Design and Organization

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In order to design, Designers need tools, such as pencils, dremels, notebooks, software or brainstorm-sessions. In order to mediate between the ‘uncertain’ and the ‘real’, Designers also design tools, such as guiding systems, urban structures, services or interfaces.

The greek word for ‘tool’ – organon – is also the origin for the word ‘Organization’, which might be best described as a process including different forms of planning, preparing, structuring, evaluating and executing. Including different acts of analysis, projection and synthesis. Including an orientation and adjustment towards certain visions or goals.

When talking about the complexity of Design in terms of organizational tasks, patterns and potential, a broad range of perspectives can be taken into account. What are the links, the parallels and where are the limits between organizing and designing? How can design (help) inform or trigger an Organisation, or the Processes within an Organisation? What role can design play in institutional Organisations. What about Organizations that deal with design topics (such as Design Councils, Design Centres or Design Societies)?  

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[Egyptian Design Students visiting the “Werkbund Archiv / Museum der Dinge”, Berlin]

In the summer semester 2014, a group of 27 graphic-, media- and product-design students at GUC Berlin Campus participated in the theory course “Design & Organization”, in which this broad range of approaches and perspectives was being explored.

The course was complemented by a series of lectures on organizational patterns, design management and professional practice, which were taken as a basis for a design-argumentative perspective in the students’ work. It also triggered the students’ textual approximation towards their own work through a multiperspective critical thinking about Design.  

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[Raban Ruddigkeit]

Sessions included the “Architectural Perspective” (Uwe Kuckertz / Staubach&Kuckertz), the “Brand Perspective” (Anja Rosendahl), expertise from product design and a “Holistic View” (Christoph Fleckenstein / Iondesign), a typo/graphic perspective on the challenges of “Organization vs. Creation” (Raban Ruddigkeit), or Katrin Hinz’ (HTW) thoughts on “Universal Design Thinking”.

Challenges for “Organizing the Past” were being explored with Christian Mayrock (Werkbundarchiv/Museum der Dinge) from a curational and design-museologist perspective. Together with Lola Güldenberg (L Design), the group discovered aspects of “Organizing the Future”, from a trendscouting point-of-view.

In a “Design Portfolio” Session with Ulrike Meyer (Connecting Talents), the group investigated on their individual designerly strengths as well as possibilities to show and present them. The importance of promoting design (e.g. against industry or politics) as well as different forms of networking finally lead to discuss notions of “Connecting Business, Society and Culture” with Cornelia Horsch (IDZ).

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[Cornelia Horsch / Internationales Design Zentrum]

By developing organizational questions as design questions, the findings of this course helped the students to clarify both their design analytical and design rhetorical arguments. No doubt, there are surely various non- or semi-organized impulses, design can profit from. Such as open structures, intuition, inspiration, experiment or even failure. But what also became clear in this course was that organization is a strong core element of design. And vice versa: there is great potential for designers to design organizational processes.

… and for both they use and design specific tools.

Tom Bieling | Berlin, March 2015  

 

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WER RETTET WEN? (Doku)

“Seit fünf Jahren werden Banken und Länder gerettet. Politiker schaffen immer neue Rettungsfonds, während mitten in Europa Menschen wieder für Hungerlöhne arbeiten. Es wird gerettet, nur keine Rettung ist in Sicht.

Für große Banken ist die Finanzkrise vor allem ein Geschäftsmodell. Und die ständig „verstimmten“ und „enttäuschten“ Finanzmärkte scheinen ein besonderes Wesen zu sein, das bei Laune gehalten werden muss.

Wer rettet also wen? Die Reichen die Armen? Die Politiker die Banken? Die Rettungsschirme Europa? Oder die Steuerzahler einige wenige Individuen?”*

Nach WATER MAKES MONEY und BAHN UNTER DEM HAMMER wirft auch der neue Film von Leslie Franke und Herdolor Lorenz einen Blick von unten auf die gesellschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit.

WER RETTET WEN?
Kinostart: 
12. Februar 2015.

* via Wer-rettet-Wen

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Wem gehört die Stadt – Bürger in Bewegung (Doku)

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Wem gehört die Stadt: Den Beamten, die sie verwalten? Den Bauherren, die sie kaufen? Oder den Menschen, die sie bewohnen? In ihrem Dokumentarfilm “Wem gehört die Stadt – Bürger in Bewegung” beobachtet die Kölner Filmemacherin Anna Ditges, was passiert, wenn Anwohner, Investoren, Politiker und Stadtplaner ihre ganz unterschiedlichen Vorstellungen von der Zukunft ihres Viertels unter einen Hut bringen müssen.

Der Film berichtet dabei von existenziellen Auseinandersetzungen zwischen Menschen mit unterschiedlichen, oft unvereinbaren Lebenswelten und Wertevorstellungen. Im Spannungsfeld von Engagement, Eigennutz und Sinnstiftung geht er der Frage nach, wie Demokratie im Alltag funktionieren kann und wie viel politische Verantwortung die eigene Heimat für jeden Einzelnen bedeutet.

Die Story wird vom Verleih folgendermaßen zusammengefasst:

Das Helios-Areal gilt als Herzstück des Kölner Stadtteils Ehrenfeld: Mit seinem weithin sichtbaren Leuchtturm aus dem 19. Jahrhundert, mit den alten Werkhallen, in denen sich Clubs und Konzerträume, Werkstätten und Kreativbüros eingerichtet haben, und mit den vielen Brachflächen dazwischen verkörpert das idyllisch-heruntergekommene Gelände das besondere „Potenzial“ eines früheren Arbeiterviertels, das gerade zum In-Viertel wird.

Doch wo die Ehrenfelder einen ihrer letzten alternativen Lebensräume am Rande einer dicht bebauten Innenstadt bewahren möchten, sehen Investoren und Stadtplaner vor allem ein riesiges ungenutztes Grundstück in Bestlage, das immer weiter zu verfallen droht. Hier könnte so vieles entstehen, so viel gebaut und so viel Geld verdient werden. Großinvestor und Bauunternehmer Bauwens-Adenauer entscheidet sich für ein Einkaufszentrum.

Der Protest lässt nicht lange auf sich warten. Gastronomen und Handwerker, deren Existenz durch den geplanten Abriss auf dem Spiel steht, aber auch Anrainer und Nachbarn sehen die Shopping Mall als Bedrohung für die gewachsene Infrastruktur und für den Einzelhandel des Viertels. Unterschriften werden gesammelt und eine Bürgerinitiative gegründet, deren Arbeitsgruppen nachhaltige und bürgernahe Konzepte zur Nutzung des Geländes erarbeiten wollen. Mit Unterstützung von Bezirksbürgermeister Wirges, dem die Menschen in „seinem Veedel“ am Herzen liegen, kommt es zu einem Bürgerbeteiligungsverfahren, in dem Vertreter der Stadt zwischen den Interessen von Wirtschaft, Politik und Bürgerschaft vermitteln und abwägen sollen. Bald stehen erste Modelle im Raum. Kulturstätten, bezahlbarer Wohnraum, ein Park wäre schön, oder doch lieber ein Parkhaus? Visionäre und Pragmatiker, Radikale und Resignierte streiten über Machbarkeit und Kompromisse. Doch am Ende des konfliktreichen Prozesses steht eine Lösung, die so niemand erwartet hätte…

via WemGehörtDieStadt – DerFilm

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In loving memories: Heiner Jacob

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Today, two years ago, Prof. Heiner Jacob passed away. He still keeps on inspiring a whole generation of KISD Alumni, Design Scholars and Designers across the globe. Thanks Heiner!

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Community Now? The Politics of Participatory Design

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The Design Research Lab and the DGTF (German Society for Design Theory and Research) are currently preparing an international symposium which  focusses on current social developments and participatory community projects in Germany and Israel. Participatns from all over will present and discuss their projects and explore how to promote processes of active participation and support a sustainable development of communities, their impact on policy making and on everyday life. The symposium is the closure of the two years research project “Community Now?” between Germany and Israel.

When: February 19th – 21st, 2015
Where: Jewish Museum Berlin, Lindenstraße 9-14, 10969 Berlin

PROGRAM
The program includes an opening evening with panel discussions and keynotes, followed by two days of keynote talks, presentations and workshops – accompanied by an exhibition around the Neighborhood Lab and a series of thematic walks.

Thursday, 02/19/2015
10:00-17:00 Preliminary workshop at the Neighborhood Lab, Mehringplatz 9
19:00 – Opening Ceremony | Inaugural speeches & short panel discussion with:
Daniela Schadt (Board member of the German-Israeli Future Forum DIZF and Germany’s First Lady); onfilly Kugelmann (Program Director of the Jewish Museum Berlin); Thomas Krüger (President of the German Federal Agency for Civic Education bpb); Michal Eitan (Dean at the Bezalel Academy for Arts and Design Jerusalem); Ezri Tarazi(Curator and Professor at the Bezalel Academy Jerusalem); Andreas Eberhardt (Director of the German-Israeli Future Forum DIZF);Gesche Joost (Head of the Design Research Lab, Berlin University of the Arts)

Night-Talk with
Hanno Rauterberg, Author and Journalist (ZEIT) and
Jesko Fezer (DGTF borad member, Professor at HfBK Hamburg)

Concert with Tal Balshai and Band

Friday, 02/20/2015 & Saturday, 02/21/2015
Keynotes:
Avi Sabag (Musrara School & Musrara Mix Festival), Barbara Meyer (Director Schlesiche 27 Berlin), Daniela Schadt (Board of the German-Israeli Future Forum DIZF), Doug Schuler (Evergreen State College, Washington)

Talks and workshops:
Efrat Meyer (Yad Be Yad), Valentina Nisi & Mara Dionisio (Madeira Institute of Technology), Iva Cukic & Marko Aksentijevic (Miniytry of Space Beograd), Panayotis Antoniadis & Ileana Apostol (ETH Zürich), Leah Abir (Haifa Museum of Art), Karin Lücker (MadaMe Berlin), Michael Smith (Urban IxD Edinburgh); Myriel Milisevich, Henrik Lebuhn & Mira Thomsen (Neighborhood Satelites), Michelle Christensen & Florian Conradi (DGTF), Gilly Karjevsky (Glocal Neighborhoods)

Please register here: http://www.dgtf.de/conftool/; Free admission.
Registration closes February 8th!

Programm details coming soon.

 

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Schöpfer der zweiten Natur – Der Mensch im Anthropozän (Book Review, german)

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Ob Tsunamis, Erdbeben oder Dürreperioden. Ob Meteoriteneinschläge oder Vulkanausbrüche. In der geologischen Arena spürbarer Brachial-Ereignisse und langfristig evidenter Veränderungsprozesse haben die herkömmlichen „Naturgewalten“ längst einen Konkurrenten bekommen: den Menschen.

Mit den von ihm produzierten, transportierten, konsumierten, verarbeiteten und entsorgten Eingriffen in Böden, Gewässern, Atmosphären und Panoramen ist der Mensch zum geologischen Faktor, wenn nich gar zu einem der geologischen Hauptakteure avanciert, dessen Spuren auch noch in Jahrmillionen erkennbar sein werden. Ähnlich erkennbar wie besagte und so genannte Naturerereignisse.

Paul Crutzen, Nobelpreisträger für Chemie, hat dafür den Begriff des Anthropozäns geprägt, der ein neues Erdzeitalter – das Menschenzeitalter – beschreibt. Dass es sich beim Anthropozän nicht vornehmlich um ein geochronologisches, sondern ein kulturelles und somit sozialhistorisches Phänomen handelt, bei dem der Technik und Technikentwicklung eine Schlüsselrolle zukommt, verdeutlicht sich anhand der Hybridisierung bislang annähernd trennscharfer Komponenten.

Indem der Mensch mit den von ihm entwickelten Technologien nicht nur Natur, sondern auch sich selbst, und mit ihm die Gesellschaft verändert, potenziert sich zugleich das Einflussgebiet seiner Gestaltungskraft. Dies geht auch einher mit weltbildlichen Konstruktionsverschiebungen fernab althergebrachter, in der griechischen Philosophie wurzelnder, abendländischer Dualismen: Natur versus Kultur; Objektwelt versus Zeichenwelt; biologisch Lebendiges versus technisch Geschaffenes; Gewordenes versus Gedachtes; Subjekt versus Objekt.

Wie stark das Anthropozän den Blick auf Natur, Kultur und Technik verändert, ist Gegenstand des von Arno Bammé herausgegebenen Sammelbandes „Schöpfer der zweiten Natur“. Mit dabei sind unter anderem Christan Schwägerl („Die menschgemachte Erde“), Wilhelm Berger („Technik, Politik und das Theater der Apokalypse“) und Bazon Brock („Prometheische Scham“).

Letzterer stellt die pathetische Rede vom Anthropozän als pseudo- bis wissenschaftliche „Gerüchteverbreitung im öffentlichen Diskurs“ kritisch in Frage. Lege sie doch nahe, den Menschen als Beherrscher der Natur zu proklamieren. Dies sei eine groteske Verkennung der Tatsache, dass „wir mit keiner menschlichen Wirkmacht die Naturgesetze aufheben können“.

Allein die Behauptung, rund vier Milliarden Jahre erdgeschichtliche Evolution können überboten werden von zweitausend Jahren geistesgeschichtlicher Prägekraft, stellt Brock als absurd und als Verkennung des folgenden Sachverhalts dar: „Wie immer wir auf die Natur einwirken, das Resultat wird keineswegs von den Menschen erzielt, sondern von der Geltung der Naturgesetze, die gerade nicht menschlicher Willkür unterliegen“.

Die Annahme, es käme für die Zukunft der Erde im wesentlichen auf die Menschen und deren Einwirkung auf die Natur an, sei demnach ein Trugschluss und laufe Gefahr zu einem fatalen Triumphalismus anthropozentrischen Denkens zu verkommen.

Was sich in Brocks Artikel wie eine Abstrafung der, überwiegend auf der anthropozentrischen These fußenden, vorherigen zehn Gastbeiträge liest, knüpft dabei auch an Bammés Aufzählung von „Fünf Gründe(n), warum die Menschheit den Herausforderungen des 21. Jahrhunderts nicht gewachsen ist“ an.

Die Bandbreite der in diesem Band versammelten Beiträge liefert schließlich ein paar grundlegende Bausteine zu einer Ausformung eines postakademischen Wissenschaftsansatzes, indem disziplinäre Grenzen konstruktiv durchdrungen werden. Das Anthropozän dient Bammé et al. dabei als Anlass, tradierte, mitunter angestaubte Ansätze und Prinzipien der Soziologie herauszufordern, weshalb das Buch bisweilen auch als wissenschaftsdidaktische Streitschrift angelegt ist. Kern der Kritik: Nach wie vor sei die Soziologie durch einen Mangel an wissenschaftlichem Wissen gekennzeichnet, das auch gesellschaftlich relevant ist. Zudem mangele es ihr allzu häufig an kognitiven Vermittlungsinstanzen.

