmas eröffnen? Wie sieht ein „Re-Design“ des Verhältnisses von Rohstoff und Erzeugnis aus? Kann Gestaltung eine Mäßigung, wenn nicht gar eine Umkehr von Wachstumsprozessen erreichen? Welche neuen Paradigmen im Design sind dafür notwendig?

Eine mögliche Antwort hierauf gibt der britische Anthropologe Timothy Ingold. Er fordert einen Perspektivenwechsel – weg von Objekten und Produkten als feste und endgültige Entitäten, und hin zu einer modellierten Umwelt als Kräftefeld und Kreislauf von Ressourcen, Energien und Stoffen. Wie würde ein solches Verständnis die Entwurfspraxis verändern? Wäre die Modellierung systematischer Ressourcenzusammenhänge und ihrer Dynamiken ein neues Arbeits- und Forschungsgebiet? Und gebieten diese Konzepte und Entwicklungen den angeprangerten Exzessen tatsächlich Einhalt oder übersetzen sie diese nicht vielmehr in andere, ebenfalls exzessiv betriebene Formen von Verzicht und Kontrolle?

Fachübergreifend diskutieren am 20. Mai 2016 Forscher/innen aus Design, Kunst und Architektur sowie Kultur- und Sozialwissenschaften, wie Gestaltung zu einem Reflexionsmedium und Experimentierfeld für die Entwicklung einer entwachsendenGesellschaft werden kann.

Mit dabei: Gerhard M. Buurman (Departement Design, Zurich University of the Arts), Dirk Hohnsträter (Institute for Media, Theatre and Popular Culture, University of Hildesheim), Stephanie Haury and Stephan Willinger (Federal Institute for Research on Building, Urban Affairs and Spatial Development, Bonn), Harald Gründl (EOOS Design and IDRV – Institute of Design Research Vienna), Judith Dörrenbächer (Sciences of Art and Design, Niederrhein University of Applied Sciences), Gionata Gatto (Studio Gionata Gatto, Rotterdam), Johannes Lang (History and Theory of Art, Bauhaus-Universität Weimar, Freie Universität Berlin), Valentin Thurn (Thurnfilm, Cologne), Sylvia Heuchemer (Vice President, TH Köln), Philipp Heidkamp and Carolin Höfler (KISD).
Am 20. Mai 2015 von 09.15 bis 17.30 Uhr

Köln International School of Design,
Ubierring 40, 50678 Köln

https://spaces.kisd.de/kisdconferences/en/programm/

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Beauty and the Norm: Debating Standarization in bodily Appearance

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Beauty and the Norm: Debating Standarization in bodily Appearance

The past decades have seen a global boom in the body aesthetics services with profound effects on people’s bodies worldwide. The global beauty and fashion industries disseminate mass-mediated images of men and women, whose bodies bear startling similarities in spite of their differences in shade and attire. At the same time, an emerging anthropological literature has analysed beautification and aesthetic body modification as tools for social positioning and climbing, with standards for bodily appearance continually on the rise. Against this background, scholars have warned against an increasing regularization of the human body, indeed a ‘pervasive smoothing out of human complexity and variation’ (Garland-Thomson 2009).

As powerful ideological tools, the standards of normalcy and universality that were set in the nineteenth century, such as the body mass index or “average man” (Quetelet 1842), continue to not only describe, but also prescribe human bodies today. With their help, generations of women, people of colour, the handicapped and the poor have been viewed, measured and evaluated and they were almost always ‘found wanting’ (Garland-Thomson 2009). On the background of the popularization and normalization of medical techniques for aesthetic body modification the pressure to ‘correct’ aspects of the body that defy the norm – deformations, in the language of medical experts – is ever increasing. Indeed, the basic motivation for aesthetic surgery has been described as the desire to “pass” (Gilman 1999).

On the other hand, social anthropologists have documented that in their quest for beauty, modernity or progress, bodies are embedded in collective fantasies that are neither exclusively local nor global, but may be both. Techniques for lightening or tanning the skin, depilation, straightening hair, reducing or augmenting breasts or the size of the nose may travel, but in order to understand their relation to ideologies of race, class and gender as well as global trends, it is crucial to analyse the multiple meanings of their appropriation in specific locales (Craig 2002, 2006). Not least, physical beauty carries in it a form of power, a promise of social mobility that, if made accessible for everyone ready to subject themselves to the demands of the market, may be seen as challenging established power hierarchies (Edmonds 2007). By the help of aesthetic techniques and on a subjective level, aesthetic surgery aficionados, trans-people or beauty queens may strive to become not ordinary, but outstanding, even spectacular (Ochoa 2014).

This workshop aims at bringing together ethnographic and conceptual approaches to the study of beauty and the norm from social anthropology, queer studies, gender studies and disability studies in order to debate standardization in bodily appearance. The organizers invite contributions that engage with ethnographic methods in their research in a variety of geographical locations, addressing one or more of the following questions:

  • What is the relation between beauty practices and the norm?

  •  Are there ethnographic indications for rising standards of bodily appearance and in what ways are these related to ideologies of race, class, age and gender?

  • What happens with people whose bodies defy or are found lacking – in reference to what is considered an ordinary appearance?

  • What does the increasing consumption of aesthetic body modifications mean for the particularities of our bodies, our everyday lives as well as for the ways we determine what is good, beautiful, healthy and “normal”?

The conference will be addressed by Prof. Ann M. Fox (Davidson College) and by Prof. Maxine Leeds Craig (University of California, Davis).

The confernece will take place at Iwalewahaus, Bayreuth University, Bayreuth, on the 6th – 8th of April 2016

Registration fees: €25.00 (€15.00 for PhD and graduate students)

The conference is organized by Sarah Böllinger (PhD candidate and junior fellow of the Bayreuth International Graduate School of African Studies, BIGSAS) Claudia Liebelt (Assistant Professor at the Chair for Social Anthropology, Bayreuth University) Ulf Vierke (Director Iwalewahaus, Africa Centre at Bayreuth University) 

Conference Programme:
http://www.beautyandthenorm.uni-bayreuth.de/de/Programm/index.html

 

 

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No Body – Some Body – Any Body: Gestaltete Gender-Identitäten (Konferenz)

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Auf der Konferenz vom 22. – 23. Oktober, die in Kooperation zwischen dem international Gender Design Network / iGDN und der Fakultät Medien, Information und Design der Hochschule Hannover veranstaltet wird, diskutieren Designpraktizierende und Designforschende über Gender und Design im Kontext Körper und Objekt mit Bezug zu der jeweiligen Geschlechtlichkeit und Vergeschlechtlichung. In Impulsvorträgen und Workshops sowie Interviews mit Akteurinnen aus der Praxis werden unterschiedliche Perspektiven aus verschiedenen Designkontexten vorgestellt und diskutiert.

Zu Gast sind:
Ph.D Lena T H Berglin (Vague Research Studios, Göteborg)
Prof. em. Dr. Uta Brandes (iGDN)
Dr. Sandra Buchmüller (Universität Bremen)
Marijke Doemges M.A. (Köln)
Prof. Dipl.-Des. Volker Feyerabend (Hochschule Hannover)
Prof. Dr. Karen Fromm (Hochschule Hannover)
Prof. Hans-Jörg Kapp (Hochschule Hannover)
Dipl.-Des. Katharina Krämer (Hochschule Hannover)
Prof. Dr. Fred Meier-Menzel (BTK, Campus Iserlohn)
Britta Pukall (Inhaberin und Verwaltungsratspräsidentin 
milani design & consulting, Zürich) 
Julia Schümann B.A. (Köln)
Nexster Entrepreneurship-Center Hochschule Hannover
Katja Trinkwalder (Köln)
Prof. Dorothee Weinlich (Hochschule Hannover)

Blue+Pink Rethink! Klischees und Perspektiven von Gender im Design
Ausstellung des international Gender Design Network / iGDN
22. Oktober bis 05. November 2015

Im Rahmen der Konferenz eröffnet die Ausstellung „Blue+Pink: Rethink“ des international Gender Design Network / iGDN, die bereits an der Hong Kong Polytechnic University, bei designxport in Hamburg sowie designtransfer an der UdK Berlin zu sehen war. Beteiligt haben sich u.a. Alessandro Mendini (Mailand), Matali Crasset (Paris), Joséphine Choquet (London), Anthony Dunne (London), Douglas Young – G.O.D. (Hong Kong), Mateo Kries – Vitra Design Museum (Weil am Rhein), Doreen Toutikian (Beirut), Alexa Lixfeld (Hamburg) u.v.m.

Weitere Informationen sowie Anmeldung zur Konferenz unter

 

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Richard Sennett on “Democratic Technology”

In order to understand and to deal with contemporary societies, different concepts are possible or necessary. Some of the essential elements in Richard Sennett’s work to do so, are related to the notion of Work, Capitalism, City and also to Ritual and Religion as fundamental structures (of Society).

When Mr. Sennett* and Tom Bieling recently met for a coffee and a fascinating conversation on material culture, democracy and according “power relations”, also the role of technology was discussed. The central question: What kind of technology do we need? Sennett put it in a nutshell…


* Richard Sennett ist he Centennial Professor of Sociology at the London School of Economics and University Professor oft he Humanities at New York University. Sennett has studied social ties in cities, and the effects of urban living on invividuals in the modern world.

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Partizipative und inklusive Mensch-Technik-Interaktion

Bereits am 21. April 2015 fand in der Berliner Villa Donnersmarck das “Friedrichshainer Kolloquium des Instituts Mensch, Ethik und Wissenschaft (IMEW) unter dem Titel „Technikgestaltung – die Perspektive Behinderung im Kontext der Innovations- und Technikentwicklung“ statt. In ihrem gemeinsamen Vortrag und der anschließenden Podiumsdiskussion mit dem weiteren Referenten Benjamin Freese (PIKSL) durchforsteten Dr. Birgit Behrisch und Tom Bieling Fragestellungen rund um das Thema “Technik im Kontext Sozialer Bewegungen”. Dr. Karl Bald von der Fürst Donnersmarck-Stiftung zu Berlin hat den Tag protokollarisch begleitet und uns seine Eindrücke in einer gekürzten Fassung als Gastbeitrag zur Verfügung gestellt:

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Das diesjährige „Friedrichshainer Kolloquium“ des Instituts Mensch, Ethik und Wissenschaft“ (IMEW) steht unter dem Thema „Technikgestaltung – die Perspektive Behinderung im Kontext der Innovations- und Technikentwicklung“, im Unterschied zu den bisher behandelten sozialwissenschaftlich-soziologischen Themen des Kolloquiums eine scheinbar ingenieur- und technikorientierte Fragestellung.

Doch weit gefehlt, durch den Vortrag von Dr. Birgit Behrisch (IMEW) und Tom Bieling (UdK / Design Research Lab Berlin) zum Thema „Partizipative und inklusive Mensch-Technik-Interaktion“ fand eine spannende Eröffnung des Themas statt. Zwei Vortragende aus entfernten Feldern, Philosophie und Design, kamen hier mit Synergieeffekt zusammen. Gewöhnlich haben diese Bereiche wenig miteinander zu tun. Beide Vortragende formulierten dagegen einen engen Zusammenhang zwischen Technik und Behinderung, so z.B. in der ersten These, dass Technik die Grenzbereiche zwischen Behinderung und Normalität markiere und Technik ebenfalls in den Herstellungsprozess und der Deutung von Behinderung involviert sei. Neutralität und Sachlichkeit von Technik ist demnach Fiktion, da Technologieentwicklung als zielorientierter Prozess definiert wurde. Welche impliziten Rollen- und Wertebilder in der scheinbar sachlich-neutralen Technik transportiert werden können, arbeitete Dr. Behrisch anhand verschiedener Behinderungsmodelle heraus. Für Bieling und Behrisch sind Partizipation und Inklusion wichtige Prinzipien, die bei Technikgestaltung als ethische Norm eine grundlegende Rolle spielen sollten.

Als konkretes Beispiel, wie eng Gestaltungsprozess und Behinderung verwoben sein können, präsentierte Tom Bieling den „Lorm-Handschuh“ (Lorm Glove): ein Projekt an der UdK (Design Research Lab), in dem die Kommunikation von taubblinden Menschen, nämlich das „Buchstabenschreiben“ in die Hand des Gegenübers durch Tastbewegungen, in einen sensorausgestatteten und vibrationsfähigen Handschuh digitalisiert wird und dadurch erstmalig unabhängig vom physisch anwesenden Gegenüber interaktiven Medien wie Email, SMS etc. genutzt können.

Genauso interessant war das Projekt „Lorm Hand“, eine künstliche Sensorhand, auf der Lorm-„Könner“ bei öffentlichen Veranstaltungen direkt auf einem Bildschirm und damit auch auf Onlineforen wie Twitter oder Facebook Nachrichten hinterlassen können. Eine geniale Erfindung, die die Kommunikation und Autonomie von taubblinden Menschen beeindruckend verbessern kann.

Die Beispiele „Lorm Glove“ und „Lorm Hand“ verweisen auf die enge Kopplung von Behinderung und Technik. Für Tom Bieling muss Designforschung an sozialer Relevanz interessiert sein. Er plädierte dafür, eingefahrene defizitäre Verständnisbilder von Behinderung infrage zu stellen. Die unkritische Ausrichtung von Gestaltung an Mehrheitsprinzipien schüfen für Menschen mit Behinderung neue Hürden.

Podiumsdiskussion

Innerhalb des Forschungsprojektes wurde eine Lorm Hand mit Bildschirm benutzt, um mit taubblinden Menschen zu kommunizieren. Der Lorm Glove ist bisher ausschließlich Forschungsprojekt und noch kein „markttaugliches Produkt“. Doch zeigt das Projekt, dass es möglich ist, getippte Lorm-Nachrichten von der Hand auf das Handy bringen. Ein großer Schritt zu mehr Autonomie, z.B. wenn man als taubblinder Jugendlicher ungestört von elterlicher Anwesenheit mit Freunden twittern will.

Man kann mit dem „Glove“(und seiner Peripherie) eigenständig Dateien lesen und produzieren und gewinnt damit autonomen Zugang zu Wissen. Wann, mit wem und wie kommuniziert wird, kann der taubblinde Nutzer so selbst entscheiden. Das gehe über individuelle Selbstbestimmung hinaus, da mithilfe des Handschuhs auch soziale Netzwerke im Sinne von Empowerment geknüpft werden können.

Die Teilhabe der Nutzer am Forschungsprozess selbst – also im Gestaltungs – Entwicklungs- und Evaluationsprozess – stehe für den partizipativen Teil des Projektes. Dennoch gebe es keine 100% Teilhabe im Forschungsprozess, so Tom Bieling, man habe aber regelmäßig an zentralen Knotenpunkten mit den Nutzern zusammen gearbeitet. Das inklusive Moment liege in der Nutzung des Produktes: Gestaltung neuer gesellschaftlicher Kommunikationsformen baue Barrieren ab.

Anschließend wurde außerdem die Ambivalenz von Hilfsmitteln diskutiert: einerseits kompensieren sie Beeinträchtigungen, andererseits: diskriminieren und stigmatisieren sie durch ihren Einsatz (klobige „Talker“ oder auffällige Notfallbuttons). Viele Betroffene wollen nicht, dass ihr Leiden für alle Menschen sichtbar gemacht wird. Ein Ausweg wäre, das Hilfsmittel im Sinne des „Designs for all“ herzustellen. Doch leider findet sich auch ein gegenteilige Trend: z.B. beim Talker wird ein Ipad auf die Talkfunktion herunterprogrammiert und in ein „Schutzhüllenpanzer“ gesteckt, damit es in den Hilfsmittelkatalog aufgenommen wird. Ein Hilfsmittel, das für andere Zwecke eingesetzt werden kann, wird nicht finanziert.

Hier ist nicht die Technik der Ansprechpartner, sondern das Sozialrecht: es müssen rechtliche Grundlage dafür geschaffen werden, was eine Teilhabeleistung definiert, so Dr. Birgit Behrisch. Eine Zuhörerin fand das Prinzip der Vereinfachungskompetenz spannend. Das könne allen helfen, z.B. könnten solche entwickelten Buttons die Softwarenutzung auch für Personen erleichtern, die kein Deutsch sprechen können.

Wird in der Technik mittlerweile mehr Wert auf Zugänglichkeit und Barrierefreiheit gelegt? Tom Bieling beantwortete diese Frage mit einem vorsichtigen Ja, er sieht einen Trend der verbesserten Nutzerorientierung.

Welche Chancen bieten sich durch digitale Medien, einen besseren Zugang zur realen sozialen Welt zu schaffen? Wie ist die Gefahr einer Flucht ins Virtuelle einzuschätzen? Spannende Fragen, die in diesem Rahmen nicht weiter vertieft werden konnte. Ein Zuhörer verwies ferner auf die Chancen der digitalen Teilhabe, da in diesem Austausch Behinderung erstmal nicht zu erkennen wäre, so würden die Erschwernisse von Menschen mit spastischen Beeinträchtigungen durch zeitversetzte Kommunikation weniger ins Gewicht fallen.

Weniger bremsendes Theoretisieren (Nachhaltigkeit, Gefahren…), sondern mutiges Ausprobieren von neuer Praxis einerseits, so lauteten die Abschlussworte. Andererseits nicht auf die Analyse verzichten, wie gesellschaftliche Entwicklung die Sicht auf Behinderung verändert. Technikgestalter haben Verantwortung, leider werde sie zu wenig genutzt, schloss Dr. Katrin Grüber (IMEW) die Diskussionsrunde.

Karl Bald
(Fürst Donnersmarck-Stiftung zu Berlin), Mai 2015

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Design Research Lab sucht studentische/n Mitarbeiter/in

Das Design Research Lab sucht zum 1.10.2015 ein/e studentische/r Mitarbeiter/in aus dem Bereich Produkt-, Interface- oder Textildesign für das Projekt DAAN. Weitere Infos finden sich in der Stellenausschreibung:

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RETHINK! Gender, Design and Media

Gender Banner

Tomorrow (Friday, April 24) designtransfer presents the exhibition BLUE + PINK >>> RETHINK! of the international Gender Design Network (iGDN), as well as projects from the seminar “Gender Troublers” by students of the Berlin University of the Arts:

Friday, 24 April 2015 – RETHINK! Gender, Design & Media

The event starts at 5.30pm with a Gender-Design-Talk with: Michelle Christensen, Fred Meier-Menzel and Dr. Barbara Sandow, moderated by Prof. Dr. Uta Brandes. 