Es besteht somit die Herausforderung darin, im Dickicht aus Mensch, Natur und Technik, neuartige oder mögliche Hybride und Amalgame zu identifizieren und zu erforschen. Auch, um sie schließlich in gesellschaftliche Entscheidungsprozesse einbeziehen zu können.

Tom Bieling, Januar 2015

 

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Bammé, Arno (Hg.): Schöpfer der zweiten Natur – Der Mensch im Anthropozän; Metropolis; 230 Seiten, ISBN: 978-3-7316-1094-6; EUR 24,80

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Zwischen System und Chaos im MAKK

Das Museum für Angewandte Kunst Köln startet mit der Ausstellung “SYSTEM DESIGN – Über 100 Jahre Chaos im Alltag” ins neue Jahr.

Vom metrischen System zum Lego-Baustein, über die DIN-Norm für Papierformate, U-Bahn-Plänen und Regalen bis zu Smartphone Konfigurationen und Computer-Betriebssystemen, Espresso-Kapseln, Carsharing bis zur Systemgastronomie – Systeme bestimmen unseren Alltag. Meist bemerken wir sie gar nicht. Die Welt ist voller Systeme, die miteinander konkurrieren.

Unsere Position im Kosmos verorten wir innerhalb eines Sonnensystem – aber wenn wir in den nächtlichen Sternenhimmel blicken, sehen wir nur ein Chaos aus unendlich vielen, leuchtenden Punkten. Ob wir unsere Umgebung als Chaos oder als System wahrnehmen, ist eine Frage unserer Perspektive und unseres Standpunkts.

Der Systemgedanke ist seit mehr als hundert Jahren prägend für das Design – seit mehr als hundert Jahren pendelt das Design zwischen System und Chaos. Der Systemgedanke beruht dabei auf dem Wunsch, das Chaos dadurch zu bewältigen, dass wir eine überschaubare Anzahl von einzelnen Elementen verbinden und dadurch einen Zusammenhang herstellen.

Jedes System ist ein erneuter Versuch, einen abschließenden Zusammenhang zu erzeugen, der alle zugehörigen Elemente vereint. Jedes System hat aber auch Brüche, und gleichzeitig konkurriert es mit bestehenden Systemen. Deshalb ist jedes neue System zugleich auch ein Beitrag zur Vermehrung des bestehenden Chaos.

Die Ausstellung SYSTEM DESIGN versammelt mehr als 100 Exponate von internationalen Gestaltern wie Otl Aicher, Peter Behrens, Ronan und Erwan Bouroullec, Marcel Breuer, Konstantin Grcic, Charles und Ray Eames, Egon Eiermann, Richard Buckminster Fuller, Ferdinand Kramer, Jonathan Ive, Le Corbusier, George Nelson, Verner Panton, Dieter Rams, Oswalt Matthias Ungers, Massimo Vignelli und Wilhelm Wagenfeld.

Die Ausstellung läuft vom 20.01. bis zum 07.06.2015 im

MAKK | Museum für Angewandte Kunst Köln
An der Rechtschule
50667 Köln

via makk

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Design der Zukunft (Book Review, german)

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Welche Rolle spielt Design in einer sich wandelnden Gesellschaft? Eine nicht erst seit Victor Papanek häufig gestellte, wenn auch dadurch nicht weniger berechtigte Frage. Ebenso kontinuierlich wie die ökologischen, ökonomischen, technologischen und sozialen Transformationsprozesse, die immer auch stark in die Gesellschaften hineinwirken, verschieben und erweitern sich auch die Erscheinungsformen, Aufgabenbereiche und Handlungsoptionen von Design. Diese „Ausweitung der Designzone“ unterstreicht gleichermaßen die Relevanz von Design, wie auch die Verantwortung seiner Akteure. Das gilt insbesondere im Anthropozän, dem Erdzeitalter des Menschen, in dem der Mensch die Natur und das Leben selbst mit- und durchgestaltet.

Gleichwohl birgt eine Ausweitung der Designzone auch argumentative Fallstricke, da sie sich – konsequent zu Ende gedacht – letztlich auch im Alles-und-nichts zersetzen kann. Ein Dilemma, welches dieses Buch zwar nicht lösen wird, ihm jedoch mit einem Dutzend variantenreicher Beiträge kleine Diskursimpulse mit auf den Weg gibt. Deren Zusammenstellung mag vielleicht nicht immer plausibel erscheinen – kurzweilig bleiben sie dennoch. Und helfen somit, das Titelthema auch in seiner Doppeldeutigkeit zu ergründen: Anhand der Frage wie zukünftiges Design konzipiert sein kann (oder soll), ebenso wie der Frage nach der tatsächlichen Gestaltbarkeit von Zukunft an sich.

Tom Bieling, Dezember 2014

 

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Lund, Cornelia / Lund, Holger (Hg.): Design der Zukunft; AVedition; 176 Seiten, ISBN: 978-3-89986-194-5; EUR 24,90

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Hacking (Book Review, german)

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Seit mit Beginn der 1980er Jahre der Typus des Hackers durch Film- und Literatur im popkulturell unterfütterten Mainstream auf der breiten Bildfläche erschien, bewegt sich sein begriffliches Wechselverhältnis zwischen Kriminalisierung und Heroisierung. Mit der Debatte um Sicherheit, Überwachung, Zensur und techno-sozialen Restriktionen von staatlicher oder kommerzieller Hand gewinnt der Hacking-Diskurs seit einiger Zeit erneut an Aktualität.

Doch auch jenseits von Anwenderprogrammen und Computersystemen erfährt Hacking eine gegenständliche und begriffliche Konjunktur. In den MashUp-, Remix- und Sampling-getriebenen Kulturtechniken und -praktiken der Postmoderne, durchläuft der Hacking-Ansatz inzwischen vielschichtige Grenzgebiete. Etwa anhand von Schnittstellen-definitionen und -überbrückungen entlang von Natur und Technik („Biohacking“) oder in Form von dinghaften, ebenso einfach vollzogenen und leicht imitierbaren Lösungen für Alltagsprobleme („Lifehacking“).

Als zugleich Antriebskraft und Gegenstand der Untersuchung, fungiert Hacking als methodisches und experimentelles Werkzeug systemischer Exploration und beschränkt sich nicht nur auf die Erkundung gewisser Spielregeln, sondern intendiert auch deren Veränderung und Neuformulierung. Der Hack lässt sich folglich nicht (nur) auf listig-raffinierte Lösungen für Computerprobleme reduzieren, sondern versinnbildlicht generell ein kreatives Aufbrechen von Technologie, Dingen, Zusammenhängen und Begebenheiten, sowie eben: den damit verbundenen Systemen.

Dass die Strategie des Hackings seit der Popularisierung von Computer- und Netzthemen eine besondere Faszination auch auf die Kunst (speziell: Medienkunst) ausübt und warum das so ist, ergründet Dominik Landwehr anhand von sieben kurzen Beiträgen (Texte von Claus Pias, Raffael Dörig, Felix Stalder, Verena Kuni, Hannes Gassert; sowie Interviews mit Ubermorgen und der !Mediengruppe Bitnik) im zweiten Band* der Reihe ‹Edition Digital Culture›.

Die Vieldeutigkeit des Hacking-Begriff, angefangen von der Durchdringung von (Betriebs-)Systemen bis hin zur Handlungs- und Informationsbefreiung, spiegelt sich dabei auch in den Deutungsweisen und Beschreibungsformen der jeweiligen Beiträge wieder: So umreißt Raffael Dörig („Hacking Everyday Life“) das Thema am Beispiel von „geknackter Alltagselektronik“. Verena Kuni veranschaulicht hingegen den „handfesten“ Aspekt des Eindringens in bestehende Systeme am Beispiel der Überwindung Jack Torrances einer Badezimmertür mit Hilfe der Axt im Kubrick-Klassiker ‹The Shining›. Dabei wird auch deutlich: Das Brachiale eines Hacks scheint weniger im Werkzeug selbst, als im Modus Operandi und der damit verbundenen Handlungsintention zu liegen. Im positiven wie im negativen Sinne.

Tom Bieling, Dezember 2014


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* Dominik Landwehr (Hg.): Hacking; Edition Digital Culture 2; Migros-Kulturprozent, Christoph Merian Verlag; Oktober 2014, 260 Seiten, Deutsch/Englisch, ISBN 978-3-85616-642-7;
EUR 15,00

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Protest, Widerstand und Arbeitskämpfe von 1848 bis 1990

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Seit Beginn der Industrialisierung prägen Kämpfe um Produktion, Reproduktion und Teilhabe den Alltag von Arbeiterinnen und Arbeitern. Von den Protesten gegen Hunger der 1910er Jahre, über das Engagement für bezahlbaren Wohnraum Anfang der 1930er Jahre, bis hin zu den Streiks deutscher und migrantischer Arbeiterinnen und Arbeiter ab den 1970er Jahren ergibt sich ein breites Spektrum an Aktionsformen, sowie ohnehin eine große Bandbreite an politischen Motivationen, Forderungen, Handlungen und Utopien.

Das Erbe dieser Kämpfe wurde heute (am 6.12.14) im Rahmen einer Tagung im Berliner August-Bebel-Institut reflektiert, zu der Historiker/innen, Forschende und  Politiker/innen ebenso wie Aktivist/innen und Interessierte zusammenkamen.

Unterteilt in drei Themenblöcke (“Protest im Untergrund und öffentlichen Raum”, “Arbeitskämpfe und der Betrieb als Ort des Protest”, “Kämpfe um Reproduktion und Frieden”) ergab sich über den Tag verteilt ein historischer Umriss protestbezogener Zeit- und Raumachsen im deutschsprachigen Raum, speziell: Berlin und Brandenburg.

So sprach der Historiker Ottokar Luban über die Antikriegsagitation der Spartakusgruppe (1916–1918). Bernd Gehrke (ehem. Vertreter der Vereinigten Linken am Zentralen Runden Tisch 1989/90) durchleuchtete die Demokratische Revolution und den betrieblichen Aufbruch in der DDR. Über wohnraumbezogene Formen von Protest und Selbsthilfe in Berliner Arbeitervierteln während der Großen Depression 1931–1933 (»Erst das Essen, dann die Miete!«) berichtete Simon Lengemann. Erweitert wurde das Themenspektrum mit Beiträgen über die »Moabiter Unruhen« von 1910 (Holger Czitrich-Stahl), Begebenheiten an der Heimatfront (Henning Holsten) bis hin zu den Kämpfen koreanischer Krankenschwestern um Arbeit und Aufenthalt in den 1970er Jahren (Sina Schindler).

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“Vorwärts und nicht vergessen…”

Abgerundet wurde der Tag mit der Finissage zur Ausstellung »Vom K.G.B. zum V.B.K. – eine Spurensuche in Lichtenberg und Wedding«, in der es um Konsumgenossenschaften, ihre wirtschaftliche Macht, sowie letztlich deren politische Zerschlagung ging.

In großformatigen Fotografien der Künstlerin Julia Lazarus wurden Spuren des vergangenen genossenschaftlichen Lebens und Konsumierens in den Bezirken Wedding und Lichtenberg gezeigt, die von der Gegenwart überlagert werden.

Im wahrsten Wortsinn zum Ausklang brachte den Abend eine gemeinsame Sing-Runde der Teilnehmenden mit Liedern aus der Arbeiterbewegung. Begleitet an der Gitarre von Stadtrat Michael Karnetzki.

Tom Bieling, Dezember 2014

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Der Runde Tisch – Gespräch mit ProtagonistInnen

RunderTisch
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Am 7. Dezember 2014, dem 25. Jahrestag des ersten Treffens des Zentralen Runden Tischs* der DDR lädt die Galerie im Turm um 19 Uhr zum Gespräch in das Setting der Ausstellung “A Vocabulary of Revolutionary Gestures” am Frankfurter Tor.

Gemeinsam mit den ehemaligen TeilnehmerInnen des Zentralen Runden Tischs der DDR, Sebastian Pflugbeil (Neues Forum) und Judith Braband (Unabhängiger Frauenverband, Vereinigte Linke) wird über die Praxis und die Ziele der Runden Tische, ihre Rolle bei der basisdemokratischen Umgestaltung der im Umbruch befindlichen DDR, ihre Beziehung zu alten und neuen politischen Mächten, ihre Marginalisierung im Zuge des politischen Richtungswechsels auf die Wiedervereinigung hin, ihre Abwesenheit in vielen Formen des Erinnerns an 1989 – und schließlich die Frage gesprochen werden, was dennoch von ihnen bleibt.

*Bild: Der Raum des 1. Treffens des Zentralen Runden Tischs im Bonhoeffer-Haus, 2013

 

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Gutes Design – Martin Kelm und die Designförderung in der DDR

Nicht erst seit unserem Besuch der Rudolf Horn Ausstellung im Leipziger Grassi Museum (August 2014) berichtet DESIGNABILITES in unreglmäßigen Abständen über Design und Designer in der DDR. Mit “Gutes Design” haben nun Christian und Sylvia Wölfel gemeinsam mit Jens Krzy­win­ski ein Buch über die institutionelle Designförderung in der DDR veröffentlicht. Und beleuchten darin speziell die Rolle und das Wirken Martin Kelms, dem langjährigen Leiter des Amtes für industrielle Formgestaltung (AiF), der einstmaligen staatlichen Behörde für Planung, Leitung und Überwachung der industriellen Formgestaltung in der DDR.