The vernissage starts at 7 pm with an introduction to the topic “Gender und Design” by Prof. Dr. Uta Brandes. 

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WER RETTET WEN? (Doku)

“Seit fünf Jahren werden Banken und Länder gerettet. Politiker schaffen immer neue Rettungsfonds, während mitten in Europa Menschen wieder für Hungerlöhne arbeiten. Es wird gerettet, nur keine Rettung ist in Sicht.

Für große Banken ist die Finanzkrise vor allem ein Geschäftsmodell. Und die ständig „verstimmten“ und „enttäuschten“ Finanzmärkte scheinen ein besonderes Wesen zu sein, das bei Laune gehalten werden muss.

Wer rettet also wen? Die Reichen die Armen? Die Politiker die Banken? Die Rettungsschirme Europa? Oder die Steuerzahler einige wenige Individuen?”*

Nach WATER MAKES MONEY und BAHN UNTER DEM HAMMER wirft auch der neue Film von Leslie Franke und Herdolor Lorenz einen Blick von unten auf die gesellschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit.

WER RETTET WEN?
Kinostart: 
12. Februar 2015.

* via Wer-rettet-Wen

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Design and Organization

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In order to design, Designers need tools, such as pencils, dremels, notebooks, software or brainstorm-sessions. In order to mediate between the ‘uncertain’ and the ‘real’, Designers also design tools, such as guiding systems, urban structures, services or interfaces.

The greek word for ‘tool’ – organon – is also the origin for the word ‘Organization’, which might be best described as a process including different forms of planning, preparing, structuring, evaluating and executing. Including different acts of analysis, projection and synthesis. Including an orientation and adjustment towards certain visions or goals.

When talking about the complexity of Design in terms of organizational tasks, patterns and potential, a broad range of perspectives can be taken into account. What are the links, the parallels and where are the limits between organizing and designing? How can design (help) inform or trigger an Organisation, or the Processes within an Organisation? What role can design play in institutional Organisations. What about Organizations that deal with design topics (such as Design Councils, Design Centres or Design Societies)?  

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[Egyptian Design Students visiting the “Werkbund Archiv / Museum der Dinge”, Berlin]

In the summer semester 2014, a group of 27 graphic-, media- and product-design students at GUC Berlin Campus participated in the theory course “Design & Organization”, in which this broad range of approaches and perspectives was being explored.

The course was complemented by a series of lectures on organizational patterns, design management and professional practice, which were taken as a basis for a design-argumentative perspective in the students’ work. It also triggered the students’ textual approximation towards their own work through a multiperspective critical thinking about Design.  

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[Raban Ruddigkeit]

Sessions included the “Architectural Perspective” (Uwe Kuckertz / Staubach&Kuckertz), the “Brand Perspective” (Anja Rosendahl), expertise from product design and a “Holistic View” (Christoph Fleckenstein / Iondesign), a typo/graphic perspective on the challenges of “Organization vs. Creation” (Raban Ruddigkeit), or Katrin Hinz’ (HTW) thoughts on “Universal Design Thinking”.

Challenges for “Organizing the Past” were being explored with Christian Mayrock (Werkbundarchiv/Museum der Dinge) from a curational and design-museologist perspective. Together with Lola Güldenberg (L Design), the group discovered aspects of “Organizing the Future”, from a trendscouting point-of-view.

In a “Design Portfolio” Session with Ulrike Meyer (Connecting Talents), the group investigated on their individual designerly strengths as well as possibilities to show and present them. The importance of promoting design (e.g. against industry or politics) as well as different forms of networking finally lead to discuss notions of “Connecting Business, Society and Culture” with Cornelia Horsch (IDZ).

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[Cornelia Horsch / Internationales Design Zentrum]

By developing organizational questions as design questions, the findings of this course helped the students to clarify both their design analytical and design rhetorical arguments. No doubt, there are surely various non- or semi-organized impulses, design can profit from. Such as open structures, intuition, inspiration, experiment or even failure. But what also became clear in this course was that organization is a strong core element of design. And vice versa: there is great potential for designers to design organizational processes.

… and for both they use and design specific tools.

Tom Bieling | Berlin, March 2015  

 

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Wem gehört die Stadt – Bürger in Bewegung (Doku)

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Wem gehört die Stadt: Den Beamten, die sie verwalten? Den Bauherren, die sie kaufen? Oder den Menschen, die sie bewohnen? In ihrem Dokumentarfilm “Wem gehört die Stadt – Bürger in Bewegung” beobachtet die Kölner Filmemacherin Anna Ditges, was passiert, wenn Anwohner, Investoren, Politiker und Stadtplaner ihre ganz unterschiedlichen Vorstellungen von der Zukunft ihres Viertels unter einen Hut bringen müssen.

Der Film berichtet dabei von existenziellen Auseinandersetzungen zwischen Menschen mit unterschiedlichen, oft unvereinbaren Lebenswelten und Wertevorstellungen. Im Spannungsfeld von Engagement, Eigennutz und Sinnstiftung geht er der Frage nach, wie Demokratie im Alltag funktionieren kann und wie viel politische Verantwortung die eigene Heimat für jeden Einzelnen bedeutet.

Die Story wird vom Verleih folgendermaßen zusammengefasst:

Das Helios-Areal gilt als Herzstück des Kölner Stadtteils Ehrenfeld: Mit seinem weithin sichtbaren Leuchtturm aus dem 19. Jahrhundert, mit den alten Werkhallen, in denen sich Clubs und Konzerträume, Werkstätten und Kreativbüros eingerichtet haben, und mit den vielen Brachflächen dazwischen verkörpert das idyllisch-heruntergekommene Gelände das besondere „Potenzial“ eines früheren Arbeiterviertels, das gerade zum In-Viertel wird.

Doch wo die Ehrenfelder einen ihrer letzten alternativen Lebensräume am Rande einer dicht bebauten Innenstadt bewahren möchten, sehen Investoren und Stadtplaner vor allem ein riesiges ungenutztes Grundstück in Bestlage, das immer weiter zu verfallen droht. Hier könnte so vieles entstehen, so viel gebaut und so viel Geld verdient werden. Großinvestor und Bauunternehmer Bauwens-Adenauer entscheidet sich für ein Einkaufszentrum.

Der Protest lässt nicht lange auf sich warten. Gastronomen und Handwerker, deren Existenz durch den geplanten Abriss auf dem Spiel steht, aber auch Anrainer und Nachbarn sehen die Shopping Mall als Bedrohung für die gewachsene Infrastruktur und für den Einzelhandel des Viertels. Unterschriften werden gesammelt und eine Bürgerinitiative gegründet, deren Arbeitsgruppen nachhaltige und bürgernahe Konzepte zur Nutzung des Geländes erarbeiten wollen. Mit Unterstützung von Bezirksbürgermeister Wirges, dem die Menschen in „seinem Veedel“ am Herzen liegen, kommt es zu einem Bürgerbeteiligungsverfahren, in dem Vertreter der Stadt zwischen den Interessen von Wirtschaft, Politik und Bürgerschaft vermitteln und abwägen sollen. Bald stehen erste Modelle im Raum. Kulturstätten, bezahlbarer Wohnraum, ein Park wäre schön, oder doch lieber ein Parkhaus? Visionäre und Pragmatiker, Radikale und Resignierte streiten über Machbarkeit und Kompromisse. Doch am Ende des konfliktreichen Prozesses steht eine Lösung, die so niemand erwartet hätte…

via WemGehörtDieStadt – DerFilm

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In loving memories: Heiner Jacob

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Today, two years ago, Prof. Heiner Jacob passed away. He still keeps on inspiring a whole generation of KISD Alumni, Design Scholars and Designers across the globe. Thanks Heiner!

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Community Now? The Politics of Participatory Design

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The Design Research Lab and the DGTF (German Society for Design Theory and Research) are currently preparing an international symposium which  focusses on current social developments and participatory community projects in Germany and Israel. Participatns from all over will present and discuss their projects and explore how to promote processes of active participation and support a sustainable development of communities, their impact on policy making and on everyday life. The symposium is the closure of the two years research project “Community Now?” between Germany and Israel.

When: February 19th – 21st, 2015
Where: Jewish Museum Berlin, Lindenstraße 9-14, 10969 Berlin

PROGRAM
The program includes an opening evening with panel discussions and keynotes, followed by two days of keynote talks, presentations and workshops – accompanied by an exhibition around the Neighborhood Lab and a series of thematic walks.

Thursday, 02/19/2015
10:00-17:00 Preliminary workshop at the Neighborhood Lab, Mehringplatz 9
19:00 – Opening Ceremony | Inaugural speeches & short panel discussion with:
Daniela Schadt (Board member of the German-Israeli Future Forum DIZF and Germany’s First Lady); onfilly Kugelmann (Program Director of the Jewish Museum Berlin); Thomas Krüger (President of the German Federal Agency for Civic Education bpb); Michal Eitan (Dean at the Bezalel Academy for Arts and Design Jerusalem); Ezri Tarazi(Curator and Professor at the Bezalel Academy Jerusalem); Andreas Eberhardt (Director of the German-Israeli Future Forum DIZF);Gesche Joost (Head of the Design Research Lab, Berlin University of the Arts)

Night-Talk with
Hanno Rauterberg, Author and Journalist (ZEIT) and
Jesko Fezer (DGTF borad member, Professor at HfBK Hamburg)

Concert with Tal Balshai and Band

Friday, 02/20/2015 & Saturday, 02/21/2015
Keynotes:
Avi Sabag (Musrara School & Musrara Mix Festival), Barbara Meyer (Director Schlesiche 27 Berlin), Daniela Schadt (Board of the German-Israeli Future Forum DIZF), Doug Schuler (Evergreen State College, Washington)

Talks and workshops:
Efrat Meyer (Yad Be Yad), Valentina Nisi & Mara Dionisio (Madeira Institute of Technology), Iva Cukic & Marko Aksentijevic (Miniytry of Space Beograd), Panayotis Antoniadis & Ileana Apostol (ETH Zürich), Leah Abir (Haifa Museum of Art), Karin Lücker (MadaMe Berlin), Michael Smith (Urban IxD Edinburgh); Myriel Milisevich, Henrik Lebuhn & Mira Thomsen (Neighborhood Satelites), Michelle Christensen & Florian Conradi (DGTF), Gilly Karjevsky (Glocal Neighborhoods)

Please register here: http://www.dgtf.de/conftool/; Free admission.
Registration closes February 8th!

Programm details coming soon.

 

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Schöpfer der zweiten Natur – Der Mensch im Anthropozän (Book Review, german)

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Ob Tsunamis, Erdbeben oder Dürreperioden. Ob Meteoriteneinschläge oder Vulkanausbrüche. In der geologischen Arena spürbarer Brachial-Ereignisse und langfristig evidenter Veränderungsprozesse haben die herkömmlichen „Naturgewalten“ längst einen Konkurrenten bekommen: den Menschen.

Mit den von ihm produzierten, transportierten, konsumierten, verarbeiteten und entsorgten Eingriffen in Böden, Gewässern, Atmosphären und Panoramen ist der Mensch zum geologischen Faktor, wenn nich gar zu einem der geologischen Hauptakteure avanciert, dessen Spuren auch noch in Jahrmillionen erkennbar sein werden. Ähnlich erkennbar wie besagte und so genannte Naturerereignisse.

Paul Crutzen, Nobelpreisträger für Chemie, hat dafür den Begriff des Anthropozäns geprägt, der ein neues Erdzeitalter – das Menschenzeitalter – beschreibt. Dass es sich beim Anthropozän nicht vornehmlich um ein geochronologisches, sondern ein kulturelles und somit sozialhistorisches Phänomen handelt, bei dem der Technik und Technikentwicklung eine Schlüsselrolle zukommt, verdeutlicht sich anhand der Hybridisierung bislang annähernd trennscharfer Komponenten.

Indem der Mensch mit den von ihm entwickelten Technologien nicht nur Natur, sondern auch sich selbst, und mit ihm die Gesellschaft verändert, potenziert sich zugleich das Einflussgebiet seiner Gestaltungskraft. Dies geht auch einher mit weltbildlichen Konstruktionsverschiebungen fernab althergebrachter, in der griechischen Philosophie wurzelnder, abendländischer Dualismen: Natur versus Kultur; Objektwelt versus Zeichenwelt; biologisch Lebendiges versus technisch Geschaffenes; Gewordenes versus Gedachtes; Subjekt versus Objekt.

Wie stark das Anthropozän den Blick auf Natur, Kultur und Technik verändert, ist Gegenstand des von Arno Bammé herausgegebenen Sammelbandes „Schöpfer der zweiten Natur“. Mit dabei sind unter anderem Christan Schwägerl („Die menschgemachte Erde“), Wilhelm Berger („Technik, Politik und das Theater der Apokalypse“) und Bazon Brock („Prometheische Scham“).

Letzterer stellt die pathetische Rede vom Anthropozän als pseudo- bis wissenschaftliche „Gerüchteverbreitung im öffentlichen Diskurs“ kritisch in Frage. Lege sie doch nahe, den Menschen als Beherrscher der Natur zu proklamieren. Dies sei eine groteske Verkennung der Tatsache, dass „wir mit keiner menschlichen Wirkmacht die Naturgesetze aufheben können“.

Allein die Behauptung, rund vier Milliarden Jahre erdgeschichtliche Evolution können überboten werden von zweitausend Jahren geistesgeschichtlicher Prägekraft, stellt Brock als absurd und als Verkennung des folgenden Sachverhalts dar: „Wie immer wir auf die Natur einwirken, das Resultat wird keineswegs von den Menschen erzielt, sondern von der Geltung der Naturgesetze, die gerade nicht menschlicher Willkür unterliegen“.

Die Annahme, es käme für die Zukunft der Erde im wesentlichen auf die Menschen und deren Einwirkung auf die Natur an, sei demnach ein Trugschluss und laufe Gefahr zu einem fatalen Triumphalismus anthropozentrischen Denkens zu verkommen.

Was sich in Brocks Artikel wie eine Abstrafung der, überwiegend auf der anthropozentrischen These fußenden, vorherigen zehn Gastbeiträge liest, knüpft dabei auch an Bammés Aufzählung von „Fünf Gründe(n), warum die Menschheit den Herausforderungen des 21. Jahrhunderts nicht gewachsen ist“ an.

Die Bandbreite der in diesem Band versammelten Beiträge liefert schließlich ein paar grundlegende Bausteine zu einer Ausformung eines postakademischen Wissenschaftsansatzes, indem disziplinäre Grenzen konstruktiv durchdrungen werden. Das Anthropozän dient Bammé et al. dabei als Anlass, tradierte, mitunter angestaubte Ansätze und Prinzipien der Soziologie herauszufordern, weshalb das Buch bisweilen auch als wissenschaftsdidaktische Streitschrift angelegt ist. Kern der Kritik: Nach wie vor sei die Soziologie durch einen Mangel an wissenschaftlichem Wissen gekennzeichnet, das auch gesellschaftlich relevant ist. Zudem mangele es ihr allzu häufig an kognitiven Vermittlungsinstanzen.

Es besteht somit die Herausforderung darin, im Dickicht aus Mensch, Natur und Technik, neuartige oder mögliche Hybride und Amalgame zu identifizieren und zu erforschen. Auch, um sie schließlich in gesellschaftliche Entscheidungsprozesse einbeziehen zu können.

Tom Bieling, Januar 2015

 

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Bammé, Arno (Hg.): Schöpfer der zweiten Natur – Der Mensch im Anthropozän; Metropolis; 230 Seiten, ISBN: 978-3-7316-1094-6; EUR 24,80

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Zwischen System und Chaos im MAKK

Das Museum für Angewandte Kunst Köln startet mit der Ausstellung “SYSTEM DESIGN – Über 100 Jahre Chaos im Alltag” ins neue Jahr.

Vom metrischen System zum Lego-Baustein, über die DIN-Norm für Papierformate, U-Bahn-Plänen und Regalen bis zu Smartphone Konfigurationen und Computer-Betriebssystemen, Espresso-Kapseln, Carsharing bis zur Systemgastronomie – Systeme bestimmen unseren Alltag. Meist bemerken wir sie gar nicht. Die Welt ist voller Systeme, die miteinander konkurrieren.

Unsere Position im Kosmos verorten wir innerhalb eines Sonnensystem – aber wenn wir in den nächtlichen Sternenhimmel blicken, sehen wir nur ein Chaos aus unendlich vielen, leuchtenden Punkten. Ob wir unsere Umgebung als Chaos oder als System wahrnehmen, ist eine Frage unserer Perspektive und unseres Standpunkts.

Der Systemgedanke ist seit mehr als hundert Jahren prägend für das Design – seit mehr als hundert Jahren pendelt das Design zwischen System und Chaos. Der Systemgedanke beruht dabei auf dem Wunsch, das Chaos dadurch zu bewältigen, dass wir eine überschaubare Anzahl von einzelnen Elementen verbinden und dadurch einen Zusammenhang herstellen.

Jedes System ist ein erneuter Versuch, einen abschließenden Zusammenhang zu erzeugen, der alle zugehörigen Elemente vereint. Jedes System hat aber auch Brüche, und gleichzeitig konkurriert es mit bestehenden Systemen. Deshalb ist jedes neue System zugleich auch ein Beitrag zur Vermehrung des bestehenden Chaos.

Die Ausstellung SYSTEM DESIGN versammelt mehr als 100 Exponate von internationalen Gestaltern wie Otl Aicher, Peter Behrens, Ronan und Erwan Bouroullec, Marcel Breuer, Konstantin Grcic, Charles und Ray Eames, Egon Eiermann, Richard Buckminster Fuller, Ferdinand Kramer, Jonathan Ive, Le Corbusier, George Nelson, Verner Panton, Dieter Rams, Oswalt Matthias Ungers, Massimo Vignelli und Wilhelm Wagenfeld.

Die Ausstellung läuft vom 20.01. bis zum 07.06.2015 im

MAKK | Museum für Angewandte Kunst Köln
An der Rechtschule
50667 Köln

via makk

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Design der Zukunft (Book Review, german)

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Welche Rolle spielt Design in einer sich wandelnden Gesellschaft? Eine nicht erst seit Victor Papanek häufig gestellte, wenn auch dadurch nicht weniger berechtigte Frage. Ebenso kontinuierlich wie die ökologischen, ökonomischen, technologischen und sozialen Transformationsprozesse, die immer auch stark in die Gesellschaften hineinwirken, verschieben und erweitern sich auch die Erscheinungsformen, Aufgabenbereiche und Handlungsoptionen von Design. Diese „Ausweitung der Designzone“ unterstreicht gleichermaßen die Relevanz von Design, wie auch die Verantwortung seiner Akteure. Das gilt insbesondere im Anthropozän, dem Erdzeitalter des Menschen, in dem der Mensch die Natur und das Leben selbst mit- und durchgestaltet.

Gleichwohl birgt eine Ausweitung der Designzone auch argumentative Fallstricke, da sie sich – konsequent zu Ende gedacht – letztlich auch im Alles-und-nichts zersetzen kann. Ein Dilemma, welches dieses Buch zwar nicht lösen wird, ihm jedoch mit einem Dutzend variantenreicher Beiträge kleine Diskursimpulse mit auf den Weg gibt. Deren Zusammenstellung mag vielleicht nicht immer plausibel erscheinen – kurzweilig bleiben sie dennoch. Und helfen somit, das Titelthema auch in seiner Doppeldeutigkeit zu ergründen: Anhand der Frage wie zukünftiges Design konzipiert sein kann (oder soll), ebenso wie der Frage nach der tatsächlichen Gestaltbarkeit von Zukunft an sich.

Tom Bieling, Dezember 2014

 

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Lund, Cornelia / Lund, Holger (Hg.): Design der Zukunft; AVedition; 176 Seiten, ISBN: 978-3-89986-194-5; EUR 24,90

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Hacking (Book Review, german)

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Seit mit Beginn der 1980er Jahre der Typus des Hackers durch Film- und Literatur im popkulturell unterfütterten Mainstream auf der breiten Bildfläche erschien, bewegt sich sein begriffliches Wechselverhältnis zwischen Kriminalisierung und Heroisierung. Mit der Debatte um Sicherheit, Überwachung, Zensur und techno-sozialen Restriktionen von staatlicher oder kommerzieller Hand gewinnt der Hacking-Diskurs seit einiger Zeit erneut an Aktualität.

Doch auch jenseits von Anwenderprogrammen und Computersystemen erfährt Hacking eine gegenständliche und begriffliche Konjunktur. In den MashUp-, Remix- und Sampling-getriebenen Kulturtechniken und -praktiken der Postmoderne, durchläuft der Hacking-Ansatz inzwischen vielschichtige Grenzgebiete. Etwa anhand von Schnittstellen-definitionen und -überbrückungen entlang von Natur und Technik („Biohacking“) oder in Form von dinghaften, ebenso einfach vollzogenen und leicht imitierbaren Lösungen für Alltagsprobleme („Lifehacking“).

Als zugleich Antriebskraft und Gegenstand der Untersuchung, fungiert Hacking als methodisches und experimentelles Werkzeug systemischer Exploration und beschränkt sich nicht nur auf die Erkundung gewisser Spielregeln, sondern intendiert auch deren Veränderung und Neuformulierung. Der Hack lässt sich folglich nicht (nur) auf listig-raffinierte Lösungen für Computerprobleme reduzieren, sondern versinnbildlicht generell ein kreatives Aufbrechen von Technologie, Dingen, Zusammenhängen und Begebenheiten, sowie eben: den damit verbundenen Systemen.

Dass die Strategie des Hackings seit der Popularisierung von Computer- und Netzthemen eine besondere Faszination auch auf die Kunst (speziell: Medienkunst) ausübt und warum das so ist, ergründet Dominik Landwehr anhand von sieben kurzen Beiträgen (Texte von Claus Pias, Raffael Dörig, Felix Stalder, Verena Kuni, Hannes Gassert; sowie Interviews mit Ubermorgen und der !Mediengruppe Bitnik) im zweiten Band* der Reihe ‹Edition Digital Culture›.

Die Vieldeutigkeit des Hacking-Begriff, angefangen von der Durchdringung von (Betriebs-)Systemen bis hin zur Handlungs- und Informationsbefreiung, spiegelt sich dabei auch in den Deutungsweisen und Beschreibungsformen der jeweiligen Beiträge wieder: So umreißt Raffael Dörig („Hacking Everyday Life“) das Thema am Beispiel von „geknackter Alltagselektronik“. Verena Kuni veranschaulicht hingegen den „handfesten“ Aspekt des Eindringens in bestehende Systeme am Beispiel der Überwindung Jack Torrances einer Badezimmertür mit Hilfe der Axt im Kubrick-Klassiker ‹The Shining›. Dabei wird auch deutlich: Das Brachiale eines Hacks scheint weniger im Werkzeug selbst, als im Modus Operandi und der damit verbundenen Handlungsintention zu liegen. Im positiven wie im negativen Sinne.

Tom Bieling, Dezember 2014


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* Dominik Landwehr (Hg.): Hacking; Edition Digital Culture 2; Migros-Kulturprozent, Christoph Merian Verlag; Oktober 2014, 260 Seiten, Deutsch/Englisch, ISBN 978-3-85616-642-7;
EUR 15,00

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Protest, Widerstand und Arbeitskämpfe von 1848 bis 1990

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Seit Beginn der Industrialisierung prägen Kämpfe um Produktion, Reproduktion und Teilhabe den Alltag von Arbeiterinnen und Arbeitern. Von den Protesten gegen Hunger der 1910er Jahre, über das Engagement für bezahlbaren Wohnraum Anfang der 1930er Jahre, bis hin zu den Streiks deutscher und migrantischer Arbeiterinnen und Arbeiter ab den 1970er Jahren ergibt sich ein breites Spektrum an Aktionsformen, sowie ohnehin eine große Bandbreite an politischen Motivationen, Forderungen, Handlungen und Utopien.

Das Erbe dieser Kämpfe wurde heute (am 6.12.14) im Rahmen einer Tagung im Berliner August-Bebel-Institut reflektiert, zu der Historiker/innen, Forschende und  Politiker/innen ebenso wie Aktivist/innen und Interessierte zusammenkamen.

Unterteilt in drei Themenblöcke (“Protest im Untergrund und öffentlichen Raum”, “Arbeitskämpfe und der Betrieb als Ort des Protest”, “Kämpfe um Reproduktion und Frieden”) ergab sich über den Tag verteilt ein historischer Umriss protestbezogener Zeit- und Raumachsen im deutschsprachigen Raum, speziell: Berlin und Brandenburg.

So sprach der Historiker Ottokar Luban über die Antikriegsagitation der Spartakusgruppe (1916–1918). Bernd Gehrke (ehem. Vertreter der Vereinigten Linken am Zentralen Runden Tisch 1989/90) durchleuchtete die Demokratische Revolution und den betrieblichen Aufbruch in der DDR. Über wohnraumbezogene Formen von Protest und Selbsthilfe in Berliner Arbeitervierteln während der Großen Depression 1931–1933 (»Erst das Essen, dann die Miete!«) berichtete Simon Lengemann. Erweitert wurde das Themenspektrum mit Beiträgen über die »Moabiter Unruhen« von 1910 (Holger Czitrich-Stahl), Begebenheiten an der Heimatfront (Henning Holsten) bis hin zu den Kämpfen koreanischer Krankenschwestern um Arbeit und Aufenthalt in den 1970er Jahren (Sina Schindler).

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“Vorwärts und nicht vergessen…”

Abgerundet wurde der Tag mit der Finissage zur Ausstellung »Vom K.G.B. zum V.B.K. – eine Spurensuche in Lichtenberg und Wedding«, in der es um Konsumgenossenschaften, ihre wirtschaftliche Macht, sowie letztlich deren politische Zerschlagung ging.

In großformatigen Fotografien der Künstlerin Julia Lazarus wurden Spuren des vergangenen genossenschaftlichen Lebens und Konsumierens in den Bezirken Wedding und Lichtenberg gezeigt, die von der Gegenwart überlagert werden.

Im wahrsten Wortsinn zum Ausklang brachte den Abend eine gemeinsame Sing-Runde der Teilnehmenden mit Liedern aus der Arbeiterbewegung. Begleitet an der Gitarre von Stadtrat Michael Karnetzki.

Tom Bieling, Dezember 2014

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Der Runde Tisch – Gespräch mit ProtagonistInnen

RunderTisch
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Am 7. Dezember 2014, dem 25. Jahrestag des ersten Treffens des Zentralen Runden Tischs* der DDR lädt die Galerie im Turm um 19 Uhr zum Gespräch in das Setting der Ausstellung “A Vocabulary of Revolutionary Gestures” am Frankfurter Tor.

Gemeinsam mit den ehemaligen TeilnehmerInnen des Zentralen Runden Tischs der DDR, Sebastian Pflugbeil (Neues Forum) und Judith Braband (Unabhängiger Frauenverband, Vereinigte Linke) wird über die Praxis und die Ziele der Runden Tische, ihre Rolle bei der basisdemokratischen Umgestaltung der im Umbruch befindlichen DDR, ihre Beziehung zu alten und neuen politischen Mächten, ihre Marginalisierung im Zuge des politischen Richtungswechsels auf die Wiedervereinigung hin, ihre Abwesenheit in vielen Formen des Erinnerns an 1989 – und schließlich die Frage gesprochen werden, was dennoch von ihnen bleibt.

*Bild: Der Raum des 1. Treffens des Zentralen Runden Tischs im Bonhoeffer-Haus, 2013

 

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Gutes Design – Martin Kelm und die Designförderung in der DDR

Nicht erst seit unserem Besuch der Rudolf Horn Ausstellung im Leipziger Grassi Museum (August 2014) berichtet DESIGNABILITES in unreglmäßigen Abständen über Design und Designer in der DDR. Mit “Gutes Design” haben nun Christian und Sylvia Wölfel gemeinsam mit Jens Krzy­win­ski ein Buch über die institutionelle Designförderung in der DDR veröffentlicht. Und beleuchten darin speziell die Rolle und das Wirken Martin Kelms, dem langjährigen Leiter des Amtes für industrielle Formgestaltung (AiF), der einstmaligen staatlichen Behörde für Planung, Leitung und Überwachung der industriellen Formgestaltung in der DDR.

Klappentext:
In den ver­gan­ge­nen Jah­ren hat sich das Inter­esse an ost­deut­schem Design und ost­deut­schen Desi­gnern spür­bar erhöht. Doch die Geschichte der zen­tra­len Desi­gnför­der­in­sti­tu­tion in der DDR, des Amtes für indus­tri­elle Form­ge­stal­tung (AIF) und sei­nes lang­jäh­ri­gen Lei­ters Mar­tin Kelm blieb trotz aller Forschungs-, Publi­ka­ti­ons– und Aus­stel­lungs­vor­ha­ben merk­wür­dig unter­be­lich­tet. Die­ser Band möchte daher mit Mar­tin Kelm einen Prot­ago­nis­ten des ost­deut­schen Indus­trie­de­signs zum Spre­chen brin­gen, des­sen Bio­gra­fie als Indus­trie­de­si­gner, SED-Mitglied und Staats­se­kre­tär untrenn­bar mit der Ent­wick­lung der ost­deut­schen Desi­gn­land­schaft ver­wo­ben war. In einem auto­bio­gra­fi­schen Text zeich­net er wesent­li­che Sta­tio­nen sei­nes per­sön­li­chen und pro­fes­sio­nel­len Wer­de­gangs nach und gibt damit einen Ein­blick in die For­mie­rung sei­nes Desi­gn­ver­ständ­nis­ses, das auf­grund der zen­tra­len Posi­tion Kelms für das ost­deut­sche Design als prä­gend zu bezeich­nen ist: Gestal­tung in und für die Indus­trie. Wei­tere Bei­träge von Indus­trie­de­si­gnern aus der DDR und der Bun­des­re­pu­blik, von His­to­ri­kern und Desi­gnwis­sen­schaft­lern zum Ver­hält­nis von frei­schaf­fen­den und ange­stell­ten Desi­gnern, zum Ein­fluss des AIF in Indus­trie­be­trie­ben und im Hoch­schul­be­reich, zum west-östlichen Aus­tausch oder zur sowje­ti­schen Per­spek­tive auf das AIF ergän­zen und ord­nen seine per­sön­li­chen Erin­ne­run­gen ein. Dabei zeigt sich eine breite Viel­falt von sub­jek­ti­ven Erfah­run­gen und Hand­lungs­fel­dern im ost­deut­schen Indus­trie­de­sign, die neben uner­träg­li­chen Repres­sio­nen auch uner­war­tete Frei­heits­grade und Raum für eigen­sin­ni­ges Han­deln bereithielten.

Neben einem auto­bio­gra­fi­schen Text von Mar­tin Kelm ent­hält der Band Bei­träge von Peter Alt­mann, Peter Frank, Ulrich Kern, Win­fried Klemmt, Jens Krzy­win­ski, Rolf Roeder, Anne Sudrow, Mar­ga­reta Till­berg, Swen Stein­berg, Syl­via Wöl­fel, Chris­tian Wöl­fel und der Stif­tung Haus der Geschichte der Bun­des­re­pu­blik Deutsch­land sowie Gesprä­che mit Karl-Heinz Schaar­schmidt, Bern­hard Sorg und Johan­nes Uhl­mann. Die Arti­kel und Inter­views wer­den ergänzt durch Kurz­bei­träge von Alex­an­der Hal­lasch, Ernst Jörg Krutt­schnitt, Christa Petroff-Bohne und Karl-Heinz Schaarschmidt.

»GUTES DESIGN — Martin Kelm und die Designförderung in der DDR«, her­aus­ge­ge­ben von Chris­tian Wöl­fel, Syl­via Wöl­fel und Jens Krzy­win­ski, 27 × 21 cm, 248 Sei­ten mit 209 Abbil­dun­gen. Erscheint bei The­lem Dres­den (ISBN 978–3-945363–11-9); 36,80 Euro.

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Elske Rosenfeld – A Vocabulary of Revolutionary Gestures

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Elske Rosenfelds Ausstellungsprojekt “A Vocabulary of Revolutionary Gestures”  bearbeitet filmisch und performativ Sequenzen historischer Ereignisse – 1989, 1968 und 2011/12. Ausgehend von ihrem eigenen Erleben der Ereignisse von 1989 in der DDR untersucht sie in ihren Video- und Performancearbeiten den Körper als Austragungsort und Archiv historischer Erfahrungen.

Im Zentrum der in der Galerie im Turm präsentierten Installation steht das Video „Ein bisschen eine komplexe Situation/A mass is gathering outside“, eine bearbeitete Szene vom ersten Treffen des Zentralen Runden Tischs der DDR am 7.Dezember 1989.

Im Kontext des Gedenkens an 25 Jahre Friedliche Revolution erinnert die Ausstellung an die Monate des Herbstes 1989 und die Arbeit der politischen Opposition im beginnenden Prozess des Findens eigener, originärer demokratischer Praktiken und Ausdrucksformen.

Ein zweiteiliges Ausstellungsprojekt bei Scriptings (Sept. 14) und in der Galerie im Turm (Nov. 14 – Jan. 15).

Veranstaltung am 07.Dez 2014, 19h:

Am 25. Jahrestag des ersten Treffens des Zentralen Runden Tischs der DDR lädt die Galerie im Turm zum Gespräch in das Setting der Ausstellung. Gemeinsam wird an die Erfahrung der Runden Tische erinnert, deren Praktiken und Ziele aus dem kollektiven Erinnern zu fallen drohen, wenn 1989/90 ausschließlich als Mauerfall/Wiedervereinigung erinnert wird.

Aktualisierte Informationen zu Gästen und Programm auf www.galerie-im-turm.net

Eröffnung am Donnerstag, 27.November 2014, 19 Uhr

Ausstellungsdauer: 28. September 2014 – 09. Januar 2015, DI – SO 12 – 19 Uhr

Veranstaltung: Sonntag, 07.Dezember 2014, 19h
Gespräch zum ersten Runden Tisch der DDR

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Galerie im Turm | Frankfurter Tor 1 | 10243 Berlin |
Öffnungszeiten: di – so, 12.00 – 19.00 Uhr

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Materialschlacht: “Design und Krieg”

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Das Verhältnis von Design und Krieg ist unsichtbar. Beide vermeiden eine allzu offensichtliche Beziehung, nutzen jedoch gerne neue und neueste Techniken zur Gestaltung ihrer Welt. Die Aktualität der asymmetrischen Kriegsführung des 21. Jahrhunderts zeigt jedoch, dass Handy und Internet genauso dringend gebraucht werden wie klassische Schusswaffen. Vielleicht muss die gestaltete Webseite einer Terrorgruppe mit seinen Propagandavideos als eine der größten Waffen in der Gegenwart überhaupt gelten. Diesem Themenkomplex widmet sich heute und morgen in Hanover das Symposium Design und Krieg.

Der 100. Jahrestag des Beginns des Ersten Weltkriegs fällt 2014 mit dem 75. Jahrestag des Beginns des Zweiten Weltkriegs zusammen. Das ist Grund genug, sich im Rahmen der Designforschung und ihrer wissenschaftlich benachbarten Disziplinen Fragen nach den Zusammenhängen zwischen Krieg und Gestaltung zu stellen.

Dieser Zusammenhang ist seit grauer Vorzeit unbestritten und vielfältig. Heraklits Fragment, der Krieg sei als Vater aller Dinge anzusehen, lässt sich auch heute noch so interpretieren, dass militärische Auseinandersetzungen stets große Ressourcen in die Entwicklung neuer Materialien und innovativer Anwendungen, in ungewohnte Formgebung und risikofreudige Projekte investierten, die in Friedenszeiten wohl niemals Förderer gefunden hätten. Von der Konservendose bis zur Schuhsohle aus Gummi, von der Fernmeldetechnik bis zur Luftfahrt, vom Geländewagen bis zur Teflonpfanne hat gerade im 20. Jahrhundert der tatsächlich geführte – aber auch nur der drohende – Krieg Herausforderungen an Designer und Gestalter gestellt. Funktionalismus, Kosten- und Materialeffizienz, massenhafte Produktion und simple Handhabbarkeit waren dabei ebenso wichtige Parameter wie die Rücksicht auf nationale Kulturhorizonte und ideologische oder politische Vorgaben. Von der Uniform bis zur Inneneinrichtung der Fahrzeuge, von der Entwicklung neuartiger Kommunikationsmedien bis zur Stromlinienform, vom Propagandamaterial bis zur Dokumentation sind sämtliche Gattungen und Fächer des Design gefragt und betroffen.