Klappentext:
In den ver­gan­ge­nen Jah­ren hat sich das Inter­esse an ost­deut­schem Design und ost­deut­schen Desi­gnern spür­bar erhöht. Doch die Geschichte der zen­tra­len Desi­gnför­der­in­sti­tu­tion in der DDR, des Amtes für indus­tri­elle Form­ge­stal­tung (AIF) und sei­nes lang­jäh­ri­gen Lei­ters Mar­tin Kelm blieb trotz aller Forschungs-, Publi­ka­ti­ons– und Aus­stel­lungs­vor­ha­ben merk­wür­dig unter­be­lich­tet. Die­ser Band möchte daher mit Mar­tin Kelm einen Prot­ago­nis­ten des ost­deut­schen Indus­trie­de­signs zum Spre­chen brin­gen, des­sen Bio­gra­fie als Indus­trie­de­si­gner, SED-Mitglied und Staats­se­kre­tär untrenn­bar mit der Ent­wick­lung der ost­deut­schen Desi­gn­land­schaft ver­wo­ben war. In einem auto­bio­gra­fi­schen Text zeich­net er wesent­li­che Sta­tio­nen sei­nes per­sön­li­chen und pro­fes­sio­nel­len Wer­de­gangs nach und gibt damit einen Ein­blick in die For­mie­rung sei­nes Desi­gn­ver­ständ­nis­ses, das auf­grund der zen­tra­len Posi­tion Kelms für das ost­deut­sche Design als prä­gend zu bezeich­nen ist: Gestal­tung in und für die Indus­trie. Wei­tere Bei­träge von Indus­trie­de­si­gnern aus der DDR und der Bun­des­re­pu­blik, von His­to­ri­kern und Desi­gnwis­sen­schaft­lern zum Ver­hält­nis von frei­schaf­fen­den und ange­stell­ten Desi­gnern, zum Ein­fluss des AIF in Indus­trie­be­trie­ben und im Hoch­schul­be­reich, zum west-östlichen Aus­tausch oder zur sowje­ti­schen Per­spek­tive auf das AIF ergän­zen und ord­nen seine per­sön­li­chen Erin­ne­run­gen ein. Dabei zeigt sich eine breite Viel­falt von sub­jek­ti­ven Erfah­run­gen und Hand­lungs­fel­dern im ost­deut­schen Indus­trie­de­sign, die neben uner­träg­li­chen Repres­sio­nen auch uner­war­tete Frei­heits­grade und Raum für eigen­sin­ni­ges Han­deln bereithielten.

Neben einem auto­bio­gra­fi­schen Text von Mar­tin Kelm ent­hält der Band Bei­träge von Peter Alt­mann, Peter Frank, Ulrich Kern, Win­fried Klemmt, Jens Krzy­win­ski, Rolf Roeder, Anne Sudrow, Mar­ga­reta Till­berg, Swen Stein­berg, Syl­via Wöl­fel, Chris­tian Wöl­fel und der Stif­tung Haus der Geschichte der Bun­des­re­pu­blik Deutsch­land sowie Gesprä­che mit Karl-Heinz Schaar­schmidt, Bern­hard Sorg und Johan­nes Uhl­mann. Die Arti­kel und Inter­views wer­den ergänzt durch Kurz­bei­träge von Alex­an­der Hal­lasch, Ernst Jörg Krutt­schnitt, Christa Petroff-Bohne und Karl-Heinz Schaarschmidt.

»GUTES DESIGN — Martin Kelm und die Designförderung in der DDR«, her­aus­ge­ge­ben von Chris­tian Wöl­fel, Syl­via Wöl­fel und Jens Krzy­win­ski, 27 × 21 cm, 248 Sei­ten mit 209 Abbil­dun­gen. Erscheint bei The­lem Dres­den (ISBN 978–3-945363–11-9); 36,80 Euro.

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Elske Rosenfeld – A Vocabulary of Revolutionary Gestures

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Elske Rosenfelds Ausstellungsprojekt “A Vocabulary of Revolutionary Gestures”  bearbeitet filmisch und performativ Sequenzen historischer Ereignisse – 1989, 1968 und 2011/12. Ausgehend von ihrem eigenen Erleben der Ereignisse von 1989 in der DDR untersucht sie in ihren Video- und Performancearbeiten den Körper als Austragungsort und Archiv historischer Erfahrungen.

Im Zentrum der in der Galerie im Turm präsentierten Installation steht das Video „Ein bisschen eine komplexe Situation/A mass is gathering outside“, eine bearbeitete Szene vom ersten Treffen des Zentralen Runden Tischs der DDR am 7.Dezember 1989.

Im Kontext des Gedenkens an 25 Jahre Friedliche Revolution erinnert die Ausstellung an die Monate des Herbstes 1989 und die Arbeit der politischen Opposition im beginnenden Prozess des Findens eigener, originärer demokratischer Praktiken und Ausdrucksformen.

Ein zweiteiliges Ausstellungsprojekt bei Scriptings (Sept. 14) und in der Galerie im Turm (Nov. 14 – Jan. 15).

Veranstaltung am 07.Dez 2014, 19h:

Am 25. Jahrestag des ersten Treffens des Zentralen Runden Tischs der DDR lädt die Galerie im Turm zum Gespräch in das Setting der Ausstellung. Gemeinsam wird an die Erfahrung der Runden Tische erinnert, deren Praktiken und Ziele aus dem kollektiven Erinnern zu fallen drohen, wenn 1989/90 ausschließlich als Mauerfall/Wiedervereinigung erinnert wird.

Aktualisierte Informationen zu Gästen und Programm auf www.galerie-im-turm.net

Eröffnung am Donnerstag, 27.November 2014, 19 Uhr

Ausstellungsdauer: 28. September 2014 – 09. Januar 2015, DI – SO 12 – 19 Uhr

Veranstaltung: Sonntag, 07.Dezember 2014, 19h
Gespräch zum ersten Runden Tisch der DDR

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Galerie im Turm | Frankfurter Tor 1 | 10243 Berlin |
Öffnungszeiten: di – so, 12.00 – 19.00 Uhr

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Materialschlacht: “Design und Krieg”

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Das Verhältnis von Design und Krieg ist unsichtbar. Beide vermeiden eine allzu offensichtliche Beziehung, nutzen jedoch gerne neue und neueste Techniken zur Gestaltung ihrer Welt. Die Aktualität der asymmetrischen Kriegsführung des 21. Jahrhunderts zeigt jedoch, dass Handy und Internet genauso dringend gebraucht werden wie klassische Schusswaffen. Vielleicht muss die gestaltete Webseite einer Terrorgruppe mit seinen Propagandavideos als eine der größten Waffen in der Gegenwart überhaupt gelten. Diesem Themenkomplex widmet sich heute und morgen in Hanover das Symposium Design und Krieg.

Der 100. Jahrestag des Beginns des Ersten Weltkriegs fällt 2014 mit dem 75. Jahrestag des Beginns des Zweiten Weltkriegs zusammen. Das ist Grund genug, sich im Rahmen der Designforschung und ihrer wissenschaftlich benachbarten Disziplinen Fragen nach den Zusammenhängen zwischen Krieg und Gestaltung zu stellen.

Dieser Zusammenhang ist seit grauer Vorzeit unbestritten und vielfältig. Heraklits Fragment, der Krieg sei als Vater aller Dinge anzusehen, lässt sich auch heute noch so interpretieren, dass militärische Auseinandersetzungen stets große Ressourcen in die Entwicklung neuer Materialien und innovativer Anwendungen, in ungewohnte Formgebung und risikofreudige Projekte investierten, die in Friedenszeiten wohl niemals Förderer gefunden hätten. Von der Konservendose bis zur Schuhsohle aus Gummi, von der Fernmeldetechnik bis zur Luftfahrt, vom Geländewagen bis zur Teflonpfanne hat gerade im 20. Jahrhundert der tatsächlich geführte – aber auch nur der drohende – Krieg Herausforderungen an Designer und Gestalter gestellt. Funktionalismus, Kosten- und Materialeffizienz, massenhafte Produktion und simple Handhabbarkeit waren dabei ebenso wichtige Parameter wie die Rücksicht auf nationale Kulturhorizonte und ideologische oder politische Vorgaben. Von der Uniform bis zur Inneneinrichtung der Fahrzeuge, von der Entwicklung neuartiger Kommunikationsmedien bis zur Stromlinienform, vom Propagandamaterial bis zur Dokumentation sind sämtliche Gattungen und Fächer des Design gefragt und betroffen.

Und wie in kaum einem anderen Bereich menschlicher Interaktion wird im Krieg die Kategorie des „social design“ sichtbar: Gutes Design entscheidet womöglich über Leben und Tod des Benutzers. Dabei wird auch deutlich, dass Design nicht nur Diener des Krieges ist, sondern beide auch einiges gemeinsam haben: Design und Krieg sind beide gestaltend tätig, nehmen Einfluss auf das Aussehen und die Wahrnehmung von Materialien und von Landschaften, auf Nationalidentitäten und „Leitkulturen“. Gerade vor 1914 dient das Design wie auch der Krieg als Werkzeug, um auf die Masse einwirken zu können und so den „neuen Menschen“ oder eine „völkische Einheit“ zu gestalten.

Die Organisatoren der Tagung haben 19 Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler aus Theorie und Praxis eingeladen, diesen Fragestellungen zu folgen. Konkrete Probleme der Formgebung sollen dabei ebenso diskutiert werden, wie Perspektiven auf die ethische und soziale Verantwortung des Gestalters, materialhistorische Darstellungen sind ebenso gefragt wie aktuelle Forschungen etwa zum Zusammenhang von Mediendesign und Drohneneinsatz. Die Weltkriege dienen als historischer Horizont, sollen aber nicht als bindende Vorgabe für die einzelnen Beiträge verstanden werden.

Das Ziel des Symposiums soll es sein, den Krieg als Motiv zu benutzen, um das Zusammenwirken einzelner Disziplinen der Gestaltung deutlich werden zu lassen. Die theoretische Reflektion, die historische Forschung und die gestalterische Praxis erweisen sich dann – so die Erwartung – als immer schon eng verbundene Teile eines Ganzen, das sich mit dem Begriff Design belegen lässt.

via Martin Scholz und Friedrich Welzien designundkrieg.de

 

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Jeder kann hacken!

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Schrauben lösen, Kabel neu verlegen: Messer, Gabel und Pudelmütze werden zum Input für den Computer. Wie das geht, zeigt das Design Research Lab heute während seines vierten Workshops zum kreativen Umgang mit Elektronik, im Rahmen der CodeWeek. Diesmal im Tieranatomischen Theater Berlin (Lenther Steig 1, 13629 Berlin. 14 bis 17 Uhr).

Ziel ist es, neue Benutzerschnittstellen für den Computer zu entwickeln, indem die TeilnehmerInnen einen Blick “unter die Motorhaube” einer USB-Tastatur werfen. Der Workshop, der sich speziell an Jugendliche im Alter von 13 – 17 Jahren richtet, die Erfahrungen mit Elektrotechnik und Programmierung in Processing sammeln wollen, wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Moralische Produkte – Politik und Ethik von Artefakten

Ein Call for Papers für die Jahrestagung der Gesellschaft für Technikgeschichte 2015 im Zentrum für Zeithistorische Forschung, Potsdam (08.05.2015-10.05.2015): 

Moralische Produkte – Politik und Ethik von Artefakten 

„Do artifacts have politics?“ fragte Langdon Winner in einem einflußreichen Aufsatz der 1980er Jahre. „Do artifacts have ethics?“ lässt sich diese Frage auf der Basis jüngerer Forschungsansätze in der Technikgeschichte und der Geschichte der materiellen Kultur erweitern. Wie sind Artefakte und technische Systeme in der Vergangenheit Anlass, Mittel und Austragungsort von politischen und ethischen Debatten geworden? Wie hängen diese mit ihrer spezifischen Materialität zusammen? Und wie haben historische Akteure es verstanden, durch Prozesse der „Moralisierung“ in sozialen Aushandlungsprozessen Veränderungen in der gesellschaftlichen Deutung von Artefakten und Techniken zu erreichen? Zeichnen sich gemeinsame Muster dieser „Moralisierung“ – und „Ent-Moralisierung“ – von Produkten in verschiedenen Zeiten ab?

Im Verlauf der Technisierung aller Lebensbereiche in der Moderne sind Artefakte vielfältig Gegenstand der politischen und ethischen Auseinandersetzung geworden. Unter dem Schlagwort des „ethischen Konsums“ wird gegenwärtig das Verantwortungsbewußtsein von Konsumierenden bei ihren Kaufentscheidungen diskutiert. Als „unpacking the ethical product“ beschrieb Andrew Crane die Aufgabe an die Forschung, solchen Praktiken analytisch auf die Spur zu kommen. Wie aus E. P. Thompsons Konzept der „moralischen Ökonomie“ bekannt ist, entstanden soziale Protestbewegungen bereits in der Frühen Neuzeit aus der Auseinandersetzung um lebenswichtige Konsumgüter, deren Qualität, Preis oder Rohstoffbasis die Akteure problematisierten. Fragwürdige Herstellungs- und Handelsbedingungen wurden auch für politisch bewusste Konsumierende des 20. Jahrhunderts handlungsleitend. Entsprechende sozialmoralische Überlegungen gaben den Anstoß zur Gründung von Konsumgenossenschaften bis hin zu Fair Trade-Organisationen. Produzenten reagierten auf solche Herausforderungen und schufen neue Produkte, Marken und Praktiken eines verantwortlichen Unternehmertums. Die warenästhetischen Dimensionen von Produkten nutzten frühe Designer, um in „Kitsch“-Diskursen die Notwendigkeit von Gestaltungsreformen zu propagieren und gleichzeitig die Professionalisierung ihres Berufsstands voranzutreiben.

Doch auch auf weiteren Feldern sind die Prozesse der Herstellung und des Umgangs mit Produkten an Vorstellungen und Aushandlungen der „richtigen“ – und „falschen“ – Art zu handeln geknüpft. Waffen waren eine Produktgattung, deren Verwendung zu allen Zeiten ethisch umstritten war. Immer wieder gab es religiöse Vorbehalte gegen die Nutzung bestimmter Techniken und Artefakte. In vielen Bereichen erwuchs daraus die Bereitschaft einer gesellschaftlichen Regulierung. Auch die „Entsorgung“ von Produkten und die Bewertung, wann diese als verbraucht galten, waren ein Ausdruck von sich wandelnden gesellschaftlichen Wertsetzungen. Im Bereich der industriellen Produktion waren es im 20. Jahrhundert die Stoppuhr und die NC-Maschine, die dinglich neue Zeitregime und die Standardisierung menschlicher Arbeit durchsetzen halfen und auf Widerstände stießen. Neue Kommunikationsmittel und Medien waren Steine des gesellschaftlichen Anstoßes. Die Robotik und die Computerisierung ließen die Einzigartigkeit des menschlichen Handelns und Denkens erkennbar werden. Medizintechniken ermöglichten die Prognose von Krankheiten und erzeugten durch deren potenzielle Planbarkeit neue Handlungsanforderungen. Die Gentechnik und der mechanische Ersatz von Körperteilen sind schon als „klassische“ Felder der ethischen Technikkritik zu bezeichnen.

Der Tagung wird ein weiter Technikbegriff zugrunde gelegt. Als „Produkte“ sollen auf der Tagung explizit nicht nur technische Güter und Systeme, sondern ganz allgemein Gegenstände, die die Basis der materiellen Kultur vormoderner und moderner Gesellschaften bildeten, untersucht werden: nicht nur Konsumgüter, sondern auch Werkzeuge, Produktionsmaschinen und andere Investitionsgüter, sowie Energieformen, Stoffe und Rohstoffe, Waffen und Infrastrukturen. Auch Vorschläge aus an die Technikgeschichte angrenzenden Disziplinen sind willkommen (Politik- und Konsumgeschichte, Umweltgeschichte, Designgeschichte, empirische Kulturwissenschaften, Museumspädagogik, historische Semantik, Wissenschaftsgeschichte, Technikwissenschaften, Soziologie etc.).

Gesucht werden Beiträge, die die politischen bzw. ethischen Dimensionen sowie die Prozesse und Strategien der „Moralisierung“ und „Ent-Moralisierung“ von Produkten wahlweise auf fünf Ebenen diskutieren:

1. Fallstudien zu einzelnen Produkten: Wie wurden Produkte von historischen Akteuren zum Gegenstand der sozialen Wertsetzung und zu „Medien“ gemacht, um politische und ethische Fragen zu thematisieren und soziale, technische, wirtschaftliche und ökologische Zusammenhänge in der materiellen Zirkulation (von Rohstoffen/Materialien, Artefakten und Informationen) aufzuzeigen und als politische Gestaltungsräume erkennbar zu machen? Mit welchen Argumenten wurden Produkte „moralisiert“ (z. B. demokratischer Zugang, Exklusivität, Originalität, Authentizität, Materialgerechtigkeit, Nachhaltigkeit, Solidarität etc.)?

2. Produkte selbst als moralische Aktanten:
Inwieweit sind Produkte in diesem Prozess selbst als „Aktanten“ erkennbar, die bestimmtes Handeln nahelegten, anderes ausschlossen? Inwieweit wurde eine bestimmte „Moral“ den Gegenständen eingeschrieben (im Sinne eines Skripts)? Im Interesse welcher Akteure oder sozialen Bewegungen wirkten sie? Welche Wahrnehmungen der Wirklichkeit ermöglichten bzw. verhinderten sie? Wie wandelten sich diese Prozesse der „Werteinschreibung“ im Laufe der Zeit?

3. Das Verhältnis sozialer und politischer Bewegungen zu Artefakten: Welche sozialen und politischen Bewegungen bzw. historischen Akteure bauten in der Vergangenheit Artefakte und die aktive Veränderung ihrer Bedeutung in ihre Strategien der Auseinandersetzung ein? Welche spezifische Rolle spielten dabei materielle Artefakte? (Maschinenstürmer, koloniale Befreiungs- und Bürgerrechtsbewegungen, Autarkiepolitiken, Luxusdiskussionen, Boykotte, Kommodifizierungsdebatten, Umweltökologie, Globalisierungskritik, Do-it-yourself etc.)

4. Muster und Mechanismen der „Moralisierung“ von Artefakten und technischen Systemen: Welche Legitimations- und Delegitimierungsstrategien ergriffen die historische Akteure, um bestimmte Produkte und die sozialen Prozesse entlang ihrer Produktlinie ethisch in Frage zu stellen – um Bedeutungsverschiebungen auf semantischer Ebene von Produkten zu erreichen und neue Felder der gesellschaftlichen Aushandlung zu eröffnen? (z. B. Politisierung, Emotionalisierung, Medialisierung, alternative Praktiken, neue wissenschaftliche Analysemodelle und Darstellungsformen)

5. Darstellungsweisen: Wie lässt sich die „Aura“ solcher Produkte in historischer Perspektive erforschen, museal bzw. wissenschaftlich rekonstruieren und darstellen?

Die Jahrestagung der GTG 2015 wird vom Zentrum für Zeithistorische Forschung Potsdam in Kooperation mit dem Gesprächskreis Technikgeschichte (GKTG) organisiert. Der Tagungsort wird Potsdam sein.

Angebote für Vorträge (20 Min., Abstracts von 350-400 Wörtern) sowie ein Kurzlebenslauf werden bis zum 18.1.2015 erbeten an:
Dr. Anne Sudrow (sudrow[at]zzf-pdm.de), Zentrum für Zeithistorische Forschung, Potsdam.

 

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Elektronische Sounds malen

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Mit einem weiteren Workshop beteiligte sich das Design Research Lab Berlin heute aktiv an der CodeWeek. Diesmal: in Rottweil. Zur Diskussion standen Möglichkeiten und Anwendungsgebiete des Codings im Kontext von Sound: Wie kann man mit Hardware, Code und Farbe elektronische Musik machen? Wie lassen sich eigene Controller für selbst generierte Beats gestalten?

In dem Workshop (Leitung: Alexander Müller-Rakow) wurden der Aufbau von interaktiven und sensorbasierten Systemen erklärt, sowie Zugänge zu Open Source und Gestaltungsmöglichkeiten von Soft- und Hardware vermittelt. Dies geschah anhand der praktischen Umsetzung von elektronischen Klangbildern, deren Aufbau aus einem gezeichneten Bild, einem elektronischen Berührungssensor und einer damit verbundenen (Sound-)Software bestand.

Mit einer Kombination aus einer modularen Programmieroberfläche und Elektronik-Komponenten konnten Schüler und Schülerinnen der Konrad-Witz-Schule interaktive Anwendungen mit elektronischen Klängen umsetzen. Der praktische Schwerpunkt lag dabei auf der eigenen Gestaltung und Einbindung von Sensoren zur Erfassung menschlicher Gesten, so dass Klänge durch Bewegungen gesteuert werden konnten. Dabei wurde insbesondere Open Source Hard- und Software wie z.B. Arduino oder das MakeyMakey Toolkit verwendet.

Der Workshop wurde im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Konkrete Utopien: Die analoge Revolution

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Vernetzt und “always on” zu sein gilt als das Lebensgefühl des 21. Jahrhunderts schlechthin. Angesichts eines anwachsenden “Internets der Dinge” wird sich unser Verhältnis zur permanenten Verbundenheit vermutlich in mehr als eine Richtung der Extreme intensivieren.

Im Lichte einer sich konstituierenden “Technatur” führt der Schritt über das Internet möglicherweise zurück zum realen Leben: Eine analoge Revolution! Wenn sich einerseits lebensähnliche Organismen künstlich erzeugen lassen, andererseits die Biomimikry der Technologiegestaltung die Grenzen zwischen Mensch, Tier und Maschine zunehmend verschwimmen lässt; wenn zunehmend neue, lebensähnliche Maschinen entstehen, die in ein weltumspannendes Sensorennetz eingebunden sind, so wirft dies ethische Grundsatzfragen auf. Wem dient das? Wer steuert das Netz der Netze? Oder inwiefern kann ein lebendiges, dezentrales Selbstbewusstsein von Menschheit und Natur entstehen?

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[Christian Schwägerl bei seinem Vortrag und im anschließenden Gespräch mit Michael Knoll (Foto: Tom Bieling)]

Diesen und anderen Fragen widmete sich Wissenschaftsjournalist und Biologe Christian Schwägerl beim heutigen Gespräch mit Michael Knoll, dem Leiter des Büros Berlin der Gemeinnützigen Hertie-Stiftung in einer Podiumsdiskussion in der Heinrich-Böll-Stiftung, bei der es darum ging kulturell verankerte oder utopisch projizierbare Grenzen zwischen Technik und Natur zu hinterfragen und neu zu verorten.

Als Mann der Wissenschaft von Hause aus eigentlich mehr an der Science als an der Fiction interessiert, bediente sich Schwagerl dabei der Vermittlung von Szenarien, mit deren Hilfe er anschaulich und fesselnd mitunter drastisch dystopische Pfade erschloss.

Da “Szenarios” im Unterschied zur “Prognose” allerdings zunächst einmal ja nichts anderes bedeuten, als über den Tellerrand des Faktischen hinaus zu blicken, lassen sie immer noch Raum für Hoffnung und Handlungsoptionen, insofern Szenarien eben immer auch Alternativformen beinhalten. Alternativformen, die nicht zuletzt aus  gegenwärtigen, gesellschaftlichen und politischen Umgangsformen mit der Fragestellung resultieren, wie wir mit der Tatsache umgehen wollen, dass Technik zunehmend lebendig wird und Natur mit dem digitalen und artefaktischen verschmilzt.

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 [Aktuell: Christian Schwägerl: “Die analoge Revolution – Wenn Technik lebendig wird und Natur mir dem Internet verschmiltzt” (Riemann, September 2014). Zuvor erschienen: Schwägerl Buch über das Anthropozän “Menschenzeit – Zerstören oder gestalten? Die entscheidende Epoche unseres Planeten” (Riemann) und “11 drohende Kriege – Künftige Konflikte um Technologien, Rohstoffe, Territorien und Nahrung” (C. Bertelsmann)]

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Schrottküche

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[English Version below!]

Welche Roh- und Wertstoffe befinden sich in unseren mobilen Geräten? Unter welchen Produktionsbedingungen sind diese Geräte entstanden? Wie verhält es sich um ihren Lebenszyklus und das Leben nach ihrem Gebrauch?

Im Rahmen der Code Week übt ein Team aus dem Design Research Lab der Berliner Universität der Künste mit Jugendlichen der Initiative „Schlesische 27“ den Umgang mit wertvollen Ressourcen, die im sogenannten Elektroschrott begraben liegen. In diesem Zuge werden beispielsweise aus ausrangierten und kaputten Handies kleine Roboter oder Alarmanlagen gebaut.

Ziel ist es, durch den spielerischen Umgang mit Hardware die Begeisterung für eigenständiges Programmieren und aktives Eingreifen in bekannte Strukturen zu wecken. Einen Grundkurs in Elektrotechnik und nachhaltiger Verwertung gibt´s gleich dazu.

Der zweitätige Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert. Er findet in Kooperation mit der Einrichtung „Schlesische 27“ statt – einem internationalen JugendKunst- und Kulturhaus im Berliner Bezirk Friedrichshain-Kreuzberg. Hier treffen sich Kinder und Jugendliche mit Künstlerinnen und Künstlern aus allen Sparten. Zusammen erkunden sie in kreativen Projekten die Welt und stellen das Alltägliche auf den Kopf. Der Kurs findet statt mit Teilnehmern und Teilnehmerinnen der Extra3 – Bildungs-manufaktur.

Die Ergebnisse lassen sich anschließend online auf www.schrottkueche.de begutachten.

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How do you turn discarded, old mobile phones into robots or alarm systems? The Design Research Lab of the University of Arts Berlin teaches kids in a playful manner how it is done.

The workshop is funded by the Federal Ministry of Education and Research in the context of the Science Year 2014. It will take place at the ‘Schlesische 27′ in Berlin Kreuzberg over a period of 2 days. It is designed for participants of its youth programme. The group will learn how to handle valuable ressources buried in so-called electronic scrap.

The event aims at a playful experience with hardware and programming. Kids will also learn basics about electrical engineering and sustainability.

‘Schlesische 27′ is an international YouthArt- and Culture institution where children and teenagers meet and work closely with artists from all areas of expertise.

Some impressions will be displayed here afterwards: www.schrottkueche.de


Happening at 
Schlesische Straße 27, 10997 Berlin
From Monday, October 13, 2014 at 09:00 to Tuesday, October 14, 2014 at 15:00

 

Der Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

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Das gute Fressen

Der Trend zu bewusster Ernährung und der bevorzugten Verwendung von regionalen, saisonalen, Bio- oder veganen Lebensmitteln hat sich längst aus den subkulturellen Nischen vergangener Jahre heraus, mitten in den Mainstream urbaner Gesellschaften hinein etabliert. Die bewusste Beschäftigung mit der Herkunft und Produktion der Nahrungsmittel sind zu elementaren Faktoren unseres Konsumverhaltens geworden.

DESIGNABILITIES empfiehlt heute fünf Dokumentationen, die sich diesem Themenkomplex aus unterschiedlichen Blickwinkeln nähern und deren Trailer wir im folgenden kurz zusammengestellt haben.

Die jüngste davon – Food Chains – setzt sich kritisch mit den Hintergründen und systemischen Verzahnungen der industriellen und landwirtschaftlichen Massenproduktion auseinander.

Die Dokumentation Slow Food Story porträtiert die Ursprünge und Auswüchse der gleichnamigen Bewegung, welche ihren Ursprung in der kleinen Stadt Bra im Nordwesten Italiens hatte. Vor 25 Jahren traten die Einwohner dieses kleinen Städtchens den Kampf gegen die großen Fast-Food-Konzerne an und weigerten sich, eine Filiale in ihrer Heimat zu akzeptieren. Nach einem Vierteljahrhundert ist die Bewegung in über 150 Ländern vertreten. Die Mitglieder setzen sich gegen minderwertiges Fast-Food und für den gesunden und bewussten Umgang mit Lebensmitteln ein.

In GMO OMG werden drastische Auswirkungen des Anbaus, Vertriebs und Konsums von genmanipulierter Nahrung beleuchtet.

Still erzählt die Geschichte einer jungen Bäuerin im bayerischen Oberland. Als junge Frau verlässt den Hof der Eltern und geht auf eine Alm in den Bergen. Abgeschieden von der Welt im Tal führt sie ein einfaches, aber freies Leben, gebunden nur an den Rhythmus, den die Tiere auf der Alm ihr vorgeben. Uschi melkt, buttert und macht Käse. Sie ist eins mit sich und den Tieren, für die sie Verantwortung übernommen hat. Eine Dokumentation über ein(en Traum vom) Leben auf der Alm. Voller Widrikeiten, aber eben auch: wider alle äußeren Zwänge.

In ihrer Dokumentation Le Semeur begegnet Julie Perron dem kanadischen Künstler und Samenforscher Patrice Fortier, der sich mit seinen Aktionen für den Erhalt der Pflanzenvielfalt einsetzt und auf seiner Farm insbesondere der Zucht und dem Erhalt vergessener Samen widmet.

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Grenzgänge, Low Tech and Urban Gaming #Unlimited

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After yesterday’s finissage, the Berlin Unlimited Festival ended with a couple of guided and participatory walks through urban and periphal areas in and around Berlin today (“Autobahn’strip”, “Restricted Areas”, “Meeting with Gropiusstadt”). Before Narcelio Grud started his collective “paint-bike” ride trip through the city, Jens Denissen and Léa Donguy invited participants to their Grenzgang project, focusing on suburban spaces. Open to detours and drifting, such walks are an effective tool for a sensitive experience of the contemporary metropolitan fabric.

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[Structures to actions of urban art: Low tech tools such as painting brooms to explore and interact with urban space]

Materials found and created along the way were collected to build a suburban narrative and were conducive to an evolutionary exhibition. Thus, walking on the edges – randwandern – allowed to discover the surrounding territories through bodily immersion. Another perception of metropolitan and cultural limits occured. The form emerging from such walks gives a both mental and physical continuity to highly frequented spaces. This practical yet playful approach is bound to a theoretical one in order to create an embodied knowledge of Berlin’s edges.