Und wie in kaum einem anderen Bereich menschlicher Interaktion wird im Krieg die Kategorie des „social design“ sichtbar: Gutes Design entscheidet womöglich über Leben und Tod des Benutzers. Dabei wird auch deutlich, dass Design nicht nur Diener des Krieges ist, sondern beide auch einiges gemeinsam haben: Design und Krieg sind beide gestaltend tätig, nehmen Einfluss auf das Aussehen und die Wahrnehmung von Materialien und von Landschaften, auf Nationalidentitäten und „Leitkulturen“. Gerade vor 1914 dient das Design wie auch der Krieg als Werkzeug, um auf die Masse einwirken zu können und so den „neuen Menschen“ oder eine „völkische Einheit“ zu gestalten.

Die Organisatoren der Tagung haben 19 Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler aus Theorie und Praxis eingeladen, diesen Fragestellungen zu folgen. Konkrete Probleme der Formgebung sollen dabei ebenso diskutiert werden, wie Perspektiven auf die ethische und soziale Verantwortung des Gestalters, materialhistorische Darstellungen sind ebenso gefragt wie aktuelle Forschungen etwa zum Zusammenhang von Mediendesign und Drohneneinsatz. Die Weltkriege dienen als historischer Horizont, sollen aber nicht als bindende Vorgabe für die einzelnen Beiträge verstanden werden.

Das Ziel des Symposiums soll es sein, den Krieg als Motiv zu benutzen, um das Zusammenwirken einzelner Disziplinen der Gestaltung deutlich werden zu lassen. Die theoretische Reflektion, die historische Forschung und die gestalterische Praxis erweisen sich dann – so die Erwartung – als immer schon eng verbundene Teile eines Ganzen, das sich mit dem Begriff Design belegen lässt.

via Martin Scholz und Friedrich Welzien designundkrieg.de

 

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Jeder kann hacken!

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Schrauben lösen, Kabel neu verlegen: Messer, Gabel und Pudelmütze werden zum Input für den Computer. Wie das geht, zeigt das Design Research Lab heute während seines vierten Workshops zum kreativen Umgang mit Elektronik, im Rahmen der CodeWeek. Diesmal im Tieranatomischen Theater Berlin (Lenther Steig 1, 13629 Berlin. 14 bis 17 Uhr).

Ziel ist es, neue Benutzerschnittstellen für den Computer zu entwickeln, indem die TeilnehmerInnen einen Blick “unter die Motorhaube” einer USB-Tastatur werfen. Der Workshop, der sich speziell an Jugendliche im Alter von 13 – 17 Jahren richtet, die Erfahrungen mit Elektrotechnik und Programmierung in Processing sammeln wollen, wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Moralische Produkte – Politik und Ethik von Artefakten

Ein Call for Papers für die Jahrestagung der Gesellschaft für Technikgeschichte 2015 im Zentrum für Zeithistorische Forschung, Potsdam (08.05.2015-10.05.2015): 

Moralische Produkte – Politik und Ethik von Artefakten 

„Do artifacts have politics?“ fragte Langdon Winner in einem einflußreichen Aufsatz der 1980er Jahre. „Do artifacts have ethics?“ lässt sich diese Frage auf der Basis jüngerer Forschungsansätze in der Technikgeschichte und der Geschichte der materiellen Kultur erweitern. Wie sind Artefakte und technische Systeme in der Vergangenheit Anlass, Mittel und Austragungsort von politischen und ethischen Debatten geworden? Wie hängen diese mit ihrer spezifischen Materialität zusammen? Und wie haben historische Akteure es verstanden, durch Prozesse der „Moralisierung“ in sozialen Aushandlungsprozessen Veränderungen in der gesellschaftlichen Deutung von Artefakten und Techniken zu erreichen? Zeichnen sich gemeinsame Muster dieser „Moralisierung“ – und „Ent-Moralisierung“ – von Produkten in verschiedenen Zeiten ab?

Im Verlauf der Technisierung aller Lebensbereiche in der Moderne sind Artefakte vielfältig Gegenstand der politischen und ethischen Auseinandersetzung geworden. Unter dem Schlagwort des „ethischen Konsums“ wird gegenwärtig das Verantwortungsbewußtsein von Konsumierenden bei ihren Kaufentscheidungen diskutiert. Als „unpacking the ethical product“ beschrieb Andrew Crane die Aufgabe an die Forschung, solchen Praktiken analytisch auf die Spur zu kommen. Wie aus E. P. Thompsons Konzept der „moralischen Ökonomie“ bekannt ist, entstanden soziale Protestbewegungen bereits in der Frühen Neuzeit aus der Auseinandersetzung um lebenswichtige Konsumgüter, deren Qualität, Preis oder Rohstoffbasis die Akteure problematisierten. Fragwürdige Herstellungs- und Handelsbedingungen wurden auch für politisch bewusste Konsumierende des 20. Jahrhunderts handlungsleitend. Entsprechende sozialmoralische Überlegungen gaben den Anstoß zur Gründung von Konsumgenossenschaften bis hin zu Fair Trade-Organisationen. Produzenten reagierten auf solche Herausforderungen und schufen neue Produkte, Marken und Praktiken eines verantwortlichen Unternehmertums. Die warenästhetischen Dimensionen von Produkten nutzten frühe Designer, um in „Kitsch“-Diskursen die Notwendigkeit von Gestaltungsreformen zu propagieren und gleichzeitig die Professionalisierung ihres Berufsstands voranzutreiben.

Doch auch auf weiteren Feldern sind die Prozesse der Herstellung und des Umgangs mit Produkten an Vorstellungen und Aushandlungen der „richtigen“ – und „falschen“ – Art zu handeln geknüpft. Waffen waren eine Produktgattung, deren Verwendung zu allen Zeiten ethisch umstritten war. Immer wieder gab es religiöse Vorbehalte gegen die Nutzung bestimmter Techniken und Artefakte. In vielen Bereichen erwuchs daraus die Bereitschaft einer gesellschaftlichen Regulierung. Auch die „Entsorgung“ von Produkten und die Bewertung, wann diese als verbraucht galten, waren ein Ausdruck von sich wandelnden gesellschaftlichen Wertsetzungen. Im Bereich der industriellen Produktion waren es im 20. Jahrhundert die Stoppuhr und die NC-Maschine, die dinglich neue Zeitregime und die Standardisierung menschlicher Arbeit durchsetzen halfen und auf Widerstände stießen. Neue Kommunikationsmittel und Medien waren Steine des gesellschaftlichen Anstoßes. Die Robotik und die Computerisierung ließen die Einzigartigkeit des menschlichen Handelns und Denkens erkennbar werden. Medizintechniken ermöglichten die Prognose von Krankheiten und erzeugten durch deren potenzielle Planbarkeit neue Handlungsanforderungen. Die Gentechnik und der mechanische Ersatz von Körperteilen sind schon als „klassische“ Felder der ethischen Technikkritik zu bezeichnen.

Der Tagung wird ein weiter Technikbegriff zugrunde gelegt. Als „Produkte“ sollen auf der Tagung explizit nicht nur technische Güter und Systeme, sondern ganz allgemein Gegenstände, die die Basis der materiellen Kultur vormoderner und moderner Gesellschaften bildeten, untersucht werden: nicht nur Konsumgüter, sondern auch Werkzeuge, Produktionsmaschinen und andere Investitionsgüter, sowie Energieformen, Stoffe und Rohstoffe, Waffen und Infrastrukturen. Auch Vorschläge aus an die Technikgeschichte angrenzenden Disziplinen sind willkommen (Politik- und Konsumgeschichte, Umweltgeschichte, Designgeschichte, empirische Kulturwissenschaften, Museumspädagogik, historische Semantik, Wissenschaftsgeschichte, Technikwissenschaften, Soziologie etc.).

Gesucht werden Beiträge, die die politischen bzw. ethischen Dimensionen sowie die Prozesse und Strategien der „Moralisierung“ und „Ent-Moralisierung“ von Produkten wahlweise auf fünf Ebenen diskutieren:

1. Fallstudien zu einzelnen Produkten: Wie wurden Produkte von historischen Akteuren zum Gegenstand der sozialen Wertsetzung und zu „Medien“ gemacht, um politische und ethische Fragen zu thematisieren und soziale, technische, wirtschaftliche und ökologische Zusammenhänge in der materiellen Zirkulation (von Rohstoffen/Materialien, Artefakten und Informationen) aufzuzeigen und als politische Gestaltungsräume erkennbar zu machen? Mit welchen Argumenten wurden Produkte „moralisiert“ (z. B. demokratischer Zugang, Exklusivität, Originalität, Authentizität, Materialgerechtigkeit, Nachhaltigkeit, Solidarität etc.)?

2. Produkte selbst als moralische Aktanten:
Inwieweit sind Produkte in diesem Prozess selbst als „Aktanten“ erkennbar, die bestimmtes Handeln nahelegten, anderes ausschlossen? Inwieweit wurde eine bestimmte „Moral“ den Gegenständen eingeschrieben (im Sinne eines Skripts)? Im Interesse welcher Akteure oder sozialen Bewegungen wirkten sie? Welche Wahrnehmungen der Wirklichkeit ermöglichten bzw. verhinderten sie? Wie wandelten sich diese Prozesse der „Werteinschreibung“ im Laufe der Zeit?

3. Das Verhältnis sozialer und politischer Bewegungen zu Artefakten: Welche sozialen und politischen Bewegungen bzw. historischen Akteure bauten in der Vergangenheit Artefakte und die aktive Veränderung ihrer Bedeutung in ihre Strategien der Auseinandersetzung ein? Welche spezifische Rolle spielten dabei materielle Artefakte? (Maschinenstürmer, koloniale Befreiungs- und Bürgerrechtsbewegungen, Autarkiepolitiken, Luxusdiskussionen, Boykotte, Kommodifizierungsdebatten, Umweltökologie, Globalisierungskritik, Do-it-yourself etc.)

4. Muster und Mechanismen der „Moralisierung“ von Artefakten und technischen Systemen: Welche Legitimations- und Delegitimierungsstrategien ergriffen die historische Akteure, um bestimmte Produkte und die sozialen Prozesse entlang ihrer Produktlinie ethisch in Frage zu stellen – um Bedeutungsverschiebungen auf semantischer Ebene von Produkten zu erreichen und neue Felder der gesellschaftlichen Aushandlung zu eröffnen? (z. B. Politisierung, Emotionalisierung, Medialisierung, alternative Praktiken, neue wissenschaftliche Analysemodelle und Darstellungsformen)

5. Darstellungsweisen: Wie lässt sich die „Aura“ solcher Produkte in historischer Perspektive erforschen, museal bzw. wissenschaftlich rekonstruieren und darstellen?

Die Jahrestagung der GTG 2015 wird vom Zentrum für Zeithistorische Forschung Potsdam in Kooperation mit dem Gesprächskreis Technikgeschichte (GKTG) organisiert. Der Tagungsort wird Potsdam sein.

Angebote für Vorträge (20 Min., Abstracts von 350-400 Wörtern) sowie ein Kurzlebenslauf werden bis zum 18.1.2015 erbeten an:
Dr. Anne Sudrow (sudrow[at]zzf-pdm.de), Zentrum für Zeithistorische Forschung, Potsdam.

 

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Elektronische Sounds malen

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Mit einem weiteren Workshop beteiligte sich das Design Research Lab Berlin heute aktiv an der CodeWeek. Diesmal: in Rottweil. Zur Diskussion standen Möglichkeiten und Anwendungsgebiete des Codings im Kontext von Sound: Wie kann man mit Hardware, Code und Farbe elektronische Musik machen? Wie lassen sich eigene Controller für selbst generierte Beats gestalten?

In dem Workshop (Leitung: Alexander Müller-Rakow) wurden der Aufbau von interaktiven und sensorbasierten Systemen erklärt, sowie Zugänge zu Open Source und Gestaltungsmöglichkeiten von Soft- und Hardware vermittelt. Dies geschah anhand der praktischen Umsetzung von elektronischen Klangbildern, deren Aufbau aus einem gezeichneten Bild, einem elektronischen Berührungssensor und einer damit verbundenen (Sound-)Software bestand.

Mit einer Kombination aus einer modularen Programmieroberfläche und Elektronik-Komponenten konnten Schüler und Schülerinnen der Konrad-Witz-Schule interaktive Anwendungen mit elektronischen Klängen umsetzen. Der praktische Schwerpunkt lag dabei auf der eigenen Gestaltung und Einbindung von Sensoren zur Erfassung menschlicher Gesten, so dass Klänge durch Bewegungen gesteuert werden konnten. Dabei wurde insbesondere Open Source Hard- und Software wie z.B. Arduino oder das MakeyMakey Toolkit verwendet.

Der Workshop wurde im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Konkrete Utopien: Die analoge Revolution

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Vernetzt und “always on” zu sein gilt als das Lebensgefühl des 21. Jahrhunderts schlechthin. Angesichts eines anwachsenden “Internets der Dinge” wird sich unser Verhältnis zur permanenten Verbundenheit vermutlich in mehr als eine Richtung der Extreme intensivieren.

Im Lichte einer sich konstituierenden “Technatur” führt der Schritt über das Internet möglicherweise zurück zum realen Leben: Eine analoge Revolution! Wenn sich einerseits lebensähnliche Organismen künstlich erzeugen lassen, andererseits die Biomimikry der Technologiegestaltung die Grenzen zwischen Mensch, Tier und Maschine zunehmend verschwimmen lässt; wenn zunehmend neue, lebensähnliche Maschinen entstehen, die in ein weltumspannendes Sensorennetz eingebunden sind, so wirft dies ethische Grundsatzfragen auf. Wem dient das? Wer steuert das Netz der Netze? Oder inwiefern kann ein lebendiges, dezentrales Selbstbewusstsein von Menschheit und Natur entstehen?

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[Christian Schwägerl bei seinem Vortrag und im anschließenden Gespräch mit Michael Knoll (Foto: Tom Bieling)]

Diesen und anderen Fragen widmete sich Wissenschaftsjournalist und Biologe Christian Schwägerl beim heutigen Gespräch mit Michael Knoll, dem Leiter des Büros Berlin der Gemeinnützigen Hertie-Stiftung in einer Podiumsdiskussion in der Heinrich-Böll-Stiftung, bei der es darum ging kulturell verankerte oder utopisch projizierbare Grenzen zwischen Technik und Natur zu hinterfragen und neu zu verorten.

Als Mann der Wissenschaft von Hause aus eigentlich mehr an der Science als an der Fiction interessiert, bediente sich Schwagerl dabei der Vermittlung von Szenarien, mit deren Hilfe er anschaulich und fesselnd mitunter drastisch dystopische Pfade erschloss.

Da “Szenarios” im Unterschied zur “Prognose” allerdings zunächst einmal ja nichts anderes bedeuten, als über den Tellerrand des Faktischen hinaus zu blicken, lassen sie immer noch Raum für Hoffnung und Handlungsoptionen, insofern Szenarien eben immer auch Alternativformen beinhalten. Alternativformen, die nicht zuletzt aus  gegenwärtigen, gesellschaftlichen und politischen Umgangsformen mit der Fragestellung resultieren, wie wir mit der Tatsache umgehen wollen, dass Technik zunehmend lebendig wird und Natur mit dem digitalen und artefaktischen verschmilzt.

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 [Aktuell: Christian Schwägerl: “Die analoge Revolution – Wenn Technik lebendig wird und Natur mir dem Internet verschmiltzt” (Riemann, September 2014). Zuvor erschienen: Schwägerl Buch über das Anthropozän “Menschenzeit – Zerstören oder gestalten? Die entscheidende Epoche unseres Planeten” (Riemann) und “11 drohende Kriege – Künftige Konflikte um Technologien, Rohstoffe, Territorien und Nahrung” (C. Bertelsmann)]

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Schrottküche

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[English Version below!]

Welche Roh- und Wertstoffe befinden sich in unseren mobilen Geräten? Unter welchen Produktionsbedingungen sind diese Geräte entstanden? Wie verhält es sich um ihren Lebenszyklus und das Leben nach ihrem Gebrauch?

Im Rahmen der Code Week übt ein Team aus dem Design Research Lab der Berliner Universität der Künste mit Jugendlichen der Initiative „Schlesische 27“ den Umgang mit wertvollen Ressourcen, die im sogenannten Elektroschrott begraben liegen. In diesem Zuge werden beispielsweise aus ausrangierten und kaputten Handies kleine Roboter oder Alarmanlagen gebaut.

Ziel ist es, durch den spielerischen Umgang mit Hardware die Begeisterung für eigenständiges Programmieren und aktives Eingreifen in bekannte Strukturen zu wecken. Einen Grundkurs in Elektrotechnik und nachhaltiger Verwertung gibt´s gleich dazu.

Der zweitätige Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert. Er findet in Kooperation mit der Einrichtung „Schlesische 27“ statt – einem internationalen JugendKunst- und Kulturhaus im Berliner Bezirk Friedrichshain-Kreuzberg. Hier treffen sich Kinder und Jugendliche mit Künstlerinnen und Künstlern aus allen Sparten. Zusammen erkunden sie in kreativen Projekten die Welt und stellen das Alltägliche auf den Kopf. Der Kurs findet statt mit Teilnehmern und Teilnehmerinnen der Extra3 – Bildungs-manufaktur.

Die Ergebnisse lassen sich anschließend online auf www.schrottkueche.de begutachten.

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How do you turn discarded, old mobile phones into robots or alarm systems? The Design Research Lab of the University of Arts Berlin teaches kids in a playful manner how it is done.

The workshop is funded by the Federal Ministry of Education and Research in the context of the Science Year 2014. It will take place at the ‘Schlesische 27’ in Berlin Kreuzberg over a period of 2 days. It is designed for participants of its youth programme. The group will learn how to handle valuable ressources buried in so-called electronic scrap.