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[Urban spaces shape and mold humanity’s collective imagination]

Earlier this week Urban gaming was discussed as an approach to stimulate participatory planning and city making. Different methods such as comprehensive neighbourhood maps were being used as game boards to position contextualized icons and visualize collaborative development strategies. Local stakeholders were divided into teams, competing, negotiating and creating partnerships in order to solve some of the urgent neighbourhood issues, such as reconstruction and activation of the neighbourhoods.

Through engaging material, such as infographics, video material or board games, the public would have the opportunity to learn more about specific city quarters and urban areas and how to disrupt the conventional, top-down approaches of neighbourhood planning by bringing its essence – the design and programming of physical space – back to the actual users.

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Reaktive Voodoo-Puppen

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Im Rahmen der CodeWeek veranstaltet das Design Research Lab heute einen Workshop mit Schülerinnen und Schüler der Oberschule in Frankfurt (Oder). Unter dem Überthema “Smarte Textilien” wird gemeinsam mit leitendem Garn und textilen Sensoren experimentiert, „weiche“ Schaltkreise entwickelt und dabei spielerisch erörtert, wie man interaktive Kleidungsstücke oder textile Gegenstände mit elektronischen Elementen und/oder Mikrocontrollern ausstatten und somit leblosen Objekten „Leben einhauchen” kann.

Worauf wir am meisten gespannt sind: Eine Gruppe entwickelt dabei kleine “Voodoo-Puppen” anhand derer sich Grundlagen der Elektronik und des Programmierens erlernen und veranschaulichen lassen. Der Workshop wird im Rahmen des Wissenschaftsjahres 2014 vom Bundesministerium für Bildung und Forschung gefördert.

 

 

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BERLIN UNLIMITED (Urban Arts Festival)

 

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Probably unlike those of any other city the limits of Berlin have changed and evolved throughout the last hundred years, transforming the urban fabric as well as the way the city is used, inhabited and comprehended.

Only 25 years after the fall of the wall and the end of the “concrete division” (Willy Brandt, 10.11.1989), the city of Berlin continues to undergo processes of re-definition and growth – a complex urban and political negotiation – between the often rapid development of new borders, existing or emerging invisible frontiers and the resulting clash of parallel worlds; between the renewal of its own image as a “creative capital” while simultaneously encouraging corporatism; between romantic fantasies and urban realities.

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By the spatial and political frontier between the world’s two dominant ideologies of the time, Berlin has in these last 25 years been stitching back its halves. Still, if «one divides into two, two doesn’t merge into one». By removing the wall entire neighbourhoods in the former suburbs of former West and East berlin have been transposed onto the present centre of a new Berlin. A unique situation arose where an abundance of otherwise neglected and forgotten spaces were suddenly located at the heart of the new city, available to all kinds of old and new occupants – home-buyers and tenants, residential and commercial developers, companies and investors – pointing to Berlin as the city of newly born ambitions and opportunities. And while this radical regeneration of the inner-city is on its way, progressively filling the gaps and re-appropriating history’s left-overs, the expansion of the greater urban territory stretches Berlin’s self-defining limits. Is a «Great Berlin» replacing the neatly delimited «island» of the past?

By means of art and creative media, architecture and urban design, theory and research, the Berlin Unlimited Festival at ZK/U (Zentrum für Kunst und Urbanistik) aims to explore an interdisciplinary narrative of the city and to cast a critical eye on former limits, today’s limitations and tomorrow’s potential new divisions.

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[Robert K. Huber (Zukunftsgeräusche) about “Material.Message.Action.Value”]

Including an exhibition, a symposium, workshops, film screenings, performances and guided tours, the festival displays the work of local and international artists, architects and researchers, tackling different perspectives of “Limit”, such as “power”, “money”, “body”, “time”, “walls”, “ground” or “disctance”.

During the upcoming week @dsgnblts will keep on reporting from the festival and its various events, which started yesterday (october 3) and goes until the 10th of october. We will talk about artistic, un/realistic, speculative and applied discourses, projects and perspectives about politics, participative planning, law and transgression. About movement(s), physical boundaries and urban isolation. About urban sprawl, suburban conditions, public spaces and their possible uses. About alternative currencies and economy in the neoliberal city, about democracy and how the city works. About limits, chances, dreams and fears. About Berlin….unlimited.

via #berlinunltd

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Brave New World (Lodz Design Festival)

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The 8th Lodz Design Festival, starting tonight, features several projects providing a reinterpretation of the Brave New World motto. Generally asked: Does bold designing entail a promise to change your life for the better? How does it affect the process of building the “Brave New World”? The Festival ends on the 19th of october 2014.
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Telemedizin: Vision oder medizinischer Standard der Zukunft?

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Kein Zweifel: Die Digitalisierung der Medizin wird das Gesundheitssystem verändern. Eine nicht unerhebliche Rolle dürfte in diesem Zusammenhang der Telemedizin zukommen. Insbesondere im Hinblick auf ausdifferenzierte Diagnosetechniken, sekundäre Prävention sowie das heikle Thema Patienteninformation, entfachen sich dabei Hoffnungen und Heilversprechen, aber auch Sorgen um Datensicherheit und Kontrollwahn.

Wie realistisch ist das Zukunftsszenario eines Chirurgen, der von einem Ort der Erde gleichzeitig sieben Operationen per Computer und Internet leitet? Operieren künftig Roboter? Inwiefern kann die Übermittlung von medizinischen Daten zu Blutdruck, Insulinwerten oder Cholesterin vom Patienten zum Arzt die Behandlungsmöglichkeiten verbessern?

Die Entwicklung zukunftsorientierter und bedarfsgerechter Telemedizin-Anwendungen steckt noch in den Kinderschuhen. Welche Möglichkeiten – aber auch Probleme –  durch den Einsatz von digitalen Informations- und Kommunikationstechnologien entstehen können, und was die telemedizinische Vernetzung in Bezug auf Rahmenbedingungen wie Datenhoheit und Haftung bedeutet, wird am 13. Oktober in der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften in drei Impulsvorträgen und einer Podiumsrunde diskutiert.

Montag, 13. Oktober 2014, 18 Uhr
Telemedizin: Vision oder medizinischer Standard der Zukunft?
Berlin-Brandenburgische Akademie der Wissenschaften, Einstein-Saal
Jägerstraße 22/23, 10117 Berlin

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[Programm. Click to enlarge!]

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Macht des Materials – Politik der Materialität

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[Buchpräsentation mit den Herausgeberinnen Kerstin Stakemeier (links) und Susanne Witzgall (rechts)]

Seit einigen Jahren lässt sich in den Künsten und Wissenschaften ein neu gewonnenes Interesse an Materialismen registrieren: Es werden Eigendynamiken und Wirkungsmächte von Materialien, Dingen und Materien postuliert, und neue Akteure in den Beziehungen von Kultur und Natur identifiziert.

Angesichts der tendenziellen Krisenhaftigkeit des Kapitals und vor dem Hintergrund einer zunehmenden Auflösung tradierter Dichotomien (Körper-Geist; Natur-Kultur;…) gewinnen Diskurse um den “New Materialism” und einen “speculative Realism” fortwährend an Fahrt.

In der Berliner Buchhandlung pro qm stellten die Herausgeberinnen Susanne Witzall und Kerstin Stakemeier gestern ihr Buchprojekt »Macht des Materials/Politik der Materialität« vor, in dem sie Positionen zur (nicht nur kapitalistischen) Krise und Materialität in der Kunst, etwa anhand der Bezugsparameter ‘Formwerdung’ und ‘Digitalität’ versammeln.

Mit dabei sind u.a.: Diana Coole (“Der neue Materialismus: Die Ontologie und Politik der Materialisierung”), Tim Ingold (“Eine Ökologie der Materialien”), Colin Renfrew (“Material engagement als kreativer menschlicher Prozess und das kognitive Leben der Dinge”), Sofia Hultén (“Purpose Unknown”), Diedrich Diederichsen (“Ist der Marxismus ein Korrelationismus?”) und Costas Lapavitsas (“Die (Im)Materialität der Ökonomie”).

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Susanne Witzgall, Kerstin Stakemeier (Hg.):
Macht des Materials / Politik der Materialität
Diaphanes, 2014. ISBN 978-3037-3466-55
EUR 30.00

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“Exemplary” Finissage (MAK, Vienna)

It’s been a pleasure to be part of the “Exemplary” exhibition at #MAK Austrian Museum of Applied Arts (Vienna). Last chance to visit it at the Finissage today!

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[Click to enlarge!]

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Die Linke und der Krieg (Ausstellungsfinissage)

Der Erste Weltkrieg bildet eine Zäsur in der Geschichte der Arbeiter/innenbewegung: Die SPD-Fraktion im Reichstag stimmte 1914 den Kriegskrediten zu, 1917 spaltete sich die USPD als pazifistischer Flügel ab, bald entstand daraus die KPD. Bis heute streiten Linke über eine angemessene Position zu Krieg. Was bedeutete und was bedeutet heute die Auseinandersetzung mit Krieg für (linke) Politik in Deutschland?

Die Ausstellung “Menschen gegen den Krieg. Proteste in Berlin 1914/18″ im Berliner August-Bebel-Institut (Wir berichteten!) ging heute mit einer Podiumsdiskussion zu historischen und kontemporären Fragen im friedens- und kriegspolitischen Diskurs zu Ende. Moderiert von Historikerin Gisela Notz  (Herausgeberin von »Krieg tötet Zukunft, Erinnerungen von Lucia Kurlbaum-Beyer«) äußerten sich der Vorsitzende der Berliner Linken Klaus Lederer (“Ich bin nicht zwangsläufig Pazifist, aber Antimilitarist!”), Mark Rackles (stellvertretender Vorsitzender SPD Berlin, Staatssekretär für Bildung), der für den zuvor angekündigten Jan Stöß eingesprungen war und der Historiker Axel Weipert (u.a. »Das Rote Berlin. Eine Geschichte der Berliner Arbeiterbewegung 1830-1934«) zum Thema.

Gemeinsam erinnerte man an die Anti-Kriegs-Proteste der 1910er Jahre, die Rolle der Frau in der Arbeiterbewegung, an Errungenschaften der Friedensbewegung der 1980er Jahre, und skizzierte schließlich Herausforderungen für aktuelle und künftige friedenspolitischen Bewegungen.

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[“Von einer allgemeinen Kriegsbegeisterung vor 1914 kann keine Rede sein” Axel Weipert (rechts) bei der Abschlussdiskussion. Daneben sitzend v.l.n.r.: Klaus Lederer, Mark Rackles und Gisela Notz]

 

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As if…

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… it was a dream, with a rational trajectory.
We don’t need to dream of electric sheep. We can already speculate with precision!

The Bremen based IMMIGRATION OFFICE comes up with an exhibition of contemporary cultural and technological narratives constructed by a set of different ideologies and configurations, tonight. We will get to see a collection of “staged speculations of parallel worlds and made up supposes, maybes, perhapses and probablys in all their possible transfigurations”.

And the announcement goes like this: “Scenarios that break out of the chronology of history and future can provide an embodied possibility for analysing, critically questioning and re-evaluating existing cultural phenomena”.

Opening: 2. October, 20:00 Uhr
Opening Hours: 3 – 5. October, 17:00 – 19:00 Uhr

IMMIGRATION OFFICE
Am Dobben 36
Bremen

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Technik und Protest

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Technik verändert die Gesellschaft und ihr Naturverhältnis. Sie ist Gegenstand und zugleich Ausgangspunkt und Antriebsfeder für Ängste, Konflikte, Hoffnungen und Heilversprechen.

Ob Flughäfen, Stromtrassen, Atommüllendlager, Bahnhöfe oder Bauten zum Hochwasserschutz: Proteste gegen Infrastrukturprojekte haben Konjunktur. Nicht nur in Deutschland, sondern weltweit lösen große Energie- und Verkehrsprojekte Protest aus, vor allem dann, wenn die Planung ohne Zustimmung der im unmittelbaren Umfeld lebenden Bevölkerung und/oder ohne die Einhaltung von Umwelt- und Sozialstandards geplant werden.

Im Rahmen einer zweitägigen Konferenz (22./23.9.2014) der Initiative für Protest- und Bewegungsforschung (IPB), dem Zentrum Technik und Gesellschaft (ZTG) und der Zentraleinrichtung Wissenschaftliche Weiterbildung und Kooperation (ZEWK), wurde an der Berliner TU (Technische Universität) das Verhältnis von Technik und Protest und sozialen Bewegungen und dessen Reflexion in der aktuellen Technikdebatte und Innovationsforschung in den Blick genommen.

Dabei wurden sowohl technische Dimensionen betrachtet, als auch eine Einbettung der Problematik in gesellschaftlichen Praktiken gefordert und vollzogen, was erfeulicherweise immer wieder zu mittelhitzigen Debatten führte. Nicht zuletzt dann, wenn begriffliche Unschärfen drohten, den Diskurs zu verwässern (“Partizipation schön und gut! Aber an was genau ist wie zu partizipieren?”).

Thomas Saretzki (Leuphana Universität) fasste dieses Problem im ersten Panel  mit der Einsicht zusammen, dass nicht nur Technik selbst Konfliktpotenzial in sich birgt, sondern wir es überdies mit “Konfliktefinitionskonflikten” zu tun haben. Ein Problem, das gerade dann fatal zu werden beginnt, wenn diejenigen, die von Technikfolgen betroffenen sind, von Aufklärungs- und Entscheidungsprozessen ausgeschlossen werden. Monika Bricke (Klima Allianz Deutschland) brachte es auf den Punkt: “An zwei Dritteln der Menschen reden wir vorbei”.

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[Prof. Dr. Dieter Rucht vom Wissenschaftszentrum Berlin für Sozialforschung in seiner Eröffnungsrede]

Kernfragen im Verlauf der Tagung waren daher auch folgende: Wie können für weitreichende technologie- und innovationspolitische Entscheidungen künftig zivilgesellschaftliche Akteure mobilisiert werden, um die Effektivität wie Legitimität solcher Entscheidungen zu steigern? Wie wirkungsvoll ist derzeit die breite Beteiligung und ist die Anerkennung von Protesten nur symbolischer bzw. rhetorischer Natur? Welche Folgen für die Technikentwicklung haben die Interventionen zivilgesellschaftlicher Berater und Kritiker? Inwiefern geraten Bewegungen selbst in den Fokus der (Überwachungs-)Technik?

Beispielhaft wurden dazu vergangene, gegenwärtige und geplante Entwicklungen diskutiert, anhand derer die aktuellen Konstellationen von Technik und Protest auszuleuchten sind. In aufeinanderfolgenden Themenpanels (Techniksoziologie und Innovationsforschung, Risikotechnologien, Energiekonflikte, Entwicklungen im globalen Süden, Big Data und Kontrolle) wurde dabei nicht zuletzt deutlich, dass Technik beides zugleich sein kann: Problemlöser und Problemverursacher. Gleichwohl kann Technik nicht losgelöst von den an ihrer Entstehung und Einbettung beteiligten Akteuren bewertet werden. Allem voran: den Unternehmen, der Wissenschaft und der Politik, aber auch Verwaltung, Gewerkschaften und Zivilgesellschaft.

“Technik”, so Ralf Fücks (Vorstand der Heinrich Böll Stiftung), “ist nicht neutral, sondern entfaltet selbst eine politische Wirkungsmacht”. Ein Aspekt, der im Rahmen der Poster-Session am ersten Konferenztag mit einem DESIGNABILITIES / Design Research Lab Projekt aufgegriffen werden konnte. Anhand der “LormHand” wurden Blickwinkel in Bezug auf barrierefreie Zugänge zu Information und Gesellschaft geschärft, das Prinzip Technik als Empowerment diskutiert, und schließlich Inklusion als Ausgangspunkt für technische und soziale Innovation erhoben.

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[Technik, Inklusion und Empowerment am Beispiel der LormHand]

 

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Forms of Distancing – Repräsentative Politik und die Politik der Repräsentation

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Welche Rolle spielen mediale Inszenierungen bei der Steuerung demokratischer Meinungs- und Aushandlungsprozesse? Wie wird Öffentlichkeit von der Politik manipuliert?

Die von Stefano Collicelli Cagol und Luigi Fassi kuratierte herbst-Ausstellung „Forms of Distancing“ untersucht, wie sich irreführende politische Strategien auf Alltags- und Arbeitswelten auswirken, und welche alternativen Formen von Gemeinschaftsleben sich daraus ableiten lassen.

Das Thema “Distanz” scheint in jüngster Vergangenheit Konjunktur in verschiedenen zeitgenössischen Annäherungsweisen künstlerischer Auseinandersetzung zu haben. Angesiedelt im Spannungsfeld zwischen der Analyse von Repräsentationspolitiken und ihrer formalen Inszenierung wird in „Forms of Distancing“ das Konzept der Repräsentation in seiner künstlerischen wie politischen Ausformung beleuchtet.

Zu sehen in der herbst-Ausstellung vom 27.09. bis zum 23.11. im Festivalzentrum Graz. Eröffnung am Sa 27.09 um 18.00 Uhr.

via Steirischer Herbst

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Signatur des Digitalen

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Der Umgang mit den digitalen Tools verändert nicht nur unsere Art zu denken, zu kommunizieren und zu produzieren, sondern verändert auch unsere Erwartungen an die Benutzung und die Materialität der physischen Welt. Doch wie so oft gilt auch hier: Nicht alles, was gestaltet wird und technisch umsetzbar ist, ist langfristig wirklich hilfreich und sinnvoll.

Das Symposium Signatur des Digitalen wirft einen Blick durch die Designerbrille auf Anwendungsfelder, Innovationspotenziale, neue Industriezweige und konkrete Produkte. Eingerahmt von Vorträgen und Podiumsdiskussionen steht der gesellschaftliche Umgang mit diesen neuen Quantitäten und Qualitäten von technischen Möglichkeiten im Fokus.

Keynote: Signatur des Digitalen
Prof. Dennis Paul der Hochschulen für Künste in Bremen und Berlin
An den interaktiven, prozesshaften und veränderlichen Eigenschaften zwischen Design und Technik arbeitet Prof. Dennis Paul, die er kurz die „Signatur des Digitalen“ nennt.

Designabilities and Wearable Computing
Tom Bieling, Doktorand am Design Research Lab, 
UdK Berlin
Auf soziale und politische Dimensionen von Design in Bezug auf Interaktion, Inklusion und Innovation konzentriert sich der Design-Forscher und Autor Tom Bieling.

Generative Gestaltung
Benedikt Groß, Designer und Autor 
Um die Faszination der Beziehungen zwischen den Menschen, ihre Daten, Technologie und Umwelt beschäftigt sich die Projekte von Benedikt Groß, Co-autor des Buches Generative Gestaltung – das Buch auf dem Gebiet der Computational Design.

Smarthome
Dipl.-Ing. Albert Schuster
 General Manager, Werner Sobek Design GmbH, Stuttgart
Verantwortlich für Entwurf, Generalplanung, Interface-Entwicklung und dem Nachhaltigkeitskonzept des Forschungsprojektes Aktivhaus B10 in Stuttgart ist Dipl. Ing. Albert Schuster. Er wird das Projekt und die Designlösungen vorstellen.

DutchDesignDesk
Marc Maurer, Architekt
Mit dem Ziel sich 2014 auf Deutschland, den größten Geschäftspartner der Niederlande zu konzentrieren, präsentiert Marc Maurer mit internationalen Erfahrungen in der Kreativwirtschaft (Design, Fashion, Architektur und neue Medien) das Dutch Design Desk Europe (DDDE).

 

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Akademie der Asozialität

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[“Teilen heißt jetzt share. Gefällt mir nicht!”]

Christiane Kühl kuratiert beim Steirischen Herbst die “Akademie der Asozialität”, in deren Rahmen sich Künstler, Historiker und Soziologen mit erzwungener Teilhabe auseinandersetzen.

Der Begriff und die Praxis des Teilens werden heutzutage maßgeblich durch die digitale Vernetzung geprägt. In seiner virtuellen Verbundenheit mit der Welt ist der Mensch fortwährend und in zunehmendem Maße dazu angehalten zu teilen. Und sich mitzuteilen. Mitzuteilen, was ihm wichtig erscheint und zugleich definiert. Emphatisch teilt er Persönliches und Peinlichkeiten, Informationen und Meinungen, Gebrauchtwaren, Songs, Filme, Autos, Wohnungen und jüngst sogar Muttermilch über soziale Plattformen.

Teilen ist der Imperativ seiner Zeit – von Creative Commons über Social Media zur Shareconomy. Wer wenig teilt, verliert an Status. Wer gar nie teilt, macht sich verdächtig.

Dabei sind es nicht nur der soziale Druck und geleakte Enthüllungen, die diese schöne neue Welt der Teilhabe fragwürdig erscheinen lassen: Den Arbeitsbedingungen zur Herstellung unseres elektronischen Werkzeugs sind wir lieber nicht ausgesetzt. Und am Profit, der sich mit der Ausbeutung von Minenarbeitern im Kongo erzielen lässt, sind wir stille Teilhaber. Da erscheinen die Zukunftstechnologien plötzlich in einem altbekannten Licht. Teilen immer gerne, es sei denn, man hat etwas dabei zu verlieren.

Die Berliner Journalistin und Theatermacherin Christiane Kühl kuratiert eine zweitägige Konferenz, die “Akademie der Asozialität”. Die “Akademie” hinterfragt und erprobt Strategien der Ab-Teilung – in einer Konferenz mit Vorträgen, Diskussionen und Expeditionen. Frei nach Bartlebys „I would prefer not to“ ermuntert sie zum Rücktritt von aller nicht gewählten Teilhaberschaft. Zum Ausstieg aus einem Gefüge, das so wenig durchschaubar ist wie Facebooks Geschäftsbedingungen.

Auch wenn zunächst offen bleibt, wohin der Weg eines kategorischen „Lieber nicht“ führen kann. Ihn zu erkunden, ist den Versuch wert!

Volkskundemuseum Graz.
Konferenz 11.-12. 10., 11.00-19.00.
Expeditionen 11. 10., 15.00-17.00.
Eintritt frei

via Steirischer Herbst

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Code Week (Opening)

CodeWeek

Im Rahmen der Code Week (11.-17. Oktober) sollen Mädchen und Jungen spielerisch an die Welt des Programmierens herangeführt und bestehende Coding-Initiativen in ganz Europa sichtbar gemacht werden. Deutschland nimmt in diesem Jahr zum ersten Mal an der Initiative der Europäischen Kommission teil.

Als digitale Botschaftern hat sich Prof. Dr. Gesche Joost, die auch zur Eröffnung sprechen wird, zur Aufgabe gemacht, der Code Week im Wissenschaftsjahr 2014 in Deutschland Starthilfe zu leisten. Die jungen TeilnehmerInnen erwartet eine Woche voller Workshops, Hackathons und Infoveranstaltungen. Jede/r kann mitmachen!

EU Code Week 2014 (11.–17. Oktober)
Im Rahmen des Wissenschaftsjahrs 2014 – Die digitale Gesellschaft.

Eröffnung
Freitag, 10. Oktober 2014 um 19 Uhr
im Tieranatomischen Theater, Philippstraße 12/13, 10115 Berlin

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New Narratives – Design im digitalen Zeitalter

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Die Digitalisierung hat nahezu jeden Bereich des Lebens erfasst. Wir mailen, kaufen online, chatten, liken und informieren uns im Netz. Auch Design und Gestaltung sind von diesen Veränderungen nicht ausgenommen. Neue Technologien bringen neue gestalterische Herausforderungen mit sich. Die Ausstellung “new narratives – design im digitalen zeitalter” von Hessen Design im Designhaus Darmstadt zeigt wie innovativ Designer mit den neuen Technologien umgehen und wie sie das Digitale zu nutzen wissen. Unterteilt in die Abschnitte Rapid Prototyping/ 3D Druck, Wearable Electronics, Augmented Reality und Internet of Things/ Internet der Dinge werden beispielgebende Projekte aus den Sparten Produkt-, Kommunikations- und Interfacedesign präsentiert.

New Narratives – neue Erzählungen – entstehen dort, wo Gestaltung und Technologie aufeinandertreffen und etwas noch nicht da gewesenes entsteht. Diese Erzählungen sind in der Ausstellung zu sehen. Mit dabei: ein Projekt aus dem Designabilities und Design Research Lab Kontext.

Zur Vernissage am 12. September sprachen Cornelia Dollacker (Hessen Design), Prof. Dr. Ralph Stengler von der h_da Hochschule Darmstadt und Cornelia Zuschke, Bau- und Verkehrsdezernentin der Stadt Darmstadt. Die Keynote hielt der Kulturreferent der Stadt Darmstadt, Prof. Dr. Ludger Hünnekens. Schirmherr der Ausstellung ist Tarek Al-Wazir, hessischer Minister für Wirtschaft, Energie, Verkehr und Landesentwicklung.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 19. Oktober.

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Ordnungspolitik und Möglichkeitsräume

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Die global zunehmende Reglementieurng von Leben im öffentlichen Raum – etwa durch Raumbeschneidung, Verbotspolitik oder gesellschaftliche Exklusionstendenzen – ist Gegenstand der Ausstellung “Offene Stadt” im Grazmuseum in Kooperation mit der Akademie Graz und dem Institut für Kulturanthropologie der KFU Graz.

Die Ausstellung, die als “Plädoyer für eine Stadtkultur des Offenseins, der Gastfreundschaft und der Menschenrechte” verstanden werden will, dokumentiert diese Entwicklungen, ausgehend von der optimistischen Perspektive der Offenen Stadt.

Zur Eröffnung am 1.10.2014 (19 Uhr) sprechen: Stadträtin Lisa Rücker, Astrid Kury (Akademie Graz), Johanna Rolshoven (Universität Graz) und Sibylle Dienesch (Graz Museum).

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„… macht aber viel Arbeit.“ (Tagung)

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In der Auseinandersetzung mit den Künsten stehen gemeinhin die Ästhetik der Werke und die Kreativität der Produktionsprozesse im Vordergrund. Dass Kunst darüber hinaus, wie Karl Valentin es treffend auf den Punkt gebracht hat, viel Arbeit macht, bleibt zumeist unberücksichtigt. Dabei stehen die vermeintlich polaren Bereiche – zumal in der Gegenwart – in einem so engen Wechselverhältnis, dass es notwendig wird, ihre Differenzen, Interdependenzen und Hybriditäten neu zu bestimmen.

Das Graduiertenkolleg „Wissen der Künste“ veranstaltet von Do, 9. Oktober bis Sa, 11. Oktober 2014 im Berliner Medienhaus (Grunewaldstraße 2-5, Aula, UdK) eine Tagung zum Themengeflecht Kunst – Wissen – Arbeit. Gefragt werden soll darin nach der Verschränkung künstlerischer Disziplinen mit spezifischen Arbeitsfeldern, nach Abhängigkeiten der Kunst von bestimmten Techniken des Hervorbringens, Gestaltens und Produzierens, sowie nach eigenen (und anderen) Vorstellungen von Arbeit.

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Inklusion und Innovation

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“Verschiedenheit zur Normalität werden lassen”. “Teilhabe zur Selbstverständlichkeit erheben”. So klar die Wünsche und Forderungen der jüngsten Debatten rund um Inklusionsthematik auch formuliert sind, so deutlich wird auch, dass es gerade in Unternehmen vielfach an erprobten Konzepten mangelt und Träger sich häufig überfordert fordert fühlen.

Der diesjährige IT-Strategietag “Sozialwirtschaft 2014” in Bonn fand heute somit unter dem Leitthema Inklusion statt und wandte sich dabei konkret an Führungskräfte aus Unternehmen der Sozialwirtschaft.

In einer Reihe an Vorträgen u.a. von Gabriele Moos (RheinAhrCampus), Günther Wienberg
(Bethel), dem Kabarettisten und Theologen Rainer Schmidt, Stefan Juchems
(Stiftung Wohlfahrtspflege NRW) oder Tom Bieling
(DESIGNABILITIES) wurden Best Practice Beispiele, politische Implikationen und Handlungsspielräume vorgestellt und diskutiert.

Dabei wurde auch dies deutlich: Das Ziel einer inklusiven Gesellschaft benötigt und ermöglicht ganz neue Geschäftsmodelle und Konzepte, zumal in den Unternehmen der Sozialwirtschaft. Innovation ist somit unabdingbar mit Inklusion verbunden.

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“Die digitale Arbeitswelt gestalten!”

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“Die digitale Arbeitswelt gestalten!”

Unter diesem Motto findet heute die 6. Engineering- und IT-Tagung der Hans-Böckler-Stiftung in Kooperation mit der IG Metall in Rüsselsheim statt.

Im Fokus stehen dabei auch Themen wie das Recht auf informationelle Selbstbestimmung als Voraussetzung dafür, Gesellschaft demokratisch und selbstbewusst gestalten zu können. „Führt die Digitalisierung zu mehr oder weniger individueller Freiheit?“, „Ist alles, was technisch möglich ist, auch gesellschaftlich sinnvoll?“ Diese und weitere Fragen werden hier diskutiert und mit praktischen Beispielen veranschaulicht.