The event aims at a playful experience with hardware and programming. Kids will also learn basics about electrical engineering and sustainability.

‘Schlesische 27’ is an international YouthArt- and Culture institution where children and teenagers meet and work closely with artists from all areas of expertise.

Some impressions will be displayed here afterwards: www.schrottkueche.de


Happening at 
Schlesische Straße 27, 10997 Berlin
From Monday, October 13, 2014 at 09:00 to Tuesday, October 14, 2014 at 15:00

 

Der Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Das gute Fressen

Der Trend zu bewusster Ernährung und der bevorzugten Verwendung von regionalen, saisonalen, Bio- oder veganen Lebensmitteln hat sich längst aus den subkulturellen Nischen vergangener Jahre heraus, mitten in den Mainstream urbaner Gesellschaften hinein etabliert. Die bewusste Beschäftigung mit der Herkunft und Produktion der Nahrungsmittel sind zu elementaren Faktoren unseres Konsumverhaltens geworden.

DESIGNABILITIES empfiehlt heute fünf Dokumentationen, die sich diesem Themenkomplex aus unterschiedlichen Blickwinkeln nähern und deren Trailer wir im folgenden kurz zusammengestellt haben.

Die jüngste davon – Food Chains – setzt sich kritisch mit den Hintergründen und systemischen Verzahnungen der industriellen und landwirtschaftlichen Massenproduktion auseinander.

Die Dokumentation Slow Food Story porträtiert die Ursprünge und Auswüchse der gleichnamigen Bewegung, welche ihren Ursprung in der kleinen Stadt Bra im Nordwesten Italiens hatte. Vor 25 Jahren traten die Einwohner dieses kleinen Städtchens den Kampf gegen die großen Fast-Food-Konzerne an und weigerten sich, eine Filiale in ihrer Heimat zu akzeptieren. Nach einem Vierteljahrhundert ist die Bewegung in über 150 Ländern vertreten. Die Mitglieder setzen sich gegen minderwertiges Fast-Food und für den gesunden und bewussten Umgang mit Lebensmitteln ein.

In GMO OMG werden drastische Auswirkungen des Anbaus, Vertriebs und Konsums von genmanipulierter Nahrung beleuchtet.

Still erzählt die Geschichte einer jungen Bäuerin im bayerischen Oberland. Als junge Frau verlässt den Hof der Eltern und geht auf eine Alm in den Bergen. Abgeschieden von der Welt im Tal führt sie ein einfaches, aber freies Leben, gebunden nur an den Rhythmus, den die Tiere auf der Alm ihr vorgeben. Uschi melkt, buttert und macht Käse. Sie ist eins mit sich und den Tieren, für die sie Verantwortung übernommen hat. Eine Dokumentation über ein(en Traum vom) Leben auf der Alm. Voller Widrikeiten, aber eben auch: wider alle äußeren Zwänge.

In ihrer Dokumentation Le Semeur begegnet Julie Perron dem kanadischen Künstler und Samenforscher Patrice Fortier, der sich mit seinen Aktionen für den Erhalt der Pflanzenvielfalt einsetzt und auf seiner Farm insbesondere der Zucht und dem Erhalt vergessener Samen widmet.

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Grenzgänge, Low Tech and Urban Gaming #Unlimited

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After yesterday’s finissage, the Berlin Unlimited Festival ended with a couple of guided and participatory walks through urban and periphal areas in and around Berlin today (“Autobahn’strip”, “Restricted Areas”, “Meeting with Gropiusstadt”). Before Narcelio Grud started his collective “paint-bike” ride trip through the city, Jens Denissen and Léa Donguy invited participants to their Grenzgang project, focusing on suburban spaces. Open to detours and drifting, such walks are an effective tool for a sensitive experience of the contemporary metropolitan fabric.

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[Structures to actions of urban art: Low tech tools such as painting brooms to explore and interact with urban space]

Materials found and created along the way were collected to build a suburban narrative and were conducive to an evolutionary exhibition. Thus, walking on the edges – randwandern – allowed to discover the surrounding territories through bodily immersion. Another perception of metropolitan and cultural limits occured. The form emerging from such walks gives a both mental and physical continuity to highly frequented spaces. This practical yet playful approach is bound to a theoretical one in order to create an embodied knowledge of Berlin’s edges.

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[Urban spaces shape and mold humanity’s collective imagination]

Earlier this week Urban gaming was discussed as an approach to stimulate participatory planning and city making. Different methods such as comprehensive neighbourhood maps were being used as game boards to position contextualized icons and visualize collaborative development strategies. Local stakeholders were divided into teams, competing, negotiating and creating partnerships in order to solve some of the urgent neighbourhood issues, such as reconstruction and activation of the neighbourhoods.

Through engaging material, such as infographics, video material or board games, the public would have the opportunity to learn more about specific city quarters and urban areas and how to disrupt the conventional, top-down approaches of neighbourhood planning by bringing its essence – the design and programming of physical space – back to the actual users.

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Reaktive Voodoo-Puppen

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Im Rahmen der CodeWeek veranstaltet das Design Research Lab heute einen Workshop mit Schülerinnen und Schüler der Oberschule in Frankfurt (Oder). Unter dem Überthema “Smarte Textilien” wird gemeinsam mit leitendem Garn und textilen Sensoren experimentiert, „weiche“ Schaltkreise entwickelt und dabei spielerisch erörtert, wie man interaktive Kleidungsstücke oder textile Gegenstände mit elektronischen Elementen und/oder Mikrocontrollern ausstatten und somit leblosen Objekten „Leben einhauchen” kann.

Worauf wir am meisten gespannt sind: Eine Gruppe entwickelt dabei kleine “Voodoo-Puppen” anhand derer sich Grundlagen der Elektronik und des Programmierens erlernen und veranschaulichen lassen. Der Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

 

 

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BERLIN UNLIMITED (Urban Arts Festival)

 

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Probably unlike those of any other city the limits of Berlin have changed and evolved throughout the last hundred years, transforming the urban fabric as well as the way the city is used, inhabited and comprehended.

Only 25 years after the fall of the wall and the end of the “concrete division” (Willy Brandt, 10.11.1989), the city of Berlin continues to undergo processes of re-definition and growth – a complex urban and political negotiation – between the often rapid development of new borders, existing or emerging invisible frontiers and the resulting clash of parallel worlds; between the renewal of its own image as a “creative capital” while simultaneously encouraging corporatism; between romantic fantasies and urban realities.

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By the spatial and political frontier between the world’s two dominant ideologies of the time, Berlin has in these last 25 years been stitching back its halves. Still, if «one divides into two, two doesn’t merge into one». By removing the wall entire neighbourhoods in the former suburbs of former West and East berlin have been transposed onto the present centre of a new Berlin. A unique situation arose where an abundance of otherwise neglected and forgotten spaces were suddenly located at the heart of the new city, available to all kinds of old and new occupants – home-buyers and tenants, residential and commercial developers, companies and investors – pointing to Berlin as the city of newly born ambitions and opportunities. And while this radical regeneration of the inner-city is on its way, progressively filling the gaps and re-appropriating history’s left-overs, the expansion of the greater urban territory stretches Berlin’s self-defining limits. Is a «Great Berlin» replacing the neatly delimited «island» of the past?

By means of art and creative media, architecture and urban design, theory and research, the Berlin Unlimited Festival at ZK/U (Zentrum für Kunst und Urbanistik) aims to explore an interdisciplinary narrative of the city and to cast a critical eye on former limits, today’s limitations and tomorrow’s potential new divisions.

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[Robert K. Huber (Zukunftsgeräusche) about “Material.Message.Action.Value”]

Including an exhibition, a symposium, workshops, film screenings, performances and guided tours, the festival displays the work of local and international artists, architects and researchers, tackling different perspectives of “Limit”, such as “power”, “money”, “body”, “time”, “walls”, “ground” or “disctance”.

During the upcoming week @dsgnblts will keep on reporting from the festival and its various events, which started yesterday (october 3) and goes until the 10th of october. We will talk about artistic, un/realistic, speculative and applied discourses, projects and perspectives about politics, participative planning, law and transgression. About movement(s), physical boundaries and urban isolation. About urban sprawl, suburban conditions, public spaces and their possible uses. About alternative currencies and economy in the neoliberal city, about democracy and how the city works. About limits, chances, dreams and fears. About Berlin….unlimited.

via #berlinunltd

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Brave New World (Lodz Design Festival)

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The 8th Lodz Design Festival, starting tonight, features several projects providing a reinterpretation of the Brave New World motto. Generally asked: Does bold designing entail a promise to change your life for the better? How does it affect the process of building the “Brave New World”? The Festival ends on the 19th of october 2014.
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Telemedizin: Vision oder medizinischer Standard der Zukunft?

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Kein Zweifel: Die Digitalisierung der Medizin wird das Gesundheitssystem verändern. Eine nicht unerhebliche Rolle dürfte in diesem Zusammenhang der Telemedizin zukommen. Insbesondere im Hinblick auf ausdifferenzierte Diagnosetechniken, sekundäre Prävention sowie das heikle Thema Patienteninformation, entfachen sich dabei Hoffnungen und Heilversprechen, aber auch Sorgen um Datensicherheit und Kontrollwahn.

Wie realistisch ist das Zukunftsszenario eines Chirurgen, der von einem Ort der Erde gleichzeitig sieben Operationen per Computer und Internet leitet? Operieren künftig Roboter? Inwiefern kann die Übermittlung von medizinischen Daten zu Blutdruck, Insulinwerten oder Cholesterin vom Patienten zum Arzt die Behandlungsmöglichkeiten verbessern?

Die Entwicklung zukunftsorientierter und bedarfsgerechter Telemedizin-Anwendungen steckt noch in den Kinderschuhen. Welche Möglichkeiten – aber auch Probleme –  durch den Einsatz von digitalen Informations- und Kommunikationstechnologien entstehen können, und was die telemedizinische Vernetzung in Bezug auf Rahmenbedingungen wie Datenhoheit und Haftung bedeutet, wird am 13. Oktober in der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften in drei Impulsvorträgen und einer Podiumsrunde diskutiert.

Montag, 13. Oktober 2014, 18 Uhr
Telemedizin: Vision oder medizinischer Standard der Zukunft?
Berlin-Brandenburgische Akademie der Wissenschaften, Einstein-Saal
Jägerstraße 22/23, 10117 Berlin

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[Programm. Click to enlarge!]

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Macht des Materials – Politik der Materialität

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[Buchpräsentation mit den Herausgeberinnen Kerstin Stakemeier (links) und Susanne Witzgall (rechts)]

Seit einigen Jahren lässt sich in den Künsten und Wissenschaften ein neu gewonnenes Interesse an Materialismen registrieren: Es werden Eigendynamiken und Wirkungsmächte von Materialien, Dingen und Materien postuliert, und neue Akteure in den Beziehungen von Kultur und Natur identifiziert.

Angesichts der tendenziellen Krisenhaftigkeit des Kapitals und vor dem Hintergrund einer zunehmenden Auflösung tradierter Dichotomien (Körper-Geist; Natur-Kultur;…) gewinnen Diskurse um den “New Materialism” und einen “speculative Realism” fortwährend an Fahrt.

In der Berliner Buchhandlung pro qm stellten die Herausgeberinnen Susanne Witzall und Kerstin Stakemeier gestern ihr Buchprojekt »Macht des Materials/Politik der Materialität« vor, in dem sie Positionen zur (nicht nur kapitalistischen) Krise und Materialität in der Kunst, etwa anhand der Bezugsparameter ‘Formwerdung’ und ‘Digitalität’ versammeln.

Mit dabei sind u.a.: Diana Coole (“Der neue Materialismus: Die Ontologie und Politik der Materialisierung”), Tim Ingold (“Eine Ökologie der Materialien”), Colin Renfrew (“Material engagement als kreativer menschlicher Prozess und das kognitive Leben der Dinge”), Sofia Hultén (“Purpose Unknown”), Diedrich Diederichsen (“Ist der Marxismus ein Korrelationismus?”) und Costas Lapavitsas (“Die (Im)Materialität der Ökonomie”).

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Susanne Witzgall, Kerstin Stakemeier (Hg.):
Macht des Materials / Politik der Materialität
Diaphanes, 2014. ISBN 978-3037-3466-55
EUR 30.00

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“Exemplary” Finissage (MAK, Vienna)

It’s been a pleasure to be part of the “Exemplary” exhibition at #MAK Austrian Museum of Applied Arts (Vienna). Last chance to visit it at the Finissage today!

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[Click to enlarge!]

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Die Linke und der Krieg (Ausstellungsfinissage)

Der Erste Weltkrieg bildet eine Zäsur in der Geschichte der Arbeiter/innenbewegung: Die SPD-Fraktion im Reichstag stimmte 1914 den Kriegskrediten zu, 1917 spaltete sich die USPD als pazifistischer Flügel ab, bald entstand daraus die KPD. Bis heute streiten Linke über eine angemessene Position zu Krieg. Was bedeutete und was bedeutet heute die Auseinandersetzung mit Krieg für (linke) Politik in Deutschland?

Die Ausstellung “Menschen gegen den Krieg. Proteste in Berlin 1914/18” im Berliner August-Bebel-Institut (Wir berichteten!) ging heute mit einer Podiumsdiskussion zu historischen und kontemporären Fragen im friedens- und kriegspolitischen Diskurs zu Ende. Moderiert von Historikerin Gisela Notz  (Herausgeberin von »Krieg tötet Zukunft, Erinnerungen von Lucia Kurlbaum-Beyer«) äußerten sich der Vorsitzende der Berliner Linken Klaus Lederer (“Ich bin nicht zwangsläufig Pazifist, aber Antimilitarist!”), Mark Rackles (stellvertretender Vorsitzender SPD Berlin, Staatssekretär für Bildung), der für den zuvor angekündigten Jan Stöß eingesprungen war und der Historiker Axel Weipert (u.a. »Das Rote Berlin. Eine Geschichte der Berliner Arbeiterbewegung 1830-1934«) zum Thema.

Gemeinsam erinnerte man an die Anti-Kriegs-Proteste der 1910er Jahre, die Rolle der Frau in der Arbeiterbewegung, an Errungenschaften der Friedensbewegung der 1980er Jahre, und skizzierte schließlich Herausforderungen für aktuelle und künftige friedenspolitischen Bewegungen.

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[“Von einer allgemeinen Kriegsbegeisterung vor 1914 kann keine Rede sein” Axel Weipert (rechts) bei der Abschlussdiskussion. Daneben sitzend v.l.n.r.: Klaus Lederer, Mark Rackles und Gisela Notz]

 

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As if…

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… it was a dream, with a rational trajectory.
We don’t need to dream of electric sheep. We can already speculate with precision!

The Bremen based IMMIGRATION OFFICE comes up with an exhibition of contemporary cultural and technological narratives constructed by a set of different ideologies and configurations, tonight. We will get to see a collection of “staged speculations of parallel worlds and made up supposes, maybes, perhapses and probablys in all their possible transfigurations”.

And the announcement goes like this: “Scenarios that break out of the chronology of history and future can provide an embodied possibility for analysing, critically questioning and re-evaluating existing cultural phenomena”.

Opening: 2. October, 20:00 Uhr
Opening Hours: 3 – 5. October, 17:00 – 19:00 Uhr

IMMIGRATION OFFICE
Am Dobben 36
Bremen

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Technik und Protest

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Technik verändert die Gesellschaft und ihr Naturverhältnis. Sie ist Gegenstand und zugleich Ausgangspunkt und Antriebsfeder für Ängste, Konflikte, Hoffnungen und Heilversprechen.

Ob Flughäfen, Stromtrassen, Atommüllendlager, Bahnhöfe oder Bauten zum Hochwasserschutz: Proteste gegen Infrastrukturprojekte haben Konjunktur. Nicht nur in Deutschland, sondern weltweit lösen große Energie- und Verkehrsprojekte Protest aus, vor allem dann, wenn die Planung ohne Zustimmung der im unmittelbaren Umfeld lebenden Bevölkerung und/oder ohne die Einhaltung von Umwelt- und Sozialstandards geplant werden.

Im Rahmen einer zweitägigen Konferenz (22./23.9.2014) der Initiative für Protest- und Bewegungsforschung (IPB), dem Zentrum Technik und Gesellschaft (ZTG) und der Zentraleinrichtung Wissenschaftliche Weiterbildung und Kooperation (ZEWK), wurde an der Berliner TU (Technische Universität) das Verhältnis von Technik und Protest und sozialen Bewegungen und dessen Reflexion in der aktuellen Technikdebatte und Innovationsforschung in den Blick genommen.

Dabei wurden sowohl technische Dimensionen betrachtet, als auch eine Einbettung der Problematik in gesellschaftlichen Praktiken gefordert und vollzogen, was erfeulicherweise immer wieder zu mittelhitzigen Debatten führte. Nicht zuletzt dann, wenn begriffliche Unschärfen drohten, den Diskurs zu verwässern (“Partizipation schön und gut! Aber an was genau ist wie zu partizipieren?”).

Thomas Saretzki (Leuphana Universität) fasste dieses Problem im ersten Panel  mit der Einsicht zusammen, dass nicht nur Technik selbst Konfliktpotenzial in sich birgt, sondern wir es überdies mit “Konfliktefinitionskonflikten” zu tun haben. Ein Problem, das gerade dann fatal zu werden beginnt, wenn diejenigen, die von Technikfolgen betroffenen sind, von Aufklärungs- und Entscheidungsprozessen ausgeschlossen werden. Monika Bricke (Klima Allianz Deutschland) brachte es auf den Punkt: “An zwei Dritteln der Menschen reden wir vorbei”.

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[Prof. Dr. Dieter Rucht vom Wissenschaftszentrum Berlin für Sozialforschung in seiner Eröffnungsrede]

Kernfragen im Verlauf der Tagung waren daher auch folgende: Wie können für weitreichende technologie- und innovationspolitische Entscheidungen künftig zivilgesellschaftliche Akteure mobilisiert werden, um die Effektivität wie Legitimität solcher Entscheidungen zu steigern? Wie wirkungsvoll ist derzeit die breite Beteiligung und ist die Anerkennung von Protesten nur symbolischer bzw. rhetorischer Natur? Welche Folgen für die Technikentwicklung haben die Interventionen zivilgesellschaftlicher Berater und Kritiker? Inwiefern geraten Bewegungen selbst in den Fokus der (Überwachungs-)Technik?