Das Design Research Lab ist mit dabei.

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EU Code Week 2014 – Mitmachen!

Die EU ruft vom 11. – 17. Oktober 2014 Kinder und Jugendliche in ganz Europa zum Programmieren auf. Mitmachen erwünscht!

Programmcodes steuern unsere digitale Welt und damit unser tägliches Leben. Wer ihre Sprache spricht, kann unsere Zukunft aktiv, individuell und kreativ mitgestalten. Daher ist Coding so wichtig. Mädchen und Jungen sollen während der EU Code Week spielerisch an die Welt der Technik herangeführt werden. Zentrale Stichwörter hierbei: Lernen und Spass!

Das Team des Design Research Labs der Universität der Künste Berlin, koordiniert unter der Schirmherrschaft von Prof. Dr. Gesche Joost die Code Week Initiativen in Deutschland.

Ihr wollt dabei sein? Hier steht, wie’s geht:

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Disability Representation and the political Dimension of Art.

Tobin Siebers (University of Michigan) and Tom Bieling (Berlin University of the Arts) thoroughly explore the interconnections between disability, theory, aesthetics, artistic practice, as well as its political dimensions. The discussed elements help in setting the framework to a number of adjacent fields including gender-, diversity- and critical race studies, queer theory or cultural studies. 

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[Tom Bieling:]
In your work you illustrate the crucial roles that the disabled mind and disabled body have played in the evolution of modern aesthetics, unveiling disability as a unique resource discovered by modern art and then embraced by it as a defining concept. A concept that seeks to emphasize the presence of disability in the tradition of aesthetic representation. I know it might be difficult, but could you shortly summarize your core theses especially in the two books “Disability Theory” and “Disability Aesthetics”?

[Tobin Siebers:] Disability Theory and Disability Aesthetics represent two sides of the same argument. The first book is an extended correction of the social model and other theories important to disability studies, and the second book focuses on the disability as an aesthetic value in itself.

Disability Theory corrects the social model (social constructionism) as an argument that 1) limits the political possibilities of people with disabilities and other minorities, 2) refuses to allow that disabled identity possesses verifiable knowledge about the world, and 3) discounts the disabled body, limiting the importance of its appearance and feelings. Although both books are theoretical, Disability Theory makes a concerted effort to think theoretically about many of the major issues in disability studies, sometimes using the help of contemporary theories about culture, language, and art, at other times demonstrating how these contemporary theories fall short because they are incomplete without an understanding of disability. My goal was to stake out a position between the medical and social model by calling for a return to the disabled body, but not in a medical sense. I argue that disability identity has epistemological value, and I posit a theory of “complex embodiment” as a way of understanding that the disabled body and its environment are mutually transformative. My strongest focus on complex embodiment occurs in the chapters on the sexual culture of people with disabilities.

Disability Aesthetics focuses entirely on disability as a body (an aesthetic appearance) that makes other bodies feel. This is my baseline definition of the aesthetic. As a new embodiment, disability provides a major source for new aesthetic forms and emotions crucial to the creation and appreciation of art. Disability Aesthetics names disability as beautiful–in fact as the aesthetic object that makes modern art possible. The book is, I think, the most significant focus to date on disabled embodiment. Here it is not a matter of defining disability with respect to a disabling environment. There are no signs of medicalization, except for those that are disrupted by disability. The focus is on disability as itself. The appearance of disability is chaotic, beautiful, enigmatic—a force that changes the history of art and our perception of the world. Disability is a aesthetic value in itself.

In your work on „Disability Aesthetics“ you describe the attempt to theorize the representation of disability in visual culture and (not only modern) art. You claim, that “the modern in art is perceived as disability, and that disability is evolving into an aesthetic value in itself”. Does this relate to what you said in your article (“What Disability Studies can learn from the Culture Wars”, 1993, or in your Book “Zerbrochene Schönheit” 2009), where you identified the goal “…to establish disability as a significant value in itself worthy for future development”? Would you like to further describe this value, and how it could be developed in future?

In the culture wars, conservative political figures confronted only a few examples of disability aesthetics, and the result was a stand-off. If a few works of art inspired by disability could have such a great impact, imagine what would happen if the number of disability artworks in exhibitions were far greater, if disability artworks were accepted as public art, for example, as Alison Lapper Pregnant was.

The more artwork incorporates disability, the greater the chance we have to change the body politic. But disability aesthetics does not have to be limited to works of art, only to paintings and sculptures. It can also play a significant role in design. The goal is to design a society in which the buildings, household objects, automobiles, tools, computers, jewelry, furniture—all these things and more not only accommodate the disabled body but also reflect the aesthetic values of disability.

You stated that the essential arguments at the heart of the American culture wars in the late twentieth century involved the rejection of disability both by targeting certain artworks as “sick” and by characterizing these artworks as representative of a „sick culture“. Do you see a tendency or approach for a counter concept or opposing model, either in western or in any other culture?

First, this question gives me great hope for the future because from the point of view of disability aesthetics there is no more important problem. How do we change the prevailing attitude that sees human difference as deviance rather than variation?

We are living in two cultures of beauty. The first is a eugenic culture, one that wants to cure or eliminate any person who deviates from the norm. In the West, blond hair, blue eyes, slim waist, and tall height define perfection according to the eugenic norm. In the East, the definition of human perfection is different, but eugenics still stands behind it. The result is an incredibly static vision of what human beauty is.

The second culture of beauty is an aesthetic culture in which beauty is not defined by eugenics. In fact, beauty is disconnected from the human body. As I am fond of saying, Picasso’s Les desmoiselles d’Avignon is beautiful, but if I forced my daughter to use cosmetic surgery to imitate that beauty, I would be rightfully locked in jail. Disconnecting aesthetic beauty from human beauty is a crucial step in freeing ourselves from eugenic culture. It helps us to understand that using aesthetics to determine whether a culture or person is sick represents a misuse of aesthetics and a return to eugenics. Rather, the experience of aesthetic beauty, which is based on variation and difference and not uniformity and stasis, represents a break with eugenic culture. Only when we are capable of recognizing disability in artworks and declaring it beautiful at the same time, will we be making progress against eugenic thought. Then it will no longer make sense to call an artwork “sick.”

Does this relate to “Good Art embodies Disability”? What do you mean by that? And is this related to e.g. the techniques and tendencies of Dada and Expressionism to deform the body or somehow determined norms?

Dada and Expressionism are good examples of artistic movements that deform the human shape to challenge norms. But challenging norms was not the only goal of these movements. They wanted to create new forms of beauty, and they did.

When I stated that “Good art embodies disability,” I meant to do two things. First, I wanted to shake up how people think about art and disability. The statement alone challenges people to question themselves: “If I reject this statement, why do I reject it? Do I think that the presence of disability ruins art? Or do I think that only kitsch embodies disability?”

Second, I was inventing a new proverb for the age of disability aesthetics. We have entered a new era, I argue, where the modern in art is recognized as disability. Good art embodies disability for this reason, and as long as we remain in this era, as long as disability represents an aesthetic value, we will know good art in relation to disability. By the way, I am not speaking exclusively of representational art. Disability aesthetics is active as well in nonrepresentational art. It may not be as obvious to beholders. It may require spending time with the art work. But the pay-off is a new way of looking at nonrepresentational art, one that expands the story of how art creates meaning.

If real beauty – meaning a beauty not in line with popular market conditions – has a connection to „disabled bodies“, then art could guide us towards a (currently utopian) society that is based on inclusion rather than exclusion, accessability instead of barriers, diversity instead of “normality” or monotony. Now, if everything or everybody is equally integrated into the realm of beauty, how would you replace the understandings of beauty / ugly?

What I say is that the beauty dependent on the human body is eugenic, and, yes, the market drives these ideas, although the market also drives aspects of aesthetic beauty as well. (How to free ourselves from the market is an important issue, but it is beyond our scope here.) What you call “real beauty”—a term I would not use—or what I call “aesthetic beauty” embodies disability in the modern era, because disability provides new resources for art makers. I think that it is an important leap to “see” disability in art as beautiful, because disability has never been seen in that way. In effect, then, modern art embraces radically different conceptions of beauty, and this is no small thing. It creates different art, and it has the possibility of changing the body politic.

I want to see more and more disability in art; even more I want to see public art guided by disability aesthetics. However, I do not believe that art will lead to utopia. In fact, I am a bit nervous about the concept of utopia. I do believe in social transformation, in inclusion rather than exclusion, in diversity rather than normality. The disability community has the ability to drive social transformation, and it depends in my opinion on at least two factors, as I try to explain in Disability Theory. First, disabled people have emerged as knowledge producers; they are not merely the objects of medical research. This new knowledge of society frees people with disabilities from oppressive stereotypes because they understand that it provides a better explanation than existing ideas of their social location. The justifications for the oppression of disabled people no longer hold water, and once they realize this fact, they begin to gather together to fight oppression and to transform their society into one that will not only accommodate them but accept their contributions as valuable. Second, I believe that identity politics and political action groups hold the key to leading disabled people to full citizenship. But the political transformation of society by disabled people is at early stages. We hope to follow in the footsteps of other successful minority groups such as women and gays and lesbians. In the U.S., the Americans with Disabilities Act (1990 and 2008) has advanced the civil rights of disabled people, but we have a very long way to go before we are full and equal citizens. Other countries are making their way forward with similar legislation, but they all use, as far as I know, political action to advance their goals. Disabled people have to hit the streets.

You mentioned*, that „Aesthetics opens us to more expansive and diverse conceptions of the human, and disability has become a powerful tool for rethinking human appearance, intelligence, behavior, and creativity“. Could you give us an „instruction manual“, how to use this tool?

Fortunately, there is no instruction manual for any form of legitimate aesthetics. There is just no recipe for making art. When people start making rules about what art should be, art disappears and tyranny begins.

Disability is an aesthetic resource discovered by modern artists, and it diversifies our conception of the human. First, the inclusion of physical disability in art changes both how bodies appear and their specific appearances. The commitment to conceive of human beings as other than healthy is obvious in the preference for figural deformation in modern painting and sculpture. Second, mental disability has a great impact on modern art. Modern writers are identifiable as “modern” by their use of disability to create distinctive narrative styles. For example, would Faulkner’s The Sound and the Fury be nearly as affecting if it were written without using Benjy Compson’s voice? Or consider the impact of Baudelaire’s distracted flâneur, Proust’s use of involuntary memory, or Joyce’s stream of consciousness. What would modern literature be without them? Disability aesthetics multiplies the varieties of the human, including representations of what human beings think and feel.

In your “Contact Zones” Keynote** you talked about “Disability, Pain, and the Politics of Minority Identity”, exploring the use of disability as a prop to denigrate the politics of minority identity. Could you please elaborate!

My talk is the third and final piece of my on-going argument about the representation of pain on the contemporary political scene. I offer a counterargument to the pervasive belief that pain disables the ability of minority people to participate in politics.  As long as minority identities are thought disabled, there is little hope for the political and social equality of either persons with these identities or disabled people, for there will always be one last justification for inferior treatment. There will always be the possibility of proving the inferiority of any given human being at any given moment as long as inferiority is tied to physical and mental difference. Moreover, the idea that pain in itself leads to inferior identities, ones given to greater self-recrimination or frequent victimizing of others, relies on a fallacious psychology prejudiced inherently against disability. These arguments fail when we realize that the lack of political fitness ascribed to minority people depends on an analogy to disabled people and on the false belief that disabled people are biologically inferior.

 

Tobin Siebers is V. L. Parrington Collegiate Professor of  English and Art & Design at the University of Michigan. He is the author of thirteen books, including ‚Disability Theory’ (Michigan 2008) and ‚Disability Aesthetics’ (Michigan, 2010).

Tom Bieling is a visiting professor in Applied Sciences and Art at the German University in Cairo and a PhD candidate at Berlin University of the Arts. He is author of the book ‘Gender Puppets’ (Lit, 2008) and Co-Founder of the Design Research Network.

 

This text has previously been published in: Baltic Horizons, No 21 (118), II. Social, ethical and political Aspects of Research in Design; October 2013, EuroAcademy Series Art & Design, Euroakadeemia, Tallinn, Estonia; pg 45 – 48

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MENSCH, MASCHINE! Wie barrierefrei ist die digitale Gesellschaft?

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Ältere Menschen und Menschen mit Behinderungen fühlen sich bisweilen von der digitalen Welt ausgegrenzt. Nicht immer wird die Technik ihren Bedürfnissen gerecht oder sie ist unpraktikabel oder unnötig kompliziert. Gleichwohl gibt es auch Unterstützungstechnologien, mit deren Hilfe sich behinderungs- und altersbezogene Nachteile adressieren oder ‘ausgleichen’ lassen: Lesehilfen, Spezialtastaturen oder virtuelle Assistenzsysteme. In solchen Fällen erleichtern Maschinen Menschen, die mit Benachteiligungen konfrontiert sind, das Leben ungemein.

Doch werden solche Helfer überhaupt akzeptiert? Was bedeuten virtuelle Assistenzsysteme für den Alltag? Warum finden technische Assistenzsysteme bisher noch so selten Anwendung bei Menschen mit Behinderung? Können Avatare von Menschen mit Behinderungen lernen? Und: Wie barrierefrei ist das Internet wirklich?

Im Rahmen der Diskussionsplattform und Veranstaltungsreihe “Wissenschaft kontrovers” treffen mit Prof. Dr. Stefan Kopp Diplom-Gerontologin Melissa Henne am 15.08.2014 (18 Uhr) in Bielefeld zwei Experten aufeinander. Kopp vom Exzellenzcluster CITEC der Universität Bielefeld als Fachmann für kognitive Interaktionstechnologie. Und Henne als Vertreterin der v. Bodelschwinghschen Stiftungen Bethel, wo sie in der Stabsstelle für Unternehmensentwicklung aktiv ist.

via Wissenschaft kontrovers

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Stadt selber machen (Book Review, german)

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Urban Farming, Guerrilla Gardening, selbstgebaute Stadtmöbel, Um- und Zwischennutzung von städtischen Brachen: Seit einigen Jahren wachsen sowohl die Begeisterung von BürgerInnen und privaten Initiativen für urbane Intervention, als auch das Bewusstsein von Seiten der öffentlichen Hand gegenüber den Vorzügen solcher Impulse.

Ebenso zeigt sich, dass räumliche Aneignung nicht zwangsläufig mit halb- bis illegalen Nacht- und Nebel-Aktionen assoziiert sein muss. Gleichwohl ist die Triebfeder zumeist dieselbe: Es geht um die sozialräumliche (Rück-)Eroberung städtischen Raumes durch seine Bewohner, und die Erschließung neuer Möglichkeitsräume. Vorzugsweise im Einklang mit der Natur.