Beispielhaft wurden dazu vergangene, gegenwärtige und geplante Entwicklungen diskutiert, anhand derer die aktuellen Konstellationen von Technik und Protest auszuleuchten sind. In aufeinanderfolgenden Themenpanels (Techniksoziologie und Innovationsforschung, Risikotechnologien, Energiekonflikte, Entwicklungen im globalen Süden, Big Data und Kontrolle) wurde dabei nicht zuletzt deutlich, dass Technik beides zugleich sein kann: Problemlöser und Problemverursacher. Gleichwohl kann Technik nicht losgelöst von den an ihrer Entstehung und Einbettung beteiligten Akteuren bewertet werden. Allem voran: den Unternehmen, der Wissenschaft und der Politik, aber auch Verwaltung, Gewerkschaften und Zivilgesellschaft.

“Technik”, so Ralf Fücks (Vorstand der Heinrich Böll Stiftung), “ist nicht neutral, sondern entfaltet selbst eine politische Wirkungsmacht”. Ein Aspekt, der im Rahmen der Poster-Session am ersten Konferenztag mit einem DESIGNABILITIES / Design Research Lab Projekt aufgegriffen werden konnte. Anhand der “LormHand” wurden Blickwinkel in Bezug auf barrierefreie Zugänge zu Information und Gesellschaft geschärft, das Prinzip Technik als Empowerment diskutiert, und schließlich Inklusion als Ausgangspunkt für technische und soziale Innovation erhoben.

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[Technik, Inklusion und Empowerment am Beispiel der LormHand]

 

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Forms of Distancing – Repräsentative Politik und die Politik der Repräsentation

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Welche Rolle spielen mediale Inszenierungen bei der Steuerung demokratischer Meinungs- und Aushandlungsprozesse? Wie wird Öffentlichkeit von der Politik manipuliert?

Die von Stefano Collicelli Cagol und Luigi Fassi kuratierte herbst-Ausstellung „Forms of Distancing“ untersucht, wie sich irreführende politische Strategien auf Alltags- und Arbeitswelten auswirken, und welche alternativen Formen von Gemeinschaftsleben sich daraus ableiten lassen.

Das Thema “Distanz” scheint in jüngster Vergangenheit Konjunktur in verschiedenen zeitgenössischen Annäherungsweisen künstlerischer Auseinandersetzung zu haben. Angesiedelt im Spannungsfeld zwischen der Analyse von Repräsentationspolitiken und ihrer formalen Inszenierung wird in „Forms of Distancing“ das Konzept der Repräsentation in seiner künstlerischen wie politischen Ausformung beleuchtet.

Zu sehen in der herbst-Ausstellung vom 27.09. bis zum 23.11. im Festivalzentrum Graz. Eröffnung am Sa 27.09 um 18.00 Uhr.

via Steirischer Herbst

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Signatur des Digitalen

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Der Umgang mit den digitalen Tools verändert nicht nur unsere Art zu denken, zu kommunizieren und zu produzieren, sondern verändert auch unsere Erwartungen an die Benutzung und die Materialität der physischen Welt. Doch wie so oft gilt auch hier: Nicht alles, was gestaltet wird und technisch umsetzbar ist, ist langfristig wirklich hilfreich und sinnvoll.

Das Symposium Signatur des Digitalen wirft einen Blick durch die Designerbrille auf Anwendungsfelder, Innovationspotenziale, neue Industriezweige und konkrete Produkte. Eingerahmt von Vorträgen und Podiumsdiskussionen steht der gesellschaftliche Umgang mit diesen neuen Quantitäten und Qualitäten von technischen Möglichkeiten im Fokus.

Keynote: Signatur des Digitalen
Prof. Dennis Paul der Hochschulen für Künste in Bremen und Berlin
An den interaktiven, prozesshaften und veränderlichen Eigenschaften zwischen Design und Technik arbeitet Prof. Dennis Paul, die er kurz die „Signatur des Digitalen“ nennt.

Designabilities and Wearable Computing
Tom Bieling, Doktorand am Design Research Lab, 
UdK Berlin
Auf soziale und politische Dimensionen von Design in Bezug auf Interaktion, Inklusion und Innovation konzentriert sich der Design-Forscher und Autor Tom Bieling.

Generative Gestaltung
Benedikt Groß, Designer und Autor 
Um die Faszination der Beziehungen zwischen den Menschen, ihre Daten, Technologie und Umwelt beschäftigt sich die Projekte von Benedikt Groß, Co-autor des Buches Generative Gestaltung – das Buch auf dem Gebiet der Computational Design.

Smarthome
Dipl.-Ing. Albert Schuster
 General Manager, Werner Sobek Design GmbH, Stuttgart
Verantwortlich für Entwurf, Generalplanung, Interface-Entwicklung und dem Nachhaltigkeitskonzept des Forschungsprojektes Aktivhaus B10 in Stuttgart ist Dipl. Ing. Albert Schuster. Er wird das Projekt und die Designlösungen vorstellen.

DutchDesignDesk
Marc Maurer, Architekt
Mit dem Ziel sich 2014 auf Deutschland, den größten Geschäftspartner der Niederlande zu konzentrieren, präsentiert Marc Maurer mit internationalen Erfahrungen in der Kreativwirtschaft (Design, Fashion, Architektur und neue Medien) das Dutch Design Desk Europe (DDDE).

 

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Akademie der Asozialität

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[“Teilen heißt jetzt share. Gefällt mir nicht!”]

Christiane Kühl kuratiert beim Steirischen Herbst die “Akademie der Asozialität”, in deren Rahmen sich Künstler, Historiker und Soziologen mit erzwungener Teilhabe auseinandersetzen.

Der Begriff und die Praxis des Teilens werden heutzutage maßgeblich durch die digitale Vernetzung geprägt. In seiner virtuellen Verbundenheit mit der Welt ist der Mensch fortwährend und in zunehmendem Maße dazu angehalten zu teilen. Und sich mitzuteilen. Mitzuteilen, was ihm wichtig erscheint und zugleich definiert. Emphatisch teilt er Persönliches und Peinlichkeiten, Informationen und Meinungen, Gebrauchtwaren, Songs, Filme, Autos, Wohnungen und jüngst sogar Muttermilch über soziale Plattformen.

Teilen ist der Imperativ seiner Zeit – von Creative Commons über Social Media zur Shareconomy. Wer wenig teilt, verliert an Status. Wer gar nie teilt, macht sich verdächtig.

Dabei sind es nicht nur der soziale Druck und geleakte Enthüllungen, die diese schöne neue Welt der Teilhabe fragwürdig erscheinen lassen: Den Arbeitsbedingungen zur Herstellung unseres elektronischen Werkzeugs sind wir lieber nicht ausgesetzt. Und am Profit, der sich mit der Ausbeutung von Minenarbeitern im Kongo erzielen lässt, sind wir stille Teilhaber. Da erscheinen die Zukunftstechnologien plötzlich in einem altbekannten Licht. Teilen immer gerne, es sei denn, man hat etwas dabei zu verlieren.

Die Berliner Journalistin und Theatermacherin Christiane Kühl kuratiert eine zweitägige Konferenz, die “Akademie der Asozialität”. Die “Akademie” hinterfragt und erprobt Strategien der Ab-Teilung – in einer Konferenz mit Vorträgen, Diskussionen und Expeditionen. Frei nach Bartlebys „I would prefer not to“ ermuntert sie zum Rücktritt von aller nicht gewählten Teilhaberschaft. Zum Ausstieg aus einem Gefüge, das so wenig durchschaubar ist wie Facebooks Geschäftsbedingungen.

Auch wenn zunächst offen bleibt, wohin der Weg eines kategorischen „Lieber nicht“ führen kann. Ihn zu erkunden, ist den Versuch wert!

Volkskundemuseum Graz.
Konferenz 11.-12. 10., 11.00-19.00.
Expeditionen 11. 10., 15.00-17.00.
Eintritt frei

via Steirischer Herbst

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Code Week (Opening)

CodeWeek

Im Rahmen der Code Week (11.-17. Oktober) sollen Mädchen und Jungen spielerisch an die Welt des Programmierens herangeführt und bestehende Coding-Initiativen in ganz Europa sichtbar gemacht werden. Deutschland nimmt in diesem Jahr zum ersten Mal an der Initiative der Europäischen Kommission teil.

Als digitale Botschaftern hat sich Prof. Dr. Gesche Joost, die auch zur Eröffnung sprechen wird, zur Aufgabe gemacht, der Code Week im Wissenschaftsjahr 2014 in Deutschland Starthilfe zu leisten. Die jungen TeilnehmerInnen erwartet eine Woche voller Workshops, Hackathons und Infoveranstaltungen. Jede/r kann mitmachen!

EU Code Week 2014 (11.–17. Oktober)
Im Rahmen des Wissenschaftsjahrs 2014 – Die digitale Gesellschaft.

Eröffnung
Freitag, 10. Oktober 2014 um 19 Uhr
im Tieranatomischen Theater, Philippstraße 12/13, 10115 Berlin

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New Narratives – Design im digitalen Zeitalter

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Die Digitalisierung hat nahezu jeden Bereich des Lebens erfasst. Wir mailen, kaufen online, chatten, liken und informieren uns im Netz. Auch Design und Gestaltung sind von diesen Veränderungen nicht ausgenommen. Neue Technologien bringen neue gestalterische Herausforderungen mit sich. Die Ausstellung “new narratives – design im digitalen zeitalter” von Hessen Design im Designhaus Darmstadt zeigt wie innovativ Designer mit den neuen Technologien umgehen und wie sie das Digitale zu nutzen wissen. Unterteilt in die Abschnitte Rapid Prototyping/ 3D Druck, Wearable Electronics, Augmented Reality und Internet of Things/ Internet der Dinge werden beispielgebende Projekte aus den Sparten Produkt-, Kommunikations- und Interfacedesign präsentiert.

New Narratives – neue Erzählungen – entstehen dort, wo Gestaltung und Technologie aufeinandertreffen und etwas noch nicht da gewesenes entsteht. Diese Erzählungen sind in der Ausstellung zu sehen. Mit dabei: ein Projekt aus dem Designabilities und Design Research Lab Kontext.

Zur Vernissage am 12. September sprachen Cornelia Dollacker (Hessen Design), Prof. Dr. Ralph Stengler von der h_da Hochschule Darmstadt und Cornelia Zuschke, Bau- und Verkehrsdezernentin der Stadt Darmstadt. Die Keynote hielt der Kulturreferent der Stadt Darmstadt, Prof. Dr. Ludger Hünnekens. Schirmherr der Ausstellung ist Tarek Al-Wazir, hessischer Minister für Wirtschaft, Energie, Verkehr und Landesentwicklung.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 19. Oktober.

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Ordnungspolitik und Möglichkeitsräume

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Die global zunehmende Reglementieurng von Leben im öffentlichen Raum – etwa durch Raumbeschneidung, Verbotspolitik oder gesellschaftliche Exklusionstendenzen – ist Gegenstand der Ausstellung “Offene Stadt” im Grazmuseum in Kooperation mit der Akademie Graz und dem Institut für Kulturanthropologie der KFU Graz.

Die Ausstellung, die als “Plädoyer für eine Stadtkultur des Offenseins, der Gastfreundschaft und der Menschenrechte” verstanden werden will, dokumentiert diese Entwicklungen, ausgehend von der optimistischen Perspektive der Offenen Stadt.

Zur Eröffnung am 1.10.2014 (19 Uhr) sprechen: Stadträtin Lisa Rücker, Astrid Kury (Akademie Graz), Johanna Rolshoven (Universität Graz) und Sibylle Dienesch (Graz Museum).

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„… macht aber viel Arbeit.“ (Tagung)

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In der Auseinandersetzung mit den Künsten stehen gemeinhin die Ästhetik der Werke und die Kreativität der Produktionsprozesse im Vordergrund. Dass Kunst darüber hinaus, wie Karl Valentin es treffend auf den Punkt gebracht hat, viel Arbeit macht, bleibt zumeist unberücksichtigt. Dabei stehen die vermeintlich polaren Bereiche – zumal in der Gegenwart – in einem so engen Wechselverhältnis, dass es notwendig wird, ihre Differenzen, Interdependenzen und Hybriditäten neu zu bestimmen.

Das Graduiertenkolleg „Wissen der Künste“ veranstaltet von Do, 9. Oktober bis Sa, 11. Oktober 2014 im Berliner Medienhaus (Grunewaldstraße 2-5, Aula, UdK) eine Tagung zum Themengeflecht Kunst – Wissen – Arbeit. Gefragt werden soll darin nach der Verschränkung künstlerischer Disziplinen mit spezifischen Arbeitsfeldern, nach Abhängigkeiten der Kunst von bestimmten Techniken des Hervorbringens, Gestaltens und Produzierens, sowie nach eigenen (und anderen) Vorstellungen von Arbeit.

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Inklusion und Innovation

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“Verschiedenheit zur Normalität werden lassen”. “Teilhabe zur Selbstverständlichkeit erheben”. So klar die Wünsche und Forderungen der jüngsten Debatten rund um Inklusionsthematik auch formuliert sind, so deutlich wird auch, dass es gerade in Unternehmen vielfach an erprobten Konzepten mangelt und Träger sich häufig überfordert fordert fühlen.

Der diesjährige IT-Strategietag “Sozialwirtschaft 2014” in Bonn fand heute somit unter dem Leitthema Inklusion statt und wandte sich dabei konkret an Führungskräfte aus Unternehmen der Sozialwirtschaft.

In einer Reihe an Vorträgen u.a. von Gabriele Moos (RheinAhrCampus), Günther Wienberg
(Bethel), dem Kabarettisten und Theologen Rainer Schmidt, Stefan Juchems
(Stiftung Wohlfahrtspflege NRW) oder Tom Bieling
(DESIGNABILITIES) wurden Best Practice Beispiele, politische Implikationen und Handlungsspielräume vorgestellt und diskutiert.

Dabei wurde auch dies deutlich: Das Ziel einer inklusiven Gesellschaft benötigt und ermöglicht ganz neue Geschäftsmodelle und Konzepte, zumal in den Unternehmen der Sozialwirtschaft. Innovation ist somit unabdingbar mit Inklusion verbunden.

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“Die digitale Arbeitswelt gestalten!”

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“Die digitale Arbeitswelt gestalten!”

Unter diesem Motto findet heute die 6. Engineering- und IT-Tagung der Hans-Böckler-Stiftung in Kooperation mit der IG Metall in Rüsselsheim statt.

Im Fokus stehen dabei auch Themen wie das Recht auf informationelle Selbstbestimmung als Voraussetzung dafür, Gesellschaft demokratisch und selbstbewusst gestalten zu können. „Führt die Digitalisierung zu mehr oder weniger individueller Freiheit?“, „Ist alles, was technisch möglich ist, auch gesellschaftlich sinnvoll?“ Diese und weitere Fragen werden hier diskutiert und mit praktischen Beispielen veranschaulicht.

Das Design Research Lab ist mit dabei.

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EU Code Week 2014 – Mitmachen!

Die EU ruft vom 11. – 17. Oktober 2014 Kinder und Jugendliche in ganz Europa zum Programmieren auf. Mitmachen erwünscht!

Programmcodes steuern unsere digitale Welt und damit unser tägliches Leben. Wer ihre Sprache spricht, kann unsere Zukunft aktiv, individuell und kreativ mitgestalten. Daher ist Coding so wichtig. Mädchen und Jungen sollen während der EU Code Week spielerisch an die Welt der Technik herangeführt werden. Zentrale Stichwörter hierbei: Lernen und Spass!

Das Team des Design Research Labs der Universität der Künste Berlin, koordiniert unter der Schirmherrschaft von Prof. Dr. Gesche Joost die Code Week Initiativen in Deutschland.

Ihr wollt dabei sein? Hier steht, wie’s geht:

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Disability Representation and the political Dimension of Art.

Tobin Siebers (University of Michigan) and Tom Bieling (Berlin University of the Arts) thoroughly explore the interconnections between disability, theory, aesthetics, artistic practice, as well as its political dimensions. The discussed elements help in setting the framework to a number of adjacent fields including gender-, diversity- and critical race studies, queer theory or cultural studies. 

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[Tom Bieling:]
In your work you illustrate the crucial roles that the disabled mind and disabled body have played in the evolution of modern aesthetics, unveiling disability as a unique resource discovered by modern art and then embraced by it as a defining concept. A concept that seeks to emphasize the presence of disability in the tradition of aesthetic representation. I know it might be difficult, but could you shortly summarize your core theses especially in the two books “Disability Theory” and “Disability Aesthetics”?

[Tobin Siebers:] Disability Theory and Disability Aesthetics represent two sides of the same argument. The first book is an extended correction of the social model and other theories important to disability studies, and the second book focuses on the disability as an aesthetic value in itself.

Disability Theory corrects the social model (social constructionism) as an argument that 1) limits the political possibilities of people with disabilities and other minorities, 2) refuses to allow that disabled identity possesses verifiable knowledge about the world, and 3) discounts the disabled body, limiting the importance of its appearance and feelings. Although both books are theoretical, Disability Theory makes a concerted effort to think theoretically about many of the major issues in disability studies, sometimes using the help of contemporary theories about culture, language, and art, at other times demonstrating how these contemporary theories fall short because they are incomplete without an understanding of disability. My goal was to stake out a position between the medical and social model by calling for a return to the disabled body, but not in a medical sense. I argue that disability identity has epistemological value, and I posit a theory of “complex embodiment” as a way of understanding that the disabled body and its environment are mutually transformative. My strongest focus on complex embodiment occurs in the chapters on the sexual culture of people with disabilities.

Disability Aesthetics focuses entirely on disability as a body (an aesthetic appearance) that makes other bodies feel. This is my baseline definition of the aesthetic. As a new embodiment, disability provides a major source for new aesthetic forms and emotions crucial to the creation and appreciation of art. Disability Aesthetics names disability as beautiful–in fact as the aesthetic object that makes modern art possible. The book is, I think, the most significant focus to date on disabled embodiment. Here it is not a matter of defining disability with respect to a disabling environment. There are no signs of medicalization, except for those that are disrupted by disability. The focus is on disability as itself. The appearance of disability is chaotic, beautiful, enigmatic—a force that changes the history of art and our perception of the world. Disability is a aesthetic value in itself.

In your work on „Disability Aesthetics“ you describe the attempt to theorize the representation of disability in visual culture and (not only modern) art. You claim, that “the modern in art is perceived as disability, and that disability is evolving into an aesthetic value in itself”. Does this relate to what you said in your article (“What Disability Studies can learn from the Culture Wars”, 1993, or in your Book “Zerbrochene Schönheit” 2009), where you identified the goal “…to establish disability as a significant value in itself worthy for future development”? Would you like to further describe this value, and how it could be developed in future?

In the culture wars, conservative political figures confronted only a few examples of disability aesthetics, and the result was a stand-off. If a few works of art inspired by disability could have such a great impact, imagine what would happen if the number of disability artworks in exhibitions were far greater, if disability artworks were accepted as public art, for example, as Alison Lapper Pregnant was.

The more artwork incorporates disability, the greater the chance we have to change the body politic. But disability aesthetics does not have to be limited to works of art, only to paintings and sculptures. It can also play a significant role in design. The goal is to design a society in which the buildings, household objects, automobiles, tools, computers, jewelry, furniture—all these things and more not only accommodate the disabled body but also reflect the aesthetic values of disability.

You stated that the essential arguments at the heart of the American culture wars in the late twentieth century involved the rejection of disability both by targeting certain artworks as “sick” and by characterizing these artworks as representative of a „sick culture“. Do you see a tendency or approach for a counter concept or opposing model, either in western or in any other culture?

First, this question gives me great hope for the future because from the point of view of disability aesthetics there is no more important problem. How do we change the prevailing attitude that sees human difference as deviance rather than variation?

We are living in two cultures of beauty. The first is a eugenic culture, one that wants to cure or eliminate any person who deviates from the norm. In the West, blond hair, blue eyes, slim waist, and tall height define perfection according to the eugenic norm. In the East, the definition of human perfection is different, but eugenics still stands behind it. The result is an incredibly static vision of what human beauty is.

The second culture of beauty is an aesthetic culture in which beauty is not defined by eugenics. In fact, beauty is disconnected from the human body. As I am fond of saying, Picasso’s Les desmoiselles d’Avignon is beautiful, but if I forced my daughter to use cosmetic surgery to imitate that beauty, I would be rightfully locked in jail. Disconnecting aesthetic beauty from human beauty is a crucial step in freeing ourselves from eugenic culture. It helps us to understand that using aesthetics to determine whether a culture or person is sick represents a misuse of aesthetics and a return to eugenics. Rather, the experience of aesthetic beauty, which is based on variation and difference and not uniformity and stasis, represents a break with eugenic culture. Only when we are capable of recognizing disability in artworks and declaring it beautiful at the same time, will we be making progress against eugenic thought. Then it will no longer make sense to call an artwork “sick.”

Does this relate to “Good Art embodies Disability”? What do you mean by that? And is this related to e.g. the techniques and tendencies of Dada and Expressionism to deform the body or somehow determined norms?

Dada and Expressionism are good examples of artistic movements that deform the human shape to challenge norms. But challenging norms was not the only goal of these movements. They wanted to create new forms of beauty, and they did.

When I stated that “Good art embodies disability,” I meant to do two things. First, I wanted to shake up how people think about art and disability. The statement alone challenges people to question themselves: “If I reject this statement, why do I reject it? Do I think that the presence of disability ruins art? Or do I think that only kitsch embodies disability?”

Second, I was inventing a new proverb for the age of disability aesthetics. We have entered a new era, I argue, where the modern in art is recognized as disability. Good art embodies disability for this reason, and as long as we remain in this era, as long as disability represents an aesthetic value, we will know good art in relation to disability. By the way, I am not speaking exclusively of representational art. Disability aesthetics is active as well in nonrepresentational art. It may not be as obvious to beholders. It may require spending time with the art work. But the pay-off is a new way of looking at nonrepresentational art, one that expands the story of how art creates meaning.

If real beauty – meaning a beauty not in line with popular market conditions – has a connection to „disabled bodies“, then art could guide us towards a (currently utopian) society that is based on inclusion rather than exclusion, accessability instead of barriers, diversity instead of “normality” or monotony. Now, if everything or everybody is equally integrated into the realm of beauty, how would you replace the understandings of beauty / ugly?

What I say is that the beauty dependent on the human body is eugenic, and, yes, the market drives these ideas, although the market also drives aspects of aesthetic beauty as well. (How to free ourselves from the market is an important issue, but it is beyond our scope here.) What you call “real beauty”—a term I would not use—or what I call “aesthetic beauty” embodies disability in the modern era, because disability provides new resources for art makers. I think that it is an important leap to “see” disability in art as beautiful, because disability has never been seen in that way. In effect, then, modern art embraces radically different conceptions of beauty, and this is no small thing. It creates different art, and it has the possibility of changing the body politic.

I want to see more and more disability in art; even more I want to see public art guided by disability aesthetics. However, I do not believe that art will lead to utopia. In fact, I am a bit nervous about the concept of utopia. I do believe in social transformation, in inclusion rather than exclusion, in diversity rather than normality. The disability community has the ability to drive social transformation, and it depends in my opinion on at least two factors, as I try to explain in Disability Theory. First, disabled people have emerged as knowledge producers; they are not merely the objects of medical research. This new knowledge of society frees people with disabilities from oppressive stereotypes because they understand that it provides a better explanation than existing ideas of their social location. The justifications for the oppression of disabled people no longer hold water, and once they realize this fact, they begin to gather together to fight oppression and to transform their society into one that will not only accommodate them but accept their contributions as valuable. Second, I believe that identity politics and political action groups hold the key to leading disabled people to full citizenship. But the political transformation of society by disabled people is at early stages. We hope to follow in the footsteps of other successful minority groups such as women and gays and lesbians. In the U.S., the Americans with Disabilities Act (1990 and 2008) has advanced the civil rights of disabled people, but we have a very long way to go before we are full and equal citizens. Other countries are making their way forward with similar legislation, but they all use, as far as I know, political action to advance their goals. Disabled people have to hit the streets.

You mentioned*, that „Aesthetics opens us to more expansive and diverse conceptions of the human, and disability has become a powerful tool for rethinking human appearance, intelligence, behavior, and creativity“. Could you give us an „instruction manual“, how to use this tool?

Fortunately, there is no instruction manual for any form of legitimate aesthetics. There is just no recipe for making art. When people start making rules about what art should be, art disappears and tyranny begins.

Disability is an aesthetic resource discovered by modern artists, and it diversifies our conception of the human. First, the inclusion of physical disability in art changes both how bodies appear and their specific appearances. The commitment to conceive of human beings as other than healthy is obvious in the preference for figural deformation in modern painting and sculpture. Second, mental disability has a great impact on modern art. Modern writers are identifiable as “modern” by their use of disability to create distinctive narrative styles. For example, would Faulkner’s The Sound and the Fury be nearly as affecting if it were written without using Benjy Compson’s voice? Or consider the impact of Baudelaire’s distracted flâneur, Proust’s use of involuntary memory, or Joyce’s stream of consciousness. What would modern literature be without them? Disability aesthetics multiplies the varieties of the human, including representations of what human beings think and feel.

In your “Contact Zones” Keynote** you talked about “Disability, Pain, and the Politics of Minority Identity”, exploring the use of disability as a prop to denigrate the politics of minority identity. Could you please elaborate!

My talk is the third and final piece of my on-going argument about the representation of pain on the contemporary political scene. I offer a counterargument to the pervasive belief that pain disables the ability of minority people to participate in politics.  As long as minority identities are thought disabled, there is little hope for the political and social equality of either persons with these identities or disabled people, for there will always be one last justification for inferior treatment. There will always be the possibility of proving the inferiority of any given human being at any given moment as long as inferiority is tied to physical and mental difference. Moreover, the idea that pain in itself leads to inferior identities, ones given to greater self-recrimination or frequent victimizing of others, relies on a fallacious psychology prejudiced inherently against disability. These arguments fail when we realize that the lack of political fitness ascribed to minority people depends on an analogy to disabled people and on the false belief that disabled people are biologically inferior.

 

Tobin Siebers is V. L. Parrington Collegiate Professor of  English and Art & Design at the University of Michigan. He is the author of thirteen books, including ‚Disability Theory’ (Michigan 2008) and ‚Disability Aesthetics’ (Michigan, 2010).

Tom Bieling is a visiting professor in Applied Sciences and Art at the German University in Cairo and a PhD candidate at Berlin University of the Arts. He is author of the book ‘Gender Puppets’ (Lit, 2008) and Co-Founder of the Design Research Network.

 

This text has previously been published in: Baltic Horizons, No 21 (118), II. Social, ethical and political Aspects of Research in Design; October 2013, EuroAcademy Series Art & Design, Euroakadeemia, Tallinn, Estonia; pg 45 – 48

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MENSCH, MASCHINE! Wie barrierefrei ist die digitale Gesellschaft?

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Ältere Menschen und Menschen mit Behinderungen fühlen sich bisweilen von der digitalen Welt ausgegrenzt. Nicht immer wird die Technik ihren Bedürfnissen gerecht oder sie ist unpraktikabel oder unnötig kompliziert. Gleichwohl gibt es auch Unterstützungstechnologien, mit deren Hilfe sich behinderungs- und altersbezogene Nachteile adressieren oder ‘ausgleichen’ lassen: Lesehilfen, Spezialtastaturen oder virtuelle Assistenzsysteme. In solchen Fällen erleichtern Maschinen Menschen, die mit Benachteiligungen konfrontiert sind, das Leben ungemein.

Doch werden solche Helfer überhaupt akzeptiert? Was bedeuten virtuelle Assistenzsysteme für den Alltag? Warum finden technische Assistenzsysteme bisher noch so selten Anwendung bei Menschen mit Behinderung? Können Avatare von Menschen mit Behinderungen lernen? Und: Wie barrierefrei ist das Internet wirklich?

Im Rahmen der Diskussionsplattform und Veranstaltungsreihe “Wissenschaft kontrovers” treffen mit Prof. Dr. Stefan Kopp Diplom-Gerontologin Melissa Henne am 15.08.2014 (18 Uhr) in Bielefeld zwei Experten aufeinander. Kopp vom Exzellenzcluster CITEC der Universität Bielefeld als Fachmann für kognitive Interaktionstechnologie. Und Henne als Vertreterin der v. Bodelschwinghschen Stiftungen Bethel, wo sie in der Stabsstelle für Unternehmensentwicklung aktiv ist.

via Wissenschaft kontrovers

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Stadt selber machen (Book Review, german)

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Urban Farming, Guerrilla Gardening, selbstgebaute Stadtmöbel, Um- und Zwischennutzung von städtischen Brachen: Seit einigen Jahren wachsen sowohl die Begeisterung von BürgerInnen und privaten Initiativen für urbane Intervention, als auch das Bewusstsein von Seiten der öffentlichen Hand gegenüber den Vorzügen solcher Impulse.

Ebenso zeigt sich, dass räumliche Aneignung nicht zwangsläufig mit halb- bis illegalen Nacht- und Nebel-Aktionen assoziiert sein muss. Gleichwohl ist die Triebfeder zumeist dieselbe: Es geht um die sozialräumliche (Rück-)Eroberung städtischen Raumes durch seine Bewohner, und die Erschließung neuer Möglichkeitsräume. Vorzugsweise im Einklang mit der Natur.

In „Stadt selber machen“ kompiliert Laura Bruns acht Projekte aus Zürich, Hamburg und Berlin, als Beispiele für einen spielerischen, eigen-initiierten und anwendungsorientierten Umgang mit urbanem Raum.

Egal ob langfristige oder vorrübergehende Um- und Ausgestaltung städtischen Raums: Stets umweht die Projekte der Charme des Provisorischen, des Informellen und Selbstgeschaffenen. „Nicht warten, bis die Stadt irgendwann in zehn Jahren anfängt, etwas zu bauen“. Einfach (selber) machen! Selbst gestalten. Und selbst verwalten.

Transparenz und Nutzungsfreundlichkeit stehen dabei im Vordergrund, so dass bei kluger Umsetzung auch die Kommunen und Ämter mitspielen. „Eine Bank im öffentlichen Raum zu bauen ist nicht erlaubt. Wenn sie aber von vielen genutzt wird und allen etwas bringt, so wird sie meist bleiben.“

Eine wichtige Grundvoraussetzung für die Entwicklungsmöglichkeiten sozial verträglichen Raumes ist der Miteinbezug lokaler Akteure. Ihr Wissen, ihre individuellen Bedürfnisse und Interessen können als Basis für realitätsnahe, alltags- und bedürfnisrelevante und nicht zuletzt unkomplizierte Konzepte dienen, die aufgrund ihrer offenen Entwicklungs- und Nutzungs-Strukturen Raum für Begegnung und Austausch schaffen.

Eines wird bei alledem deutlich: Wenngleich auch der Ausgangspunkt für Stadtaneignung, etwa durch die Schaffung von Aufenthalts-, Erholungs-, Spiel-, oder Freizeitsport-Möglichkeiten nicht zwangsläufig politisch motiviert sein muss, so geht, wie von jeder selbstbestimmten Aktion, eine Wirkung von ihnen aus, die in ihrem Urverständnis politisch ist.

Untertitelt als „Handbuch“ bietet sich die Lektüre als kurzer, aber knackiger Ratgeber für diejenigen an, die auch mal „Stadt selber machen“ möchten. Juristische Tipps und Hinweise zu Finanzierungsmöglichkeiten inklusive.

Tom Bieling, Mai 2014

 

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Laura Bruns:
Stadt selber machen. Ein Handbuch. Jovis, 2014, 144 S., 

ISBN: 978-3868593259

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Policital Interventions (Book Review, german)

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Wann immer soziale Protestbewegungen ihr Formenrepertoire erweitern, verschieben sich auch die Grenzen von politischem Aktionismus und Kunst. Historische Beispiele finden sich etwa im Kontext der Arbeiterbewegung der 1920er, der Friedens-, Frauen-, Studenten- und Bürgerrechtsbewegungen der 1960er, oder der Öko-Bewegung der 1980er Jahre.

Angesichts einer fortwährenden Digitalisierung, die sich nicht nur auf ökonomische Verhältnisse und soziales Verhalten auswirkt, durchläuft auch die Kunst eine Umgestaltung und Neuausrichtung ihres kritischen Potenzials.

Durch ihre bisweilen offene semantische Struktur, zumal im Angesicht vielfältiger, globalisierter und unverzüglicher Kommunikationsbedingungen, beschränkt sich die Rolle der Kunst dabei längst nicht mehr auf das Erzeugen von Gegennarrativen.

Vielmehr offenbaren sich ihr – und durch sie – unmittelbare Verknüpfungspotenziale politischer und künstlerischer Sachverhalte: Kunst als engagierter Gegenpol der Politik zur Entlarvung von Machtsystemen. Kunst als Politik. Politik als Kunst.

Die Ausgestaltung politischer Kunst ist dabei freilich immer auch Gegenstand, gesellschaftlicher Aushandlungsprozesse, die sich im digital-analogen Spannungsfeld mitunter blitzartig verlagern, überlagern und reformieren ­– was wiederum strategische Handlungsräume für Gesellschafts- und Herrschaftskritik schafft.

Wie Kunst, nicht nur als ästhetisches Konzept, in öffentliche Meinungsbildung intervenieren und maßgebliche Gegenkonzepte erfahrbar und plausibel machen, und somit realpolitisch relevant werden kann, ist Gegenstand des Buches „Political Interventions“*.

Eingefasst von Textbeiträgen (u.a. Mercedes Bunz, Dieter Daniels, Stefan Heidenreich, Dominik Landwehr) nimmt das Werk der Schweizer Medienkünstler Christoph Wachter und Mathias Jud darin eine zentrale Rolle ein, deren Arbeiten im Kosmos aus investigativem und sozialem Engagement, politischem Aktivismus und Aktionismus, und zivilem Ungehorsam als exemplarisch für einen Ansatz politisch motivierter Kunst gelten kann, die gleichermaßen an der Schaffung symbolischer Funktionen, wie an der Umsetzung lebensweltlicher Bezüge interessiert ist.

Sei es mit ihrem Projekt ‘Zone*Interdite’, in dem die sie öffentlich zugängliche Bilder von militärischen Sperrzonen sammeln und zu einer Kartografie der Unterdrückung kompilieren. Sei es mit ihrer dreidimensionalen Guantanamo-Rekonstruktion. Oder mit ihrer Open Source Software qual.net zur Errichtung autonomer Netze. Stets schwingt ein Verständnis über die politische Dimension der Dinge mit, und die Erkenntnis darüber, dass diese manchmal erst im veränderten Zustand ihrer Beschaffenheit für uns greifbar wird.

Im Bewusstsein des politischen Wirkungskreises unserer digitalen Artefakte verdeutlicht sich auch deren gesellschaftliche Relevanz, die spätestens durch ihren Gebrauch oder auch durch ihre (Un-)Zugänglichkeit über Strukturen und Formatierungen sozialer Prozesse und Belange mit entscheidet, zu denen auch die Frage von Inklusion oder Exklusion zählt.

Die Erkundung der Formen und Möglichkeiten politischer Intervention, und die Frage inwieweit Kunst im digitalen Zeitalter Einfluss auf Politik nehmen kann, ist somit schwer von einem moralischen Werteverständnis zu trennen, welches der Mitgestaltung von Gesellschaft zu Grunde liegt.

Und genau hieran verdeutlicht sich auch ein sich verschiebender Kunstbegriff, dessen Erscheinungsform Heidenreich als „nach-ästhetisch“ bezeichnet: In dem Moment wo Kunstwerke auch als Tools genutzt werden (können), die zur Entschlüsselung oder der Durchdringung der digitalen Welt mitsamt ihren Vor- und Nachzügen dienen, erhalten auch Nutzende Gelegenheit, „Paradigmen, die diesen Instrumenten zugrunde liegen, zu hinterfragen und neu zu formulieren“ (Boris Magrini).