In „Stadt selber machen“ kompiliert Laura Bruns acht Projekte aus Zürich, Hamburg und Berlin, als Beispiele für einen spielerischen, eigen-initiierten und anwendungsorientierten Umgang mit urbanem Raum.

Egal ob langfristige oder vorrübergehende Um- und Ausgestaltung städtischen Raums: Stets umweht die Projekte der Charme des Provisorischen, des Informellen und Selbstgeschaffenen. „Nicht warten, bis die Stadt irgendwann in zehn Jahren anfängt, etwas zu bauen“. Einfach (selber) machen! Selbst gestalten. Und selbst verwalten.

Transparenz und Nutzungsfreundlichkeit stehen dabei im Vordergrund, so dass bei kluger Umsetzung auch die Kommunen und Ämter mitspielen. „Eine Bank im öffentlichen Raum zu bauen ist nicht erlaubt. Wenn sie aber von vielen genutzt wird und allen etwas bringt, so wird sie meist bleiben.“

Eine wichtige Grundvoraussetzung für die Entwicklungsmöglichkeiten sozial verträglichen Raumes ist der Miteinbezug lokaler Akteure. Ihr Wissen, ihre individuellen Bedürfnisse und Interessen können als Basis für realitätsnahe, alltags- und bedürfnisrelevante und nicht zuletzt unkomplizierte Konzepte dienen, die aufgrund ihrer offenen Entwicklungs- und Nutzungs-Strukturen Raum für Begegnung und Austausch schaffen.

Eines wird bei alledem deutlich: Wenngleich auch der Ausgangspunkt für Stadtaneignung, etwa durch die Schaffung von Aufenthalts-, Erholungs-, Spiel-, oder Freizeitsport-Möglichkeiten nicht zwangsläufig politisch motiviert sein muss, so geht, wie von jeder selbstbestimmten Aktion, eine Wirkung von ihnen aus, die in ihrem Urverständnis politisch ist.

Untertitelt als „Handbuch“ bietet sich die Lektüre als kurzer, aber knackiger Ratgeber für diejenigen an, die auch mal „Stadt selber machen“ möchten. Juristische Tipps und Hinweise zu Finanzierungsmöglichkeiten inklusive.

Tom Bieling, Mai 2014

 

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Laura Bruns:
Stadt selber machen. Ein Handbuch. Jovis, 2014, 144 S., 

ISBN: 978-3868593259

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Policital Interventions (Book Review, german)

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Wann immer soziale Protestbewegungen ihr Formenrepertoire erweitern, verschieben sich auch die Grenzen von politischem Aktionismus und Kunst. Historische Beispiele finden sich etwa im Kontext der Arbeiterbewegung der 1920er, der Friedens-, Frauen-, Studenten- und Bürgerrechtsbewegungen der 1960er, oder der Öko-Bewegung der 1980er Jahre.

Angesichts einer fortwährenden Digitalisierung, die sich nicht nur auf ökonomische Verhältnisse und soziales Verhalten auswirkt, durchläuft auch die Kunst eine Umgestaltung und Neuausrichtung ihres kritischen Potenzials.

Durch ihre bisweilen offene semantische Struktur, zumal im Angesicht vielfältiger, globalisierter und unverzüglicher Kommunikationsbedingungen, beschränkt sich die Rolle der Kunst dabei längst nicht mehr auf das Erzeugen von Gegennarrativen.

Vielmehr offenbaren sich ihr – und durch sie – unmittelbare Verknüpfungspotenziale politischer und künstlerischer Sachverhalte: Kunst als engagierter Gegenpol der Politik zur Entlarvung von Machtsystemen. Kunst als Politik. Politik als Kunst.

Die Ausgestaltung politischer Kunst ist dabei freilich immer auch Gegenstand, gesellschaftlicher Aushandlungsprozesse, die sich im digital-analogen Spannungsfeld mitunter blitzartig verlagern, überlagern und reformieren ­– was wiederum strategische Handlungsräume für Gesellschafts- und Herrschaftskritik schafft.

Wie Kunst, nicht nur als ästhetisches Konzept, in öffentliche Meinungsbildung intervenieren und maßgebliche Gegenkonzepte erfahrbar und plausibel machen, und somit realpolitisch relevant werden kann, ist Gegenstand des Buches „Political Interventions“*.

Eingefasst von Textbeiträgen (u.a. Mercedes Bunz, Dieter Daniels, Stefan Heidenreich, Dominik Landwehr) nimmt das Werk der Schweizer Medienkünstler Christoph Wachter und Mathias Jud darin eine zentrale Rolle ein, deren Arbeiten im Kosmos aus investigativem und sozialem Engagement, politischem Aktivismus und Aktionismus, und zivilem Ungehorsam als exemplarisch für einen Ansatz politisch motivierter Kunst gelten kann, die gleichermaßen an der Schaffung symbolischer Funktionen, wie an der Umsetzung lebensweltlicher Bezüge interessiert ist.

Sei es mit ihrem Projekt ‘Zone*Interdite’, in dem die sie öffentlich zugängliche Bilder von militärischen Sperrzonen sammeln und zu einer Kartografie der Unterdrückung kompilieren. Sei es mit ihrer dreidimensionalen Guantanamo-Rekonstruktion. Oder mit ihrer Open Source Software qual.net zur Errichtung autonomer Netze. Stets schwingt ein Verständnis über die politische Dimension der Dinge mit, und die Erkenntnis darüber, dass diese manchmal erst im veränderten Zustand ihrer Beschaffenheit für uns greifbar wird.

Im Bewusstsein des politischen Wirkungskreises unserer digitalen Artefakte verdeutlicht sich auch deren gesellschaftliche Relevanz, die spätestens durch ihren Gebrauch oder auch durch ihre (Un-)Zugänglichkeit über Strukturen und Formatierungen sozialer Prozesse und Belange mit entscheidet, zu denen auch die Frage von Inklusion oder Exklusion zählt.

Die Erkundung der Formen und Möglichkeiten politischer Intervention, und die Frage inwieweit Kunst im digitalen Zeitalter Einfluss auf Politik nehmen kann, ist somit schwer von einem moralischen Werteverständnis zu trennen, welches der Mitgestaltung von Gesellschaft zu Grunde liegt.

Und genau hieran verdeutlicht sich auch ein sich verschiebender Kunstbegriff, dessen Erscheinungsform Heidenreich als „nach-ästhetisch“ bezeichnet: In dem Moment wo Kunstwerke auch als Tools genutzt werden (können), die zur Entschlüsselung oder der Durchdringung der digitalen Welt mitsamt ihren Vor- und Nachzügen dienen, erhalten auch Nutzende Gelegenheit, „Paradigmen, die diesen Instrumenten zugrunde liegen, zu hinterfragen und neu zu formulieren“ (Boris Magrini).

Die Möglichkeit zur praktischen Umgestaltung wird dadurch mindestens gleichbedeutend mit der ursprünglichen Kritik an bestehenden Verhältnissen. Bestandaufnahmen sozio-technischer Sachverhalte, politische Intervention und theoretische Reflexion darüber, werden zu äquivalenten Bestimmungsorten der Kunst, und deren iterative Verknüpfung Teil der Strategie.

Tom Bieling, April 2014

 

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* Migros-Kulturprozent / Dominik Landwehr (Hg.): Political Interventions
Edition Digital Culture 1 / Christoph Merian Verlag, 2014, 244 S.,
ISBN: 978-3-85616-609-0

 

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Accelerate, Empower and Represent!

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Accelerate!
The accelerationist reader

Armen Avanessian & Robin Mackay (Ed.)

The term Accelerationism, describes a contemporary political heresy, which is the insistence that the only radical political response to capitalism is not to protest, disrupt, critique, or détourne it, but to accelerate and exacerbate its uprooting, alienating, decoding, abstractive tendencies. From Marx to cyberculture, from rave and acid house to underground culture this book discusses a range of examples of accelerationism.

Urbanomic, 2014, ISBN 9780957529557 | EUR 19,90

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Empower!
The Political Economy and Political Ecology of Urban Form
Ed. by Marc Angélil & Rainer Hehl

With their third Volume of Essays on the Policital Economy of Urban Form (after Vol.1 “Informalize!” and “Collectivize!” Vol.2), Marc Angélil and Rainer Hehl collected projects that address contemporary power relations and their effects on urban and natural landscapes in the age of the Anthropocene, a nascent geological epoch defined by human activity. Covering geopolitics in the Amazon, infrastructural subtraction in Ecuador, circulatory urbanism in Mumbai, and urban development on Brazil’s frontier, this edited publication explores urban transformations through the added lens of political ecology, in order to better understand the political, economic, and social factors of humanity’s profound effects on the biosphere.

Ruby, 2014, ISBN 978-3-944074-08-5 | EUR 12

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They Can’t Represent Us!
Reinventing Democracy from Greece to Occupy

by Dario Azzellini and Marina Sitrin

Dario Azzellini and Marina Sitrin compiled different views on how the new global movements are putting forward a radical conception of democracy. And on how international, global and regional mass protest movements share an agenda—to raise the question of what democracy should mean. Recent movements, including Occupy, put forward the idea that liberal democracy is not democratic, nor was it ever. Together they exercise and claim participatory democracy as the ground of revolutionary social change today.

Verso, 2014, ISBN 9781781682371 | EUR 13.50

 

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Design as Radical Labour (Interview with Tom Bieling)

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NewPractice (Issue One) on ‘Design as Radical Labour’ includes an interview with Tom Bieling about social, cultural and political dimensions of Design.
Find the entire interview here!

 

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Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus (Book Review)

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Dass es im Bauhaus als Hochschule für Gestaltung nicht ausschließlich um den alltagsrelevanten, ganzheitlichen Gestaltungsansatz ging, zeigt bis zum 21. April die Dessauer Ausstellung »Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus«.

Begleitend dazu skizziert der von den Kuratoren Torsten Blume und Christian Hiller kompilierte, gleichnamige Katalog*, die 1921 von Walter Gropius gegründete Bühnenwerkstatt – im Unterschied zu den anderen Bauhaus Werkstätten – als ebenso experimentelle, wie kritisch und visionäre Brutstätte der freien Kunst. Und lässt zugleich erahnen, wie unweit diese bisweilen dennoch von der lebensweltlichen Gestaltung von Gebrauchsgegenständen entfernt liegt.

Als man sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit zunehmend technisierten, zugleich Besorgnis erregenden und verführerischen Lebensräumen konfrontiert sah, fungierten Orte wie die Bühnenwerkstatt als solche, in der das Verhältnis von Mensch und Technik neu erforscht und erprobt werden konnte, und in denen es „um nichts weniger ging, als den Entwurf des neuen Menschen“ (Philipp Oswalt)

Auf der Suche nach einem neuartigen, sinnbehafteten Verhältnis zu einer sich fortwährend dynamisierenden, technisch animierten Umwelt, und einem reziproken Mensch-Technik-Verhältnis, gingen die zentralen Protagonisten Lothar Schreyer, Oskar Schlemmer und László Moholoy-Nagy dabei grundlegenden Fragen der Mechanisierung, Maschinisierung und Rationalisierung nach.

Auf eine Weise, in der die Logik und Rhythmik des Maschinenzeitalters ebenso widerspiegelt wie hinterfragt wurde, entstand dabei eine Reihe von technoid-menschlichen Doppelgängern. So zum Beispiel die skulpturalen, biomechanischen Kostüme aus Schlemmers Triadischem Ballett, in denen die Protagonisten, beinah wie eine Art Vorgriff auf spätere Roboterbilder, auf befremdlich-vertraute Weise entindividualisiert androgyn erschienen: Grenzfiguren zwischen Natur und Artefakt. Gleichsam als Technikkritik zu verstehen, im Erkenntnisinteresse jedoch auch als Bewegungsstudien für neue Maschinenkörper dienend.

Nach zahlreichen beachtenswerten Studien und Publikationen zum vorrangig gestalterisch-architektonischen Vermächtnis des Bauhauses, widmen sich Ausstellung und Katalog mit einem Spektrum aus Fotografien und Skizzen, Modellen und Apparaturen, historischen, programmatischen Texten und aktuellen Reflektionen, nun erstmalig seinem ‚flüchtigen’, performativen Nachlass: den Experimenten und Konzepten der Bauhausbühne.

Tom Bieling, April 2014

 

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* Torsten Blume, Christian Hiller (Hg.):
Mensch Raum Maschine – Bühnenexperimente am Bauhaus
Spector Books, 2014, 264 S., ISBN 978-3-944669-21-2; 36 EUR

 

 

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CinemAbility (Documentary Trailer, 2013)


The US-documentary “CinemAbility” examines the ever-changing portrayals of disability story lines in film, TV and the web to see if the media has had a hand in transforming the societal inclusion of people with disabilities. It takes a detailed look at the evolution of “disability” in entertainment by going behind the scenes to interview Filmmakers, Studio Executives, Film Historians, and Celebrities, and by utilizing vivid clips from Hollywood’s most beloved motion pictures and television programs to focus attention on the powerful impact that entertainment and the media can have on society.

 

 

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ART’S HOME IS MY KASSEL (german Trailer)


“Engagierte Mitarbeiter und unzählige Helfer, neugierige Schaulustige und um Verständnis bemühte Besucher, »weltgewandte Begleiter« und weitgereiste Kunstgäste: In Kassel treffen sie 2012 alle auf die Documenta – Weltkunstschau mit höchster internationaler Aufmerksamkeit und Heimat in Nordhessen. Katrin und Susanne Heinz betrachten aus den Blickwinkeln der Kasseler die temporäre, aber auch invasionäre Totalveränderung ihrer Heimatstadt, denn das Spektakel prägt in diesem Sommer sowohl das Stadtbild als auch das Lebensgefühl.

»Arts Home is my Kassel« folgt der Documenta über die Vorbereitungen Anfang 2012, durch das gesamte »Museum der 100 Tage« bis zu den Abbrucharbeiten – wie eine filmische Lustwandelei: Er ist keine Wiedergabe offizieller Deutungsansätze, er will keine umfassende Berichterstattung sein.

Der Film vermittelt Kunst und Event allein durch seine Protagonisten: eine Taxifahrerin, eine Studentin, Künstler, ein Schreiner, interessierte Kasseler Bürger und ein Architekt vermitteln einen verständlichen, praktischen und intuitiven Zugang zu den Arbeiten und der Kunstwelt. »Arts Home is my Kassel« hebt die Kunst der Documenta als etwas Lebendiges, Berührbares von einem falschen Sockel und verstärkt die Kunstfähigkeit eines jeden Neugierigen.”

via arts-home-is-my-kassel

 

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Katherine Runswick ‘Approaching Disabilty’

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