Die Möglichkeit zur praktischen Umgestaltung wird dadurch mindestens gleichbedeutend mit der ursprünglichen Kritik an bestehenden Verhältnissen. Bestandaufnahmen sozio-technischer Sachverhalte, politische Intervention und theoretische Reflexion darüber, werden zu äquivalenten Bestimmungsorten der Kunst, und deren iterative Verknüpfung Teil der Strategie.

Tom Bieling, April 2014

 

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* Migros-Kulturprozent / Dominik Landwehr (Hg.): Political Interventions
Edition Digital Culture 1 / Christoph Merian Verlag, 2014, 244 S.,
ISBN: 978-3-85616-609-0

 

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Accelerate, Empower and Represent!

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Accelerate!
The accelerationist reader

Armen Avanessian & Robin Mackay (Ed.)

The term Accelerationism, describes a contemporary political heresy, which is the insistence that the only radical political response to capitalism is not to protest, disrupt, critique, or détourne it, but to accelerate and exacerbate its uprooting, alienating, decoding, abstractive tendencies. From Marx to cyberculture, from rave and acid house to underground culture this book discusses a range of examples of accelerationism.

Urbanomic, 2014, ISBN 9780957529557 | EUR 19,90

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Empower!
The Political Economy and Political Ecology of Urban Form
Ed. by Marc Angélil & Rainer Hehl

With their third Volume of Essays on the Policital Economy of Urban Form (after Vol.1 “Informalize!” and “Collectivize!” Vol.2), Marc Angélil and Rainer Hehl collected projects that address contemporary power relations and their effects on urban and natural landscapes in the age of the Anthropocene, a nascent geological epoch defined by human activity. Covering geopolitics in the Amazon, infrastructural subtraction in Ecuador, circulatory urbanism in Mumbai, and urban development on Brazil’s frontier, this edited publication explores urban transformations through the added lens of political ecology, in order to better understand the political, economic, and social factors of humanity’s profound effects on the biosphere.

Ruby, 2014, ISBN 978-3-944074-08-5 | EUR 12

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They Can’t Represent Us!
Reinventing Democracy from Greece to Occupy

by Dario Azzellini and Marina Sitrin

Dario Azzellini and Marina Sitrin compiled different views on how the new global movements are putting forward a radical conception of democracy. And on how international, global and regional mass protest movements share an agenda—to raise the question of what democracy should mean. Recent movements, including Occupy, put forward the idea that liberal democracy is not democratic, nor was it ever. Together they exercise and claim participatory democracy as the ground of revolutionary social change today.

Verso, 2014, ISBN 9781781682371 | EUR 13.50

 

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Design as Radical Labour (Interview with Tom Bieling)

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NewPractice (Issue One) on ‘Design as Radical Labour’ includes an interview with Tom Bieling about social, cultural and political dimensions of Design.
Find the entire interview here!

 

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Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus (Book Review)

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Dass es im Bauhaus als Hochschule für Gestaltung nicht ausschließlich um den alltagsrelevanten, ganzheitlichen Gestaltungsansatz ging, zeigt bis zum 21. April die Dessauer Ausstellung »Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus«.

Begleitend dazu skizziert der von den Kuratoren Torsten Blume und Christian Hiller kompilierte, gleichnamige Katalog*, die 1921 von Walter Gropius gegründete Bühnenwerkstatt – im Unterschied zu den anderen Bauhaus Werkstätten – als ebenso experimentelle, wie kritisch und visionäre Brutstätte der freien Kunst. Und lässt zugleich erahnen, wie unweit diese bisweilen dennoch von der lebensweltlichen Gestaltung von Gebrauchsgegenständen entfernt liegt.

Als man sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit zunehmend technisierten, zugleich Besorgnis erregenden und verführerischen Lebensräumen konfrontiert sah, fungierten Orte wie die Bühnenwerkstatt als solche, in der das Verhältnis von Mensch und Technik neu erforscht und erprobt werden konnte, und in denen es „um nichts weniger ging, als den Entwurf des neuen Menschen“ (Philipp Oswalt)

Auf der Suche nach einem neuartigen, sinnbehafteten Verhältnis zu einer sich fortwährend dynamisierenden, technisch animierten Umwelt, und einem reziproken Mensch-Technik-Verhältnis, gingen die zentralen Protagonisten Lothar Schreyer, Oskar Schlemmer und László Moholoy-Nagy dabei grundlegenden Fragen der Mechanisierung, Maschinisierung und Rationalisierung nach.

Auf eine Weise, in der die Logik und Rhythmik des Maschinenzeitalters ebenso widerspiegelt wie hinterfragt wurde, entstand dabei eine Reihe von technoid-menschlichen Doppelgängern. So zum Beispiel die skulpturalen, biomechanischen Kostüme aus Schlemmers Triadischem Ballett, in denen die Protagonisten, beinah wie eine Art Vorgriff auf spätere Roboterbilder, auf befremdlich-vertraute Weise entindividualisiert androgyn erschienen: Grenzfiguren zwischen Natur und Artefakt. Gleichsam als Technikkritik zu verstehen, im Erkenntnisinteresse jedoch auch als Bewegungsstudien für neue Maschinenkörper dienend.

Nach zahlreichen beachtenswerten Studien und Publikationen zum vorrangig gestalterisch-architektonischen Vermächtnis des Bauhauses, widmen sich Ausstellung und Katalog mit einem Spektrum aus Fotografien und Skizzen, Modellen und Apparaturen, historischen, programmatischen Texten und aktuellen Reflektionen, nun erstmalig seinem ‚flüchtigen’, performativen Nachlass: den Experimenten und Konzepten der Bauhausbühne.

Tom Bieling, April 2014

 

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* Torsten Blume, Christian Hiller (Hg.):
Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus
Spector Books, 2014, 264 S., ISBN 978-3-944669-21-2; 36 EUR

 

 

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CinemAbility (Documentary Trailer, 2013)


The US-documentary “CinemAbility” examines the ever-changing portrayals of disability story lines in film, TV and the web to see if the media has had a hand in transforming the societal inclusion of people with disabilities. It takes a detailed look at the evolution of “disability” in entertainment by going behind the scenes to interview Filmmakers, Studio Executives, Film Historians, and Celebrities, and by utilizing vivid clips from Hollywood’s most beloved motion pictures and television programs to focus attention on the powerful impact that entertainment and the media can have on society.

 

 

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ART’S HOME IS MY KASSEL (german Trailer)


“Engagierte Mitarbeiter und unzählige Helfer, neugierige Schaulustige und um Verständnis bemühte Besucher, »weltgewandte Begleiter« und weitgereiste Kunstgäste: In Kassel treffen sie 2012 alle auf die Documenta – Weltkunstschau mit höchster internationaler Aufmerksamkeit und Heimat in Nordhessen. Katrin und Susanne Heinz betrachten aus den Blickwinkeln der Kasseler die temporäre, aber auch invasionäre Totalveränderung ihrer Heimatstadt, denn das Spektakel prägt in diesem Sommer sowohl das Stadtbild als auch das Lebensgefühl.

»Arts Home is my Kassel« folgt der Documenta über die Vorbereitungen Anfang 2012, durch das gesamte »Museum der 100 Tage« bis zu den Abbrucharbeiten – wie eine filmische Lustwandelei: Er ist keine Wiedergabe offizieller Deutungsansätze, er will keine umfassende Berichterstattung sein.

Der Film vermittelt Kunst und Event allein durch seine Protagonisten: eine Taxifahrerin, eine Studentin, Künstler, ein Schreiner, interessierte Kasseler Bürger und ein Architekt vermitteln einen verständlichen, praktischen und intuitiven Zugang zu den Arbeiten und der Kunstwelt. »Arts Home is my Kassel« hebt die Kunst der Documenta als etwas Lebendiges, Berührbares von einem falschen Sockel und verstärkt die Kunstfähigkeit eines jeden Neugierigen.”

via arts-home-is-my-kassel

 

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Katherine Runswick ‘Approaching Disabilty’

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Pride Parade (Berlin 2014)

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“Freaks and Cripples,
Lunatics and Gimps,
Deaf, Crazy, Blind or just ordinarily weird people
– come out into the streets again, because we own it!
We were many, we will be more!”

Put barriers in the museum, it’s time to break out of our boxes, be who you want to be, not who they say you are!  Kiss madness awake, love crooked legs and spasms, desire crutches and catheters. We unsettle und seduce and we are louder than the norm. Roll, limp and grope your way to Hermannplatz, July 12th at 3pm.

Party with us at the behindert und verrückt feiern Disability & Mad Pride Parade 2014 in Berlin.

via www.pride-parade.de

 

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CROP (Documentary Trailer)

CROP is an experimental documentary co-directed by Johanna Domke (DE) and Marouan Omara (EG). The film reflects upon the impact of images in the Egyptian Revolution in 2011 and puts it in relation to the image politics of Egypt´s leaders. Instead of showing footage from the revolution, the film is shot entirely in the power domain of images – Egypt´s oldest and most influential state newspaper Al Ahram. Throughout the building – from the top-level executive office towards the smallest worker – we follow the story of a photo-journalist, that missed the revolution due to a hospital stay. After resuming his work in the newspaper, his life seems not quite the same. His voice gives a personal reflection to the media ploys of the old regime, and the documentary inspires to think about the power of images.

 

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wild, connected, printed & additional THINGS

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The relationships between people and things, objects and other objects have in recent years been discussed by science and arts in highly diverse and controversial ways.

The links between things and people as well as other things are the focus of an exhibition of the courses Communication in Social and Economic Contexts and Industrial Design at the Berlin University of the Arts, which is on view at designtransfer in the context of the Berlin Design Week/DMY International Design Festival 2014.

Where do the self-will and self-logic of things begin? Once they break, resist or connect with each other? The projects by the students of Communication in Social and Economic Contexts investigate such questions of appropriation and experience of things. From prostheses to interfaces to grave goods, the students explore different objects and object-relations and reflect them in individual exhibition formats such as movies, magazines and installations.

Exclusively for for this exhibition, Anja Mück & Luisa Bergander developed the Magazine “Seelenblindheit”, which includes a 12-page Interview with Tom Bieling

Opening: Tuesday, 27 May 2014, 6pm

Exhibition: 28 May to 20 July 2014, Tue-Fri
Tuesday–Friday: 10am – 6pm
Berlin University of the Arts Tour Weekend (19–20 July), 10am – 6 pm
Foyer, UdK Berlin, Einsteinufer 43

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Cinema of Transgression

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In den 1980er Jahren schließen sich im New Yorker East Village Künstlerinnen und Künstler zusammen, unter ihnen Nick ZeddLydia Lunch, John Waters und Richard Kern, die radikal aufbegehren: gegen den guten Geschmack, gegen den saturierten Kunstbetrieb, gegen ein bequem gewordenes Avantgardekino.

In den filmischen Auswüchsen dieses Protests dominieren Blut, Sex, sinnlose Gewalt, entstellte Körper, Leichenschändung und Blasphemie.  Aber auch humoristische Angriffe auf das bürgerliche Wohlbefinden.

Das UT Connewitz (Leipzig) zeigt eine Auswahl an maßgebenden Cinema of Transgression-Kurzfilmen u.a. von Nick Zedd, Richard Kern und Tessa Hughes-Freeland, sowie cineastische Verstöße und Überschreitungen aus früheren Phasen des amerikanischen Experimentalfilms u.a. Kenneth Angers masochistische Vergewaltigungsphantasie „Fireworks“ und Jack Smiths Dragperformance „The Yellow Sequence“.

Am Freitag, 04. April 2014 um 22 Uhr im UT Connewitz (Filmvorführung, 16mm/digital)

 

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Die Mobilisierung des Körpers (Conference Report)

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“Die Technik rückt dem Menschen auf den Pelz”. Christoph Asmuth wählte ein eindringliches Bild als Eröffnungs-Statement für das Symposium „Die Mobilisierung des Körpers“ am Dresdner Hygienemuseum. Rund 50 Teilnehmende waren gekommen, um sich an zwei Tagen über vergangene, gegenwärtige, zukünftige, über begehrenswerte oder unerwünschte Techniken auszutauschen, die dem menschlichen Körper wiedererlangbare, erweiterte oder gar neue Fähigkeiten verleihen, und von denen viele im weiteren oder engeren Sinne als Prothesen gelten.

Unterschiedliche Dimensionen rund um den “Menschen als Schnittstelle” standen dabei im Fokus. Die Vielfalt der Themen erstreckte sich von der Geschichtlichkeit der Prothese (Thomas Schnalke), über popkulturelle Aspekte und solche der medialen Inszenierung von körperlicher Behinderung und technischen Artefakten (Sabine Kienitz), bis hin zur Inklusion des Posthumanen (Georg Seeßlen & Markus Metz), sowie künstlerischen Aneignungen des Prothesenmotivs als kritische Kommentare auf Körperobjektivierungen und postindustrielle Technisierungsschübe (Karin Harrasser).

Die Berührungspunkte zwischen Mensch und Prothese variieren stets in einem wabernden Kosmos zwischen Gebrauchsding, symbolischem Objekt, kritischer Vision oder Bildmetapher. Ein Motivkomplex, den Roland Innerhofer als “Ort der Verarbeitung kultureller, medialer und technikgeschichtlicher Umbrüche wie der Austragung sozialer Konflikte” beschreibt.

Der Frage nachgehend, wie denn eigentlich der “Vorzeigeinvalide” des 21. Jahrhunderts aussieht, deckte Sabine Kienitz einerseits eine große Bandbreite der Visualisierung von Versehrtheit auf, stellte jedoch auch fest, dass diese immer noch sehr stark an dualistische Vorstellungen des 20. Jahrhunderts angelegt ist: Der versehrte Mensch entweder als Opfer oder als Held.

Die Prothese die laut Karin Harrasser einen Verlust ebenso markiert wie maskiert, dient jedoch längst nicht mehr ausschließlich der Kompensation sondern auch der Extension. Wurden Artefakte früher an den Körper angebaut (Exoprothesen), so können sie heute zunehmend eingebaut werden (Endoprothesen). In Zeiten, in denen sich Schönheit zunehmend auch als ein Aspekt der Gesundheit etabliert, werden Prothesen dabei nicht nur auf den Aspekt des Substituierens reduziert, sondern dienen zunehmend auch einer auf Makellosigkeit ausgerichteten Optimierungstechnik (Epithesen).

Begriffliche Dimensionen der Prothetik werden in diesem Themenkomplex schnell dehnbar. So zeigte Thomas Schnalke: Auch eine Narbe, als Funktionsersatzgewebe, ist im Grunde nichts anderes als eine (in dem Fall vom menschlichen Körper selbst produzierte) Prothese. Der Hauptfokus des Symposiums lag jedoch klar auf den künstlich erzeugten, steuer- oder modifizierbaren Körperteilen: den Anthropofakten.

Doch wo fängt die Körper-Ding-Synthese an? Wo hört sie auf? Wie Irmela Krüger-Fürhoff darzulegen vermochte, werden Ersatzglieder, Neuroimplantate oder Organtransplantate „in der öffentlichen Wahrnehmung deutlich voneinander unterschieden, weil sie verschiedene Vorstellungen von ‘Natürlichkeit’ und ‘Künstlichkeit’ bzw. ‘Technizität’ sowie von körperlicher Integration, aktiver Steuerbarkeit und Sichtbarkeit aufrufen“.

Anschaulich rekonstruierten somit einige der Vorträge wie biologische und technische ‘Ersatzteile’ kulturell entworfen werden, und wie sowohl die Verletzlichkeit des menschlichen Leibes, als auch seine Aufgeschlossenheit gegenüber technischer Modifizierbarkeit ästhetisch, kritisch und konstruktiv in Literatur, Kunst, Film, Museumssammlungen, in der Werbung oder den Massenmedien verhandelt werden. Und welche Vorstellungen von (Im)perfektion, also von Vollkommenheit und Optimierbarkeit dem eigentlich zu Grunde liegen.

Georg Seeßlen und Markus Metz rückten dabei zweierlei ins Zentrum des Interesses: Die Machbarkeit und die Vorstellbarkeit: „Die Machbarkeit des Menschen 2.0, des prothetisch, chemisch und digital ‚verbesserten’ Übermenschen wird in den teils offenen, teils nicht ganz so offenen Wissenschaftszentren und nicht zuletzt an den Knotenpunkten des militärisch-wissenschaftlich-ökonomischen Komplexes erprobt. Die Vorstellbarkeit dagegen in den Bilder- und Erzählmaschinen der populären Kultur. In einer visuellen und medialen Kultur wie der unseren orientiert man sich mehr denn je an der Vorstellbarkeit, denn diese bestimmt nicht zuletzt darüber, ob eine der vielen Maßnahmen der technischen und medizinischen Menschenverbesserungen eine Marktchance bietet oder nicht“.

Unabhängig davon habe jedoch Stanislav Lems Einsicht zu gelten, dass alles, was sich technisch machen und vorstellen lässt, auch gemacht wird. Was das in Bezug auf Asmuths Pelz-Metapher bedeutet, ist eine der zentralen Fragen hinsichtlich der zukünftigen Mensch-Maschine Konfigurationen, in deren Zuge auch zu klären sein wird, ab welchem Punkt „das Humane im Menschen zerfällt“. Und umgekehrt stellt sich auch die Frage nach der Technik. Nicht nur in Bezug auf die „Gefahr, die sie für unser Selbst- und Körperbild bedeutet, indem sie den Menschen technisiert, sondern auch danach, inwieweit sich die Technik tatsächlich vermenschlichen lässt“ (Asmuth).

Kein Zweifel: Die Gestaltung unser Lebenswelt bis hinein in die Verzweigungen soziotechnischer Systeme bestimmt in bemerkenswerter Weise die Evolution des Menschen als Mängelwesen hin zum Cyborg. Zumal dann, wenn uns die Technik nicht nur auf den Pelz rückt, sondern unter die Haut geht.

Tom Bieling, März 2014

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[v.l.n.r.: Roland Innerhofer, Tatjana Noemi Tömmel und Irmela Marei Krüger-Fürhoff im Panel “Helden, Krüppel, Übermenschen – Prothetik in der Literatur”]

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Ivan Illich: A brief Introduction

Since many of his thoughts and works are still very present in our discourses, we would like to share a brief introduction with some background information about Ivan Illich, we found online:

